【摘要】音乐表演具有多种形式及种类，其中包括声乐表演及器乐表演。音乐表演通过表演者丰富的表现力传达给听众。表现力丰富的歌剧或乐曲，不仅能让观众产生共鸣，也可以使乐曲本身得到升华。我们在表演的过程中往往会通过自己对作品的理解和自身经历以及每个人个性的差异对乐曲进行重新创作。然而在创作的过程中，我们要清楚地知道作品的背景、时代、风格以及体裁，保证作品的严谨性并加入自己的理解，从而使作品产生更高的价值，在表演给观众的同时，产生共鸣。

【关键词】严谨性;二度创作;共鸣

【中图分类号】J604.6                       【文献标识码】A                      【文章編号】1002-767X（2020）04-0008-02

【本文著录格式】李洋.浅谈音乐表演的二度创作[J].北方音乐，2020，02（04）：8-9.

音乐表演的二度创作是指表演者在表演过程中保持曲作者的基本要求，同时对音乐形成自己的理解、处理和自己的风格特色，准确而完美地展现作品的内涵与风格，塑造鲜明的音乐形象。音乐表演也是对一度作品进行二度创作的结果。

我们最初学习声乐或者一门乐器，我们往往重视的是技巧，认为只要把演唱或者演奏的技巧练习好了就成功了，但是在最终演奏的过程中因为过度重视技术技巧而忽略了音乐情感的表达并不能和观众产生共鸣。现在越来越多的表演艺术家在表演过程中通过技术技巧在不改变原作品所表达的内容基础上，加入了自己的想法及个性表达进行二度创作。

一、二度创作的严谨性

对于一首作品，首先我们要对这首曲子的创作背景进行分析，并了解这首作品的年代、风格等。作曲家的创作是十分重要的，因为有了他才会有接下来对作品的创造性。但是作为表演者同样也肩负着很大的重任，在表演的过程中，他要向观众充分表达这首作品本身的意义并和观众产生共鸣，并非随心所欲的任意发挥。每一位作曲家的性格、年代、家庭等都是不同的，他们笔下的作品所表达的内容也是不同的，就比如肖邦和李斯特，在少年时期同样被称为“天才”，可是两个人的经历是完全不一样的。

肖邦出生在特殊时期的波兰，19世纪的波兰，当时的社会环境反对奴役压迫，争取独立自由的民族战争，而此时波兰的文艺中也具有着当时欧洲的浪漫主义思潮的共同特征。例如，强调个人主观情绪和幻想的表现、富于抒情色彩、喜爱对大自然景物的描绘，题材常常来自中世纪的民间传说、具有一定的民间色彩等，但是波兰的浪漫主义文艺还具有自己独特的性质，那就是包含着强烈的爱国主义精神和民族意识，这是19世纪初波兰特定的社会历史条件所决定的。此时，年轻的肖邦便受到了这种特殊的浪漫主义文艺深刻的熏陶，从而使肖邦在后来的创作中一直表现出强烈的民族性。而李斯特在出生与成长阶段并没有受到民族性的影响，而是沉浸在他的“演奏神童”的幸福生活中，所以在他的作品中“民族”并不是他想要去表达的。在生长环境中两位就有很大的差距，即便两位都是19世纪浪漫时期重要的代表人物，但是他们的乐曲所表达的风格却大有不同。比较并聆听这两位大师可以发现，一个内向、腼腆而不失刚烈，一个外向、浮夸却也有几分深沉。

只有严谨地把握好作品本身、充分去了解、通过技术技巧及感悟表达出来，并通过自己的进一步创作更加生动形象地传达给观众、产生共鸣，这才是艺术真正的意义所在。

二、二度创作的创造性

二度创作的过程也是赋予音乐作品生命的过程。每一个人经历不同，对作品的理解以及表达也是不同的，所以，在创作过程中有很多地方需要注意。

（一）原作风格与个人风格

每一首作品的时代风格与审美特征都是不同的，表演者在不改变原作的风格下加入自己的表现力与创造力表演出来，真实地呈献给观众，是因为有原作才给了我们创造个人风格的机会。表演者也是传播的重要途径，是他们把音与词赋予了生命力，表演者需要深入了解原作的一切包括作曲家的想法，因为每一个作曲家与表演者的时代与经历都是不同的，两个时代的审美也是不同的，表演者在经历漫长的学习与知识积累中形成个性风格，完美的二度创作是在不破坏原作自身特色与风格的同时加入个人风格传达给观众。

（二）技术技巧与情感

在二度创作过程中，技术技巧与情感都是十分重要的，只有技巧却没有情感的表达是没有灵魂的，只是沉浸在自己的情感中，不讲究技术、技巧也是无法和观众产生共鸣的，每个人的情感都是不同的，因为每个人的经历不同，表达方式也不尽一样，所以情感不是随意去发挥，而是要在原作的情感基础上融入自身的情感表达，并做到尽善尽美。学习音乐的表演者越来越多，可是真正意义上的音乐家却少之又少。他们不仅重视技术技巧，也在乎情感上的表达，更能让听众沉浸在音乐里。

在乐器学习中，手指练习是十分重要的，手指的力量及灵活程度直接影响情感的表达，音色不仅仅只有强与弱，就像人的声音一样千变万化，而在歌唱练习中，咬字、发音等技巧也需要多加练习，才能把作品更好地呈现出来。

音乐表演技术技巧与情感相辅相成，缺一不可。

（三）想象发挥

我们在演奏或者演唱前需仔细观察曲谱，几乎每首乐曲都会有力度及表情记号，而有些作曲家可能只是简单的写了p或f，Allegretto、Adagio、Andante等简单的表情记号，这就需要我们根据作曲家风格想象与发挥，在不破坏原曲风格的同时进行二度创作。演唱者特别是声乐表演者，要演唱好一首歌曲，就要透彻了解乐曲背景的同时使自己融入角色中，根据歌曲的内容和音乐形象，置身处地于环境与人物形象，发挥想象并塑造出来传达给观众。

在乐曲的二度创作中需要注意的很多，要把原作加上个人风格传达给观众，对原作风格、个人风格、情感、技巧等都需要进行详细的研究分析。

三、二度创作的注意要点

（一）器乐作品

处理作品时候需要注意音符、力度、速度、节奏这四点。一首乐曲在进行二度创作时一定要尊重原作谱例，不可添音少音，每一个音都要认真地演奏包括休止的地方，这些都是作曲家用心血创造出来的，有些休止的地方虽然无声，但也饱含着作曲家无尽的情感，更需要我们去深思与感悟;速度能体现一首作品的音乐性格，切勿将一首欢快的乐曲演奏成抒情的感觉，哪怕是融入自己的情感与个人风格也无济于事，因为原作的整体音乐形象已经被破坏;节奏在我们的生活中无处不在，它就像骨骼支撑着身体，在音乐里也占有十分重要的地位，整首乐曲的节奏一定是均匀稳定的，不要忽快忽慢，否则乐曲处理得再好、情感再丰满，听起来也会显得杂乱无章;力度是在对比中体现的，在音乐表演中一定要仔细解读乐谱。每一个作曲家的风格不一样，我们处理作品也不能一蹴而就。贝多芬的作品风格是对比性和戏剧性，在演奏中强弱力度形成了极大的对比，可能在一个很弱的瞬间，突然间爆发性增强。可是有些作品强弱一定要在固定的力度范围中去表现，如《舒伯特即兴曲》，这首作品的强弱是呈趋势走动的，渐强渐弱，给人一种线条性的美感，在演奏时一定要注意力度的配合。

上述因素往往是很重要却又容易被忽略的。曲谱上的符号是学习乐器的每一个人都能做到的，却很难有人能做到最好，我们需要根据作品风格做到恰到好处的演奏处理，并根据自己的表演状态、心理素质、技术技巧结合观众的心理进行二度创作并更好地展现出来。

（二）声乐作品

器乐演奏是音乐艺术的表现形式，而声乐表演是一种表演性极强的艺术。二度创作的好坏是直接决定声乐作品的品质。声乐作品二度创作中也存在节奏、节拍、力度、音色、音准等需要特殊处理的地方，而并非带有感情地演唱这么简单。每一首歌曲都凝聚着作曲家的强烈思想感情，每一个音符组成的乐句都是作曲家想诉说的，音符看似无声的、静止的，但是它却记录着充沛的、活跃的感情和复杂的艺术技巧。歌曲是要通过演唱者为载体把这种情感传达给观众，所以演唱者的唱功要很深厚，对情感的把握就十分重要，对不同歌曲要灵活调节，歌唱者对歌曲的感受越深，在演唱时的表达则越完美。

四、结语

音乐表演本身就是在进行二度创作，二度创作是一个漫长的过程，并不是每一个人的二度创作都会被流传下来，要在不改变作品本身而使音乐作品焕发出新的光彩，这才是二度创作的本质意义所在。不仅要提高自身还要对原作品进行充分的探究，设身处地于作品中去理解感悟，才能创造艺术个性。

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