吴新伯

曲艺艺术自产生以来一直是以亲民众接地气而著称，同时也正因为这个特点而与其他艺术有所不同。

然而随着时代的进步，社会的发展，一部分曲艺从茶馆堂会转入了社区书场和大型剧场。因此原来的舞台呈现已经不太适应当今演出场所的展示和表演了，简单的舞台样式在目前五彩缤纷的舞台上确实显得有些古板和陈旧。于是曲艺舞台上的服装、舞美、灯光设计和运用就随着观（听）众欣赏需求而出现了，并且越来越兴盛与繁荣。

首先我们应当对此持肯定态度。漂亮的服装、绚丽的舞台和多变的灯光，这些都为曲艺演出增色不少，它们使曲艺从以听觉为主的艺术慢慢变成了可以看且很好看的視听艺术，更加符合

了现代人的审美要求。

但是随着时间的推移，这种尝试越来越积极，它们对曲艺发展的某些消极影响也日渐显现。有些极端的个例甚至影响到了曲艺艺术的本体和正常发展。所以，曲艺服装、舞美、灯光如何为曲艺艺术本体服务，这个问题我们必须静下心来好好思考一下。任何时候我们都要清楚地认识到曲艺艺术的一大基本特征是一人多角、跳进跳出。如果片面强调光电和服装元素而忽视了曲艺的本体特征的话，就如紫之夺朱，容易让曲艺失去本我的色彩。

近几年来，我参与制作了多台大型评弹演出，如《海上吴音报春晖―纪念陈云同志诞辰110周年评弹晚会》、连续三年的《海上评弹跨年晚会》和《上海评弹团元宵晚会》以及评弹组曲《芦苇青青》、精华版中篇弹词《弦索春秋》等等，在这些大型评弹演出中我和同仁们尝试了很多舞台表现方法，有得有失，有经验也有教训。下面我就以具体实例来阐述我的观点，论述我的得失，进而探讨在当下评弹大型演出中的服装、舞美、灯光的设计与运用。

1、关于服装。评弹演员可以设计演出服装，设计师可以对长衫、旗袍、中装、青年装、西装等等演出服装美化、改良，尽可能贴合时代的审美，但不能设计人物服装，更不能设计书中所说时代人物的服装。这是由曲艺艺术的特点决定的，曲艺是说唱艺术，说和唱是独门枪和必杀技，语言是曲艺演员最锐利的武器，因此我们是靠说来塑造人物的。比如说《水浒》时说到孙二娘，演员就会用一段赞来描摹这位女英雄：

但见，此人生得七尺高，

面色紫堂如红枣，

浓八眉分两条，

眼睛大不花妙，

叫啥眼白多勒眼黑少。

鼻梁凹，颧骨高。

菱角嘴往上翘，

两个耳朵大又招。

头上格头发绕个穿心结，

野花插了勿勿少。

一粒痣像豆板这样大，

痣上还有七根毛。

若问此人名和姓，

母夜叉孙二娘，威震孟州道。

演员用这么一段语言对孙二娘做了一番描摹，这就是我们通常所说的开相。而此时观众听完演员的这段开相之后，他会在脑子里储存下这段语言，然后调动想象力创造出一个自己心目中的孙二娘。一百个观众的心目中会出现一百个孙二娘的形象，她虽有大同但一定是存在局部区别的，这是曲艺艺术创造人物时与其他艺术门类最大的不同，这种不同也是曲艺艺术最大的特点。

所以我们在介绍评弹的艺术特点时，常常会说跳进跳出一人多角。基于这样的艺术特点，评弹演员一个人要在一段书塑造好几个角色，而且演员在演出中除了演好角色之外还有个最重要的人物是自己。说书人有时是故事中的角色，有时是故事的叙述者，有时还会是典型事件的评判者。所以评弹演员在演出中是不能穿上设计好的有角色特点的服装的，那会在视觉上固化演员的形象。演员所穿的演出服应该是本曲种相对固定常见的演出服，如评弹就应该以长衫、旗袍、中山装、青年装等为主。如果根据演出的时代和人物设计服装，就会影响演员塑造人物时的自由度，进而影响观众对曲艺角色的还原度。更违反了曲艺说法中现身的艺术规律。所以，我们要充分认识到相对于曲艺演员本身的说唱艺术水平，服装道具只是衬托“红花”的“绿叶”。其最大作用是提升演员在舞台上的光彩度，而不是增加演员要塑造人物形象的还原度。这主次之分一定要详加分辨。

2、关于舞美。评弹演出中的舞台美术设计应当非常谨慎，我们要始终抱着宁缺毋滥的心态来对待这个问题，做好了确实为演出增色，做不好事倍功半甚至会适得其反。在多年的大型演出实践中，我的体会是以简约清雅为好，如果能有画龙点睛的巧妙设计那就更好了。比如我在策划《纪念陈云诞辰110周年评弹晚会》时就坚持在舞美设计上采用最简洁的舞台背景，灰色的瓦片和奶黄色的墙体体现了江南和评弹的特点，世博会中国馆和东方明珠会突出上海元素，但为了避免喧宾夺主，舞美设计将这些上海元素只设计为剪影而不用实体。而舞台右上角的一枝粉红色上海市花白玉兰的点缀恰到好处，让平淡的舞台背景顿时有了点睛之笔和灵动之气。演员在这样的舞台美术衬托之下演唱，没有丝毫压迫感，他们放松自如。观众从视觉的角度来说也非常舒服，淡淡的背景衬托出演员的本身的美，清新淡雅看着舒服，既不会视觉疲劳更没有喧宾夺主。而右上角这枝白玉兰又正好在演员下场主持人上场时与左下方的主持人形成对角的平衡。

精华版中篇弹词《弦索春秋》的舞美设计是我和设计几番沟通探讨后的结果。这场演出是在上海的美琪大戏院进行的，这个剧院的舞台非常大，平时可以演歌剧、京剧和芭蕾等大型演出，如何用好这个舞台是一个难题，如果设计不够，舞台会显得很空荡，这样演员就会没有气场，观众就会觉得演出很简陋，但是如果层层设计处处雕琢，舞台是满了好看了，但演员就会淹没其中。所以我们首先用中式长窗作为侧幕的延伸，这样做的目的是让舞台稍微缩小一点，然后在舞台上方分别挂上了梅兰竹菊四幅条屏，这样既让舞台有了层次感又有了美观度，而且梅兰竹菊四君子分别对应春夏秋冬，和当天演出的中篇《线索春秋》的主题以及评弹艺术的特点都相吻合。这些完成之后最巧妙的舞台呈现出现了，这个中篇讲述的是评弹演员如何跑码头说书的故事，所以书场是这个中篇里的主要场景和情节，但是如果舞台设计中出现了书场这就是实景，出现实景和我的曲艺舞美理念是不相符合的。在多年的实践中我始终坚持评弹演出的舞美设计不能出现与说书情节相关的场景。因为曲艺作品中的场景是观众通过演员的语言叙述和描摹，自己合情合理的想象出来的，这和我上面提到的曲艺演员用语言塑造人物的模式是是相同的。所以我在这个中篇的舞美中坚持不出现书场的景和画面。但是这个元素在舞台上用另一种方式呈现，设计师设计了一个当时书场里用的演出广告牌，我们评弹演员叫它水牌。我们在这块水牌上罗列了十二段当天演出的节目的书名，如：《小巷口》《走观塘》《郎舅会》《会乐里》《浦江边》等等，主持人说完一段故事接下一回时，报出书名之后一边下场一边走到水牌前翻开下一回书的回目，这样既用上了代表书场特征的水牌又和剧情发展相关联了起来，而主持人下场顺带翻水牌这个动作完全是跳出故事剧情的，这样做既给了主持人一个很好的下场势，又巧妙地展现了曲艺跳进跳出的艺术特点，我们想通过这些手段和舞台调度不断地告诉观众这是曲艺，不是演戏，因为曲艺演出需要的氛围和戏剧演出需要的氛围是完全不同的，舞美重要但演出氛围更重要，如果两者只能选其一那我宁愿舍弃舞美。

3、关于灯光。这个问题相对简单，在一般的演出实践中大家的看法也相对统一。评弹演出的灯光布置是以面光、侧光为主，辅以适当的顶光。主色调以大白光为上，在背景部分可根据舞台大小纵深度均匀布置有规律的有色光，尽量少用流动光，不要使用电脑旋转灯。因为评弹演员以静坐为主，光的布置要尽量突出演员的美，而不是塑造气氛，而且评弹演出一般时间较长，通常会在两个小时以上，过份花哨的灯光设计反而会让观众产生视觉疲劳，影响听书和欣赏艺术。

以上这些经验和观点是在这些年的演出实践中总结出来的，有些甚至是在多次失败中摸索出来的，虽然只是评弹一个曲种的演出实践，但曲艺艺术大致的主要规律都是相同的，在这里做些阐述和交流对今后我们策划和导演大型曲艺演出是有学习和借鉴意义的。

为了适应当今时代演出和剧场的需要，通过服装、舞美、灯光的设计来让演员变得更美丽、舞台变得更漂亮这是值得提倡和肯定的，但如何来做这些设计是可以探讨和磋商的。我觉得我们必须坚持以下原则：所有的设计和手段运用一定是不影响曲艺艺术本体的，不影响演员发挥的，不影响观众欣赏的，是为曲艺演出增色的，是助演员一臂之力的，而不应当是喧宾夺主的，更不能是以这些设计为由改变和强加于曲艺演出的。最后我想用一句歌词来再一次诠释我的观点：洋装虽然穿在身，但我心依然是中国心，我的祖先早已把我的一切烙上中国印。跟上时代步伐，丰富曲艺手段，一切都可以为我所用，但这些为我所用的手段必须是我服务的，我“芯”依然应该是曲艺“芯”。