【摘要】表演专业在我国尚处于发展阶段，多年来一直只能授予学士、硕士学位。直到2018年，我国最高音乐学府上海音乐学院和中央音乐学院才设立了第一个表演专业的博士学位点。而美国的表演专业历史悠久，其对应的博士学位（DMA）的设立距今也经历了近70年的发展，对于其在课程设置方面的优势是值得我们学习借鉴的。

【关键词】美国音乐院校; 表演专业 ;课程设置

【中图分类号】J60                               【文献标识码】A

当代音乐教育哲学领域最为杰出的代表人物之一大卫·艾略特（David J.Elliott，目前任教于纽约大学）认为：“音乐的概念是开放性的，音乐教育的价值是多方面的，人們对于音乐的理解可以是多角度的，音乐教学的方法也可以是多种多样的。”[1]美国的两百多所音乐院校正是秉承这样的教育理念吸引了世界上众多天赋异禀的音乐学习者去接受先进的音乐教育。 在表演专业方面，美国提供学士、硕士、博士学位以及演奏家文凭，其中表演方向的音乐艺术博士学位（Doctor of Musical Arts，简称DMA）距今已有近70年的发展历史。在课程设置的实践性和多样性方面，美国音乐院校表演专业教育系统的先进性值得我们参考借鉴。本文将以笔者就读过的密苏里大学和罗切斯特大学伊斯曼音乐学院为例，就钢琴表演专业课程设置的优势进行探讨。

一、实践是音乐表演专业不可或缺的部分

中央音乐学院周海宏教授谈到：“音乐表演是把音乐审美理想呈现为音乐审美感受的核心环节， 是人类操控自己的肢体与嗓音实现音乐审美理想的特殊能力，音乐表演者是音乐文化活动的执行者。作为连接创作与欣赏的中间环节，沟通作曲家与听众的桥梁，音乐表演人才不仅要掌握驾驭乐器或嗓音的技能，还要对音乐作品本体有深入的了解，对受众的审美规律有全面的认识，同时兼具传承传统音乐文化的职责与创新精神”[2]。作为一名高水平的音乐表演者，既要在理论知识上掌握作曲家的曲目创作意图和创作背景，又要掌握演奏此项乐器必备的技术，还要在尊重作曲家创作手法的基础上融入自己对作品的理解，这一系列复杂又艰难的过程进行到最后都需要实践在舞台上才能完整的体现出来。在美国，源源不断的演出机会给表演专业的学生提供大量展示能力的机会。例如专业老师们会每周给学生组织2-4小时不等的观摩课（Studio Class），或由3-5个学生组成的小组课（Group Class），让学生在一群熟悉的观众朋友面前演奏即将参加考试、比赛或音乐会的曲目，演奏完毕后老师和同学们提出建设性的意见，这是正式在公众亮相前，学生锻炼演奏新曲目的良好机会。演奏者在台上不仅需要克服紧张的心理因素，因为这种因素或多或少会影响音乐的质量，还需要锻炼学习快速适应舞台音响效果、琴键松紧情况、踏板设置深浅等方面的能力。正因为如此，表演者才需要在实践中不断去摸索、去体验、去积累演奏经验，一次次对更高质量的演奏进行完善，这是每位音乐文化执行者必须要经历的过程。

二、课程设置的多样性给表演专业学生提供全面发展的平台

（一）理论课程给表演专业的学生提供必要的音乐素养培训

美国音乐院校的理论课程与专业课程的良好结合，给学生提供了一个全面、专业的学习平台。在理论课程方面，有西方音乐史、乐理和针对各专业的文献课等等。其中，西方音乐史方面的课程设置细致入微，一学期的课程通常只专注在某个特定时期或者某一位作曲家的部分作品上。精炼的课程内容可以给学生带来更有针对性、更深刻、更透彻的学习。此外，还有为不同专业开设的文献课程，例如钢琴专业有钢琴文献课，声乐专业有歌剧文献课，管弦专业有管弦文献课等等。以钢琴文献课为例，通常会根据不同的历史时期分成2-4个学期介绍相关的历史背景知识、代表作曲家及其作品，也会有一门课单独介绍某位作曲家的某些作品。例如笔者在伊斯曼音乐学院读研时，有一门钢琴文献课是介绍贝多芬的32首钢琴奏鸣曲。老师按照作品号，讲述每一首奏鸣曲的创作背景、创作手法、分析每个乐章的曲式结构，再挑选出经典版本的音频让学生欣赏，最后再一起评价讨论对音频褒贬不一的看法。这门文献课不仅补充了演奏者对贝多芬钢琴奏鸣曲的必要理论知识，而且在培养表演专业学生的独立鉴赏能力方面也有巨大帮助。而目前在国内各音乐院校开设的音乐史课程中，大多数会使用通史授课的方式，在一个学期内浏览好几个时期的历史。因此，从古至今横跨上千年的音乐史通常在两个学期的课程内完成，随之分配到每种音乐风格的学习时间就十分有限，学生们对相关知识点的掌握也较为笼统、浅薄，从而导致在演奏作品的过程中，欠缺理论知识支撑，对作品的演绎更多是照本宣科，完全按照老师要求的方式去完成，并不能融入自己的独立思考和见解。

（二）多样化的专业课程设置使学生实际演奏水平得到全面提升

美国高校的音乐表演专业在课程设置方面具有多样性的特点，常见的课程有室内乐课、伴奏课以及视奏课等。首先，以室内乐课为例，室内乐的表演形式通常由两种或多种乐器组成，讲究乐器之间的协调与配合，它的音响效果虽不如交响乐那样气势磅礴，但又比独奏曲目的色彩更加丰富有趣。室内乐在西方国家的音乐院校中属于必修课程，演奏不同乐器的学生除了要熟悉自己演奏的部分以外，还要了解其他搭档的部分，这样才能在排练过程中一起探讨每个乐句（横向）和每个声部（纵向）之间的变化，把音乐表现得更加惟妙惟肖。“音乐是声音的艺术，音乐世界里最高的法则是聆听”[3]。室内乐的训练让每个学生不仅要严格把控自己的节奏，还需要仔细聆听他人的弹奏。只有整个团队在思想上和行动上都步调一致，处理好合作中产生的矛盾和问题，才能完成一场优秀的室内乐演出。

另一门提高团队意识合作的课程是钢琴专业学生必修的伴奏课。“伴奏”这个词在中国的音乐表演形式中一直起着器乐或声乐的陪衬作用，大多数时候被认为是辅助工具。直到近些年，国人重新认识了钢琴伴奏的地位，认为伴奏与独奏应为合作关系，才渐渐开始以“协作钢琴”的称谓取代“钢琴伴奏”的称号。在美国的一些音乐院校，钢琴伴奏（Piano Accompany）是一个独立的专业。主攻钢琴伴奏专业的学生需要学习德语、法语、意大利语等多门外语，以便在与歌唱者排练的时候理解歌词的含义，纠正歌唱者的发音，提供给他们音乐处理上的专业指导，这也就是近年来国内盛行但实际水平还有待提高的“艺术指导”。笔者在密苏里大学读本科时期，每一学期的钢琴伴奏课上老师会根据每位学生的演奏水平布置曲目，声乐作品和器乐作品均有涉猎。在练好自己的部分后，老师会安排好搭档进行排练，然后在课上教导学生如何去跟搭档一起配合、一起分析乐谱，最后会在音乐会上展演这学期的学习成果。室内乐和伴奏的形式不仅让音乐的色彩效果更丰富饱满，还学习了怎样平衡不同乐器之间的音响关系，如何对峙和支撑对方，这是对学生演奏水平的一项综合性训练。除此以外，对于独奏专业的学生来说，练琴是一件孤独封闭的事情，大量时间都是一个人在琴房度过。而室内乐和伴奏讲究人与人之间的合作与沟通，在培养和塑造学生健全的人格方面也起到一定辅助作用。

三、结语

总而言之，美国高校音乐表演专业的教育优势明显，理论和实践的良好结合使学生的音乐素养和个人能力得到全方位发展。扎实的理论知识是发展想象力和创造力，挖掘自身学术潜力的基础。在积累了一定的理论知识之后，大量的实践机会是检验基础知识必须经历的过程。美国的音乐教育发展历史悠久，表演专业课程设置系统相对成熟完善，对提高我国音乐教育的水平具有学习和借鉴价值。

参考文献

[1]周正基.艾特略的实践音乐教育哲学解读[J].中国音乐，2009（3）.

[2]周海宏.高等音乐院校表演类专业办学质量标准及评估观测点研究[J].天津音乐学院学报，2018（2）：5-18.

[3]Spillman Robert.The Art of Accompanying：Master Lessons from the Repertoire（New York： Schirmer Books，1985， Preface）.

作者简介：姚卉，旅美钢琴博士，2007-2017年间先后就读于美国密苏里大学以及罗切斯特大学伊斯曼音乐学院，获学士、硕士、博士，现任广州大学音乐舞蹈学院青年钢琴教师。