[摘    要]民间舞蹈是中国戏曲发展形成的基础，两者之间存在着不可分割的内在关系，民族舞蹈催生了戏曲的发展，戏曲通过舞蹈动作得到了充分展示。在漫长的民间舞蹈和戏曲发展历程中，两者相互融合，相得益彰。对民间舞蹈与戏曲表演的关系、民间舞蹈在戏曲表演中的基本特征等问题进行阐述，不仅有助于增强学生对中国戏曲的了解，而且能使学生得到智、体、美、劳全面发展，使中国的舞蹈艺术更具有民族特色与审美价值，从而在此基础上进行深化基本功教学。

[关键词]舞蹈戏曲;基本特征;教学训练

戏剧是综合音乐、舞蹈、绘画、雕塑、建筑等于一体的舞台艺术，而且有着自己独特的唱、念、做、打等完整的藝术表现形式。其中，民间舞蹈在戏曲表演中起到画龙点睛的作用，是戏剧艺术动态美的根本依据，展示了戏中角色的喜怒哀乐。随着社会的进步与发展，大众的审美心理以及欣赏层次也不断提高，在戏曲舞台上，人们不再满足戏曲表演中的大段唱词与念白，而希望看到舞蹈艺术的虚拟性与象征性的表现形式，为戏曲舞台增辉添彩。如何使民间舞蹈在戏曲表演中发挥作用，抓住观众的眼球，为戏剧表演注入活力，需要在教学中向学生讲解戏曲史，讲清舞蹈与戏曲之间的关系、主要特征，并指导学生打牢基本功。

一、民间舞蹈与戏曲之间的关系

中国民间舞蹈有着悠久的历史，给人类社会留下了许多经典的作品。洪春华在《戏曲舞蹈发展》一文中写道：“中国戏曲是综合艺术，戏曲中一个重要的组成部分就是戏曲舞蹈，舞蹈艺术为戏曲的振兴提供了深厚的基础促进了戏曲艺术的发展。”其表明戏曲的孕育、发展、形成是在古老的舞蹈艺术基础上延续而来的。民间舞蹈是把戏曲表演推向高潮的动力。远在上古氏族聚居的原始社会，就已经存在再现人们生产劳动的歌舞。古代人们用舞蹈来表现劳动、狩猎、战争场景，表达他们对生活的热爱和劳动的欢乐。同时，为了庆祝丰收以及重大节日，人们也会拿着道具，载歌载舞，狂欢数日。这些事例，虽然仅仅是原始社会人民活动和庆祝丰收的仪式，同时也表现了当时人民的思想感情和对美好生活的祈愿，这些表演形式，就是中国民间歌舞和民间表演艺术的雏形，但离戏曲的真正成型还有较长一段时间。从舞蹈构成来看，这已经成为中国戏曲的萌芽了。直到唐代“参军戏”的出现，才奠定了中国戏曲的基础，特别是到了晚唐、五代时期，参军戏发展到由多人参加演出，情节也渐趋复杂，有歌有舞。当时，参军戏不仅在宫廷很受欢迎，而且在城市和广大山乡也成为人们喜闻乐见的艺术形式，它对今后戏剧发展、形成、创新产生了深远的影响。在宋代和元代时期，戏曲开始脱颖而出，具有自己独特的唱、念、做、打的表现形式，自此民间舞蹈的独立表演形式逐渐淡出了人们视野，并产生了新的舞蹈表演形式，即我们现在所说的戏曲舞蹈，这一舞蹈表演形式有着严格的程式和规格。这一新生事物的产生，使民间舞蹈艺术走上了规范化发展阶段，不仅带有一定的故事情节，而且增添了叙事的艺术形式。在舞蹈授课中，老师既要给学生分析中国戏曲的产生以及发展历程，也要讲清民间舞蹈与戏曲艺术两者相互结合、相互借鉴、相互吸收的关系。特别是在讲到《霓裳羽衣舞》《兰陵王》等经典剧目时，要让民间舞蹈在戏曲表演中的古典美感征服学生，培育学生学习中国民间舞蹈和戏曲表演的兴趣，让他们感受舞蹈在戏曲表演中所起的点睛之笔作用。同时，要广泛开展中国民间舞蹈与戏曲艺术之间相互关系的课题研究，对民间舞蹈以及戏曲艺术的共性进行发掘整理，从而将民间舞蹈与戏曲艺术进一步发扬光大。

二、民间舞蹈在戏曲艺术表演中的特征

舞蹈在戏曲表演中之所以魅力无穷，重要的原因在于这种艺术形式对我国传统艺术形式作了成功的吸收应用，逐渐形成了一套完整的舞蹈动作体系。舞蹈是戏曲表演的重要组成部分，始终与戏曲相伴而生，具有不可或缺的重要作用和地位。

（一）民间舞蹈在戏曲中再现了生活之美

“舞蹈是表现人的一种活生生的语言——是翱翔在现实世界之上的一种艺术的启示，目的在于以较高水平来表达人的内在情绪的意象和譬喻。”这是德国著名舞蹈教育家魏格曼对舞蹈艺术的一个概括。所以说，舞蹈在戏曲艺术中起着画龙点睛的作用，讲究戏曲情节的行云流水不断变化之美，舞蹈演员逼真地展现人们日常生活细节，体现流畅、生动、活泼的虚拟化美感，给人以曼妙丰富的自然美的体验。

1. 珠圆玉润美的特征

“云手”，是舞蹈在戏曲表演中一个最基本动作，从其运动状态来看，就是舞台上四面八方的珠圆玉润美的动态表现。这种动态美，严格意义上说，它是一种诗意美。此外，如八步式、七星步、跑圆台等动作，这些都是形体的圆形运动。舞台上扮演小生的演员所迈的丁字步，主要表现的是精神抖擞、八面威风、气宇不凡的特征。戏曲中花旦的步伐要做到两脚脚跟靠拢，眼平视，提神亮相，表现轻盈的状态。为了表现心神不宁、徘徊不定等心情，舞台上的演员常常会运用“回”的程序来抒发情感。所谓“回”，还指圆润丰满。比如，在现代壮剧《劝学》中，校长黄大江一上场时，就采用圆圈、弧线等身段;韦老旺在黄大江的启发下，终于答应了桂花继续去上学，演员回旋地圆场、欢笑等。正是由于戏曲舞蹈表演采用戏曲花旦常用的“圆”的动作规律，并运用身体多个部位弯曲或旋转或延伸，形成洒脱、超脱、飘逸的表演，使观众在审美中引起情感的共鸣，进而受到思想上的陶冶。

2. 静态之美的特征

舞蹈的静态之美在于它的恬静，美在心中，静出美丽。舞蹈在戏曲中身段亮相的造型，就是一种静止的舞蹈。“亮相”是表现戏曲舞蹈动静结合的特征。例如，演员在一大段读白唱段，并在一个个动作中，加上一个个洒脱亮相，得以停顿，这个不仅是演员表演的间歇，也是对一段表演的休整，起到一个点石成金、破壁飞去的效果。一个亮相一气呵成、行云流水的磅礴气势，达到“此处无声胜有声”的艺术境界。舞蹈在戏曲表演中，尤其注重演员和观众的头次见面，一个好的出场亮相外加独特的舞蹈表演，能够马上抓住观众，使演员的身份、性格、情绪一目了然。经过艺术家的长期钻研，整理出了一整套完整的表演套路与方法，创造了丰富多彩极具个性的表演程式，这些表演程式已经深嵌在舞蹈表演之中。而舞台上演员的集体亮相，尤其是打斗、行路、劳作等突然亮相，这样便做到了此处无声胜有声的效果，也会使观众了解舞台上人物在不同的情绪下的精神面貌，这是舞姿塑型美的最佳表现时机，给人留下无限的想象空间。

3. 节奏感美的特征

舞蹈在戏曲中能不能引起观众共鸣，舞出美感来，节奏的变化是极其重要的因素，必须有相应的音乐高低来配合。舞蹈配合节奏的主要有锣鼓伴奏、音乐伴奏，以及两者相混合伴奏几种，舞蹈需要有明显的节奏，一个重要标志是以音乐和锣鼓表现这种节奏。在《乐记·乐象篇》中说：“诗，言其志也，歌，咏其声也，舞，动其容也，三者本于心，然后乐器从之。”这就告诉我们，自古以来人们都非常重视舞蹈的节奏感，舞蹈是在器乐的配合下进行的。我们所讲的舞蹈节奏，其实就是舞蹈动作在力度上的变化。节奏感在舞蹈中，主要是指舞蹈动作的长短、强弱、快慢相互作用的关系。训练时要掌握这几点。一是对舞蹈音乐节拍要清楚。人们常说，有什么样的音乐，就有什么样的舞蹈。在编排节目时，往往都是先从了解音乐，体会音乐开始，然后，才逐步掌握舞蹈的节奏感，把握动作的韵律和韵味。二是对各种招式及均衡要清楚。舞蹈快慢變化要清晰，舞蹈肌肉要松弛有度，衔接要严谨，不能拖泥带水。三是快、缓启动时稳定平衡要清楚。起舞时不要慌，避免动作发贼、发硬，确保节奏舒展。特别要注意步伐上要掌握好尺度，力求全身统一协调。讲课时，要向学生交代清楚，民间舞蹈在戏曲中的展现，其实是一种戏剧化了的舞蹈艺术，它具有很强的节奏感，它的节奏感既强烈又分明，一招一式中都尽显干净利落，节奏分明，贯穿舞台上的全部动作。舞蹈在戏曲表演中，主要是以打击乐为主进行伴奏，它要求招式分明，刚毅果决，斩钉截铁。在我们日常生活中，如举手投足，进门关门，骑马举刀等，按一定的节奏进行，舞蹈动作就会很自然地带出美感。

（二）民间舞蹈在戏曲中再现了抒情

舞蹈在戏曲艺术中具有非常强的抒情性，抒情是戏曲艺术不可缺少的因素。古人用“手之舞之，足之舞之”来述说他们朴实无华的思想情感。王国维曾以“以歌舞演故事”来定义戏曲，在大量念白中，揉进舞蹈凸显内容、刻画人物，增强了戏曲艺术的综合性。有不少学生认为，古代的戏曲中舞蹈简单，很少有抒情，其实，中国古代，最早的舞蹈就十分注重抒情，始见于文字的如《葛天氏之民》以至到后来的《傩舞》《代面》《兰陵王》无不给早期的戏曲形成影响，所以说，舞蹈具有十分重要的抒情性，抒情性是舞蹈在戏曲表演中必不可少的因素之一，它展现了寂静的美，柔情的美，舞蹈演员通过形体动作，抒发了激动心魄的心情，表现了真实的内心感受。由于戏曲中的舞蹈能在抒情中叙事，在叙事里抒情，因而自宋元肇始，几乎占据了戏曲舞台上的半壁江山。一是舞蹈为戏曲表演增添了激烈的表现形式。舞蹈在戏曲艺术中主要是通过人的形体、动作、在运动的过程中表达人物的思想感情。在抒情的同时大量地运用了表意的舞蹈动作，展现人物性格，抒发人物内心感情，使许多戏都在内心冲突最激烈的场合、情感抒发最浓烈的地方形成高潮。二是舞蹈为戏曲表演模拟了客观生活。舞蹈在戏曲表演中以其虚拟的表现手法，凝练成诗一般的语言，深刻而又简洁地反映了现实生活和内心活动，充分体现出舞蹈的强烈抒情性。三是舞蹈为戏曲表演增添了美感。京剧《卖水》中梅英模仿喜鹊展翅飞翔的形体，川剧《别洞观景》中演员模仿鱼儿玩水，比拟蝴蝶翩翩起舞的姿态，这些都是美的呈现。壮剧《百鸟衣》的诗情画意，如同山涧溪流，如诗如梦，但又比诗更形象，比梦更真实，是通过虚拟的时间、空间，把人的内心世界的情感，通过人体有型的动态，更加具体化了。

（三）民间舞蹈在戏曲中再现了服饰

舞蹈在戏曲艺术中的服饰是指演出时的服装和配饰，也叫“行头”。舞蹈在戏曲中服饰的艺术化，为戏曲中人物塑造、剧情的发展、情感的抒发提供了广阔空间。一是服饰结合演员人体的动作形态，来渲染戏曲氛围、反映戏曲主题、塑造人物形象，集中体现造型美和情态美。二是戏曲艺术中舞蹈服饰包括质料的选择、款式的设计、彩色的组合、图案的点缀等元素，都体现了主创人员为了戏曲主题而精心设计，使舞台上的舞蹈演员外形的美、内蕴的美，都能通过饰物勾勒出一种美的理想、美的憧憬。三是戏曲服饰除了讲究雍容华贵外，还注重戏曲服饰的细节，冠饰、佩物都有其等级之分。如，所谓的“翎子”，主要指古时候猎人狩猎时，头顶上插的羽毛，在以后的演变中，逐步成为戏剧表演服饰中的一个重要头饰之一。需要指出的是，舞蹈在戏曲中表演的服饰，并没有明确的规定，在舞台上主要根据戏曲中人物的剧情需要、生活环境等方面进行考量。通过舞蹈在戏曲艺术中的款式、纹饰、色调，更加加强人们对戏曲人物的判定，加深对戏曲人物的了解。

三、根据舞蹈戏曲艺术中的特征，抓好身段训练极为关键

广西艺术学校在《戏曲表演专业课程实施方案》中，对舞蹈体形任务要求是：通过戏曲舞台上的各种舞蹈化形体动作训练，使学生学会和掌握戏曲的各种程式动作，能运用舞蹈化动作和静止（亮相）的身段组合（程式动作），表达人物情感，刻画人物性格，塑造人物形象。按照这一要求，在教学中，应让学生掌握戏曲身段的动作原理、虚拟特性及程式与生活的关系。在身段教学中，通过实践摸索，笔者认为抓好三个基本功训练很关键。

（一）做好脚姿练习

脚姿主要指，舞蹈在戏曲艺术中演员的脚所做的各种姿态，它的练习要求是：站立挺拔，双肩勿耸。收腹立腰，运气丹田。要把脚姿和脚位这个基本功练好，教育学生首先要从站相开始。不练好脚姿和脚位，就打不好基本功，所站立的姿势也是花架子。在教学中，特别要向学生讲解舞台上常用的脚姿和脚位，要求学生记牢舞台上基本脚姿和脚位、角度动作的高矮的技能。通过对这些项目的学习，增强学生在站式中腿部的自控能力。我们常见的脚姿主要有勾脚、绷脚等。同时，我们还要让学生掌握脚位的训练，脚位一般有八步式、八字式、丁字式等。如八步式训练，主要讲清基本要领，要求学生做到两腿并齐，双手叉腰，脚尖正对前方，目不斜视，全神贯注。在训练时既要注意能力的训练，又要注意姿势、美感、步伐的统一协调，编排出具有一定特点的组合。在编排八字式训练的基本要领时，根据学生的特点编排一些手脚相结合的舞姿等。

（二）手姿与手位训练

目前，戏曲舞台上的舞蹈，几十年来可以说没有什么大的变化，有的只是几个动作的前后变化和音乐处理上的变化，而著名的戏曲演员能够运用简单的基本步，通过运用手膀肌肉的拉伸，身段的变化，随着现场音乐的起落，不断地调整身段起落，在舞台上翩翩起舞，这与他们平时扎实的身段训练是分不开的。所以说，手膀的训练极其重要。

手姿和手位的训练比较枯燥乏味，但这是一个成功的舞蹈演员必须经历的一个阶段。训练和练习时，既要求学生保持身段美，臀部不凸，腹部不腆，同时，又要求学生腰要立直不下塌。这样做，主要是让学生掌握舞台上常用的基本造型和身段造型，切实掌握身段动作手、眼、身、步相结合，不断提高肩、肘、腕、手各部位的灵活性和控制的能力。手膀训练主要掌握手姿与手位，包括掌、拳、指三部分。掌，有瓦楞掌、虎爪掌、摊掌等;拳，有方拳、握拳等;指，有兰花指、单指等。老师在训练时，特别要向学生灌输戏曲的专业术语，切实引导学生练习手姿和手位一定要注意美感，学生一旦有了想象和美感，就会自然而然地喜欢上舞蹈艺术，也不会感到枯燥和乏味。

（三）搞好膀腰训练

舞蹈膀腰动作是配合节奏与韵律展现出来的，也离不开节奏与韵律，而且讲求的是动静结合。舞蹈膀腰训练有着严格要求和规范，训练时必须是连贯、舒畅、柔美和完善的。老师训练中，要严格地让学生练习每一个膀腰的位置。舞蹈在戏曲艺术中腰部训练，主要是训练手臂的支撑力量，以及柔软度和控制力，腰功的类型主要有膀腰、前腰、波浪腰、后腰、跪下腰等，训练的步骤主要是正面对把杆距离，大八部站好，两臂上举伸直，两臂向前伸出等。舞蹈教学中，我们除了要求学生掌握膀腰训练的基本技能外，还要特别注意培养学生的表演意识和感情的表达能力，以提高对舞蹈美感的表达。

民间舞蹈在戏曲表演的广泛应用，助推戏曲表演的发展，它们之间存在着天然的联系，你中有我，我中有你，已成为舞台艺术的两道靓丽的风景。繁荣发展戏曲艺术需要全社会共同参与。目前，古老的戏曲艺术正面临着新的挑战，如何使戏曲艺术走出困境，如何让舞蹈艺术在戏曲表演中发挥更大的作用，如何培养造就新生艺术人才，这将是摆在舞蹈教师面前的严肃课题。

作者简介：许蓉蓉，女，广西艺术学校教师。