张 晶

一、中国民间舞技术技巧的概念与性质

（一）运动技巧与舞蹈技巧的概念

“运动技巧”是由翻腾、抛接、平衡、舞动等多种静力性或动力性的动作组成，从而完成各种身体造型的运动项目。“舞蹈技巧”是指在一定的时间内，通过人体肌肉、韧带、骨骼的正确运作与配合，表现出各种复杂繁难的动作，其动作呈现的目的在于情感的表现、人物形象的塑造，是推动故事情节发展、展示舞蹈艺术独特美的重要手段。舞蹈技术技巧是运动技巧中的一种，其技巧动作涵括了艺术家们对技术能力的把握,并凝结了他们的艺术创造力及审美要求与风格。舞蹈技术技巧从形式、风格和特点等方面来说都具有多样性。我们由此可以通过舞蹈技巧看到表演主体营造的灵巧多变的美、刚劲有力的美、柔和含蕴的美、洒脱桀骜的美、惊险震撼的美、悲伤惆怅的美、欣喜欢畅的美等。美是多元的，但无论哪种美的创造都需要对舞蹈技术技巧的合理运用。技术技巧的美也应该是被放在与舞蹈语境相符的契合点上，与舞蹈内容、情节融合，才能增强舞蹈艺术的魅力。

（二）对中国民间舞技术技巧的阐释

在中国民间舞的概念定义之中，风格性、民族性与地域性是民间舞的基本特征，即是一个民族舞蹈审美文化区别于其他民族的关键。而民间舞蹈情感表现与艺术渲染的最直接的手段便是其中技术技巧的运用。民间舞技术技巧的产生来源于民间艺人在“自娱”与“即兴”的过程中对自我情感升华的表达，增添了本民族舞蹈语言审美魅力的艺术性。他们的技术技巧源于本民族身体动作动律基础，与本民族文化、精神、性格及民族心理的关系密切，因其技术技巧则在民族性、风格性、地域性之上又为舞蹈增添了技术性与表演性。

所谓民族性，即一个民族相对于其他民族的个性特点。这就需要使作品“民族化”，“创造性地运用和发展本民族的独特的艺术思维方式、艺术形式、艺术手法来反映现实生活，表现本民族特有的思想感情，使文艺作品具有民族气派和民族风格”［1］。而民族舞蹈技术技巧就是这样，它不是单一纯粹的技术技巧训练，每一个技术技巧都是在民族舞蹈风格特性、动态动律上对典型技术技巧的提炼。只有坚持艺术的民族性，保持各民族的艺术个性，才能使舞蹈艺术与文化在世界上展现出五彩纷呈与包罗万象之景。

所谓风格性，即舞蹈中蕴涵着民族历史、文化以及民族心态、情感、气息与韵味。在跳、转、翻、滚等技术技巧中准确把握和体现民间舞蹈特定的风格、韵律、节奏、情感，需要舞者具备把握民族特定舞蹈风格的能力，以及生动地创造舞蹈形象的本领。因此，每个民族的民间舞蹈都有属于自己的技术技巧，而这个“技巧”不但具有技术性还富有表演性。

民间舞蹈的技术性和表演性表现在民间的徒手舞蹈与道具舞蹈之中。在这些舞蹈中，“技巧”让人体动作向美、繁、险、绝的方向发展，它是技术的升华，也是内心情感的外化；在细腻的舞蹈表演中传达出情感、思想，完美地塑造艺术形象，这是舞蹈技巧所应有的精神内涵。

二、中国民间舞技术技巧的价值体现

每个民族都具有与其审美追求一致的文化。舞蹈作为一种身体动态语言的文化，蕴含着在历史轨迹中不断沉淀的固有文化，因此，中国民间舞技术技巧在舞蹈技术技巧中有着自身的独特性。当下，我们对于技术技巧的定义尚处于较为狭隘的认知层面，即认为技术技巧就是跳、转、翻，或是肢体柔韧性、控制力等，但这一浅层面的认识并不能作为中国民间舞蹈技术技巧的内涵界定与评价标准。例如蒙古族舞蹈中的碎抖肩，在长时间不断持续的高频率运动中，能够注入鲜活的个性表现力—这是肩胛局部的运动，与跳、转、翻并无关联，却是一种有价值的、具有典型性的、令人喝彩的民族舞蹈技巧。

中华民族文化的丰富性也使得各民族舞蹈文化具有多元化的特征。例如，安徽花鼓灯中的男孩“鼓架子”的翻腾、女孩“兰花”脚下的“溜”、上中下盘鼓、男孩左右侧驾着两个女孩旋转等都属于花鼓灯技术技巧的特殊性表现。再如，藏族的热巴舞中，利用道具技巧，以不断变化的鼓的节奏、速度和身体幅度与翻转相结合，亦具有民族的典型性。每个民族舞蹈的技术技巧背后所支撑的舞蹈文化和审美是不一的，都具有独特性。

舞蹈的道具（乐器）与民间舞技术技巧可谓联系密切， “执器而舞”是舞蹈古而有之的形式。而道具（乐器）则是从老百姓自己的生活中衍生出来的，以百姓的生活、文化与历史为发展根基。这些道具技术在专业院校教学中的运用，经过提炼与凝结，将其精华纳入课堂，最终走上了舞台。在舞台民间风格的舞蹈中，身体的表现力是具有职业性的。身体接受职业化训练后，必然超越非职业化的身体，从旋转、腾跃、身体幅度和运动速度方面都显现其身体特有的运动能力与表现能力。例如，在各类舞蹈比赛的作品中常用“倒踢紫金冠”类的跳跃技术，但是由于编导和演员只是孤立地运用，而没有很好地根据地域风格进行变化，因而未能取得良好的效果。而在民间舞蹈中，民间艺人往往没有刻意使用这类舞姿造型感极强的腾跃技巧，但其舞蹈却呈现出鲜明的地域文化的审美风格。所以编导在运用民间舞技术技巧时，需要强调技术技巧符合民族的审美风格、动律的规律，以及其情感表现的需求；动作和技巧的发展与衍生亦必须基于民族舞蹈审美的独特性，而非一味地将技术技巧模式化。在有些民族的民间舞作品中，观众看到不少古典舞技术技巧的痕迹，或者是其他民族民间舞技巧的痕迹，其问题根源就在于在编创与表演过程中，没有合理地运用民间舞技术技巧。

三、 中国民间舞技术技巧的核心把握

民间舞蹈技术技巧在创作中如何合理融入呢？其成败涉及两个方面：其一是形式创造和表现手法的运用；其二是精神情感的传递和主题思想的揭示。其核心都在于是否能够把握住文化属性。“文化属性是确定事物本质的一个尺度。”［2］因此，把握住民间舞的文化属性这一核心，不脱离民间舞所在的文化圈，对于民间舞的创作与编排极其重要。同理，对于民族审美的把握是民间舞技术技巧合理运用的另一核心之点。“审美活动，特别是独具特色的审美方式也塑造着不同民族的文化性格。而要真正理解一个民族的文化性格，或者说从根本上全面理解一个民族的民族性和民族精神，掌握他们的审美观念、感悟他们的审美趣味、理解他们的审美理想，一句话，全面把握他们的审美模式是一条必由之路。”［3］所以文化属性与审美模式是我们在中国民间舞编创与表演中融入技术技巧时需要特别重视的。

目前，中国民间舞课堂教学训练和舞台编创、表演越来越注意匹配，作品风格亦越来越趋于丰富多元化，而且在课程中也设置了特定的技术技巧课程的训练。但是，课堂教学应更加注重引导学生对不同民族和地域的民间舞蹈审美风格的准确把握。

例如，在热巴舞的技术技巧训练中，至少有一年时间用来磨合身体与道具的配合；蒙古族舞蹈技术技巧“顶碗”，也应早早安排在学生的基础课程中开始练习，使之娴熟把握后向舞台过渡。舞台表演不是为了炫技，而是通过技巧突出对民间舞蹈地域性、风格性的呈现，因此，课堂教学应该注重引导学生对舞蹈文化属性和审美模式的认知与把握，更重要的是，让学生深入地体验中华民族多元化的民间舞蹈，真正使其成为自己作为民间舞蹈表演专业舞者的身体的一部分。例如，学习“花鼓灯”的单一步伐，如果学生既能达到行云流水般的“溜得起”又能迅速“刹得住”，这就说明其掌握了这一独特的技术，掌握了区别于其他民间舞的审美与文化特点。当然在教学过程与表演呈现中也会遇到一些问题。如中国民间舞蹈文化蕴含着太多资源，学校课程内容安排有限，难以长时间专注于某一种技术技巧的训练，亦无法在有限的时间内接受更多样的技术技巧的训练。不过这可以通过因材施教的方式，让学生们针对自己的喜好与优长进行选择来解决这一问题，以达到尽可能好的教学效果。因为我们必须明确的是，中国民间舞蹈本身也富含多元文化的交融、渗透的特点，区别于其他教学训练体系，只有在教与学的过程中努力把握和理解其中的民族文化属性与审美特性，才有可能在创作与表演中不脱离民间舞蹈的内核并彰显民族个性。

对于表演而言，职业的舞者要在舞台上有发挥到极致的表现才能刺激到观众，而这种极致的表现与作品技术技巧的精彩性紧密相连。一方面，技巧本身的运用需要符合舞蹈作品的构思与风格要求；另一方面，创作者在不脱离文化属性与审美特性下需要有自身的个性。如朝鲜族群舞《雩祈》中步伐技术的运用、整体与局部配合的旋转，以及手巾的多样运用，都集中体现了编导所要表现的内心情感，其中用技术的高潮与极致来渲染“情”的方法，是一种具有文化与审美的技术性表达。

从编创的角度来看，需要在文化与审美多元的互渗之中把握舞蹈技巧的处理和编排。对于风格各异的民族舞蹈，如果在对舞蹈技术技巧的处理与情感表达的方式上千篇一律，采用同一个套路，就会使舞蹈失去民族或地域文化的个性，是对民间舞蹈文化不尊重的表现。例如，汉族的男女踩着高跷“打情骂俏”，男孩踩寸子扮演兰花等符合汉族的文化和审美取向，而若将这样的形式放在其他民族的舞蹈作品中便会成为错误的嫁接。

优秀的中国民间舞作品还应该将民间舞蹈的文化与审美特性以自然本真的方式呈现。只有当作品的一切都是顺其自然地表达，不脱离该民族的文化与审美特性，并使情绪表现与形式呈现完全一致时，才能体现中国民间舞技术技巧的精神内核以及本质的价值，才能让中国民间舞蹈文化在世界多元文化的土壤中茁壮成长。

Teaching, Performance and Choreography of Chinese Folk Dance: Techniques and Skills

Zhang Jing

[Abstract]

l.Concept and essence of Chinese folk dance skills

1.Sports skills and dance skills

Sports skills refer to a variety of static or dynamic movements such as tossing, throwing, balancing and dancing, or the athletic ability to create various body shapes.Dance skills refer to the various complicated movements made through the cooperation of human muscles, ligaments and bones in a certain period of time.The movements are made to express the emotions and build the image of characters, an important means to drive plot development and show the unique beauty of dance as an art.

2.Interpretation of skills of Chinese folk dance

In Chinese folk dance, the basic characteristics of folk dance include style and national and local characters which distinguish one nation from another.The use of skills is the most direct means of emotional and artistic expression.Folk dance skills derive from the urge to express sublimed emotions in the process of selfentertainment and improvisation of folk artists and also from the conscious pursuit of adding artistic elements in the aesthetics of the ethnic group.Their dance skills are based on body movements typical of the ethnic group and are closely related to their shared culture, spirit,character， and psychology.

ll.Value of Chinese folk dance skills

Every ethnic group or region has a specific culture that offers the aesthetics and style it needs.Dance, as a dynamic culture consisting of body language, is a vital part of the culture growing through the ethnic or regional history.Chinese folk dance has its own uniqueness in terms of techniques and skills.Props (musical instruments) are essential in folk dance, as China has ancient records of dancing with instruments.Props have come from daily life,while the skills for using props are based on the specific ethnic or local culture and history.

lll.Mastering the essence of Chinese folk dance skills

The success of folk dance creation depends on two factors: one is form creation and use of expression techniques; the other is the transmission of emotions and the revelation of themes.Both factors depend in turn on whether the character of national culture is mastered.At present, teaching, training and performance of Chinese folk dance are paying more and more attention to choreography, and dance works are more and more diversified.However, classroom teaching should help students master the aesthetic style of folk dances in different regions accurately.

For performance, professional dancers can stimulate the nerve of the audience only if their performance on the stage is perfect while perfection depends on the skills contained in the work.The use of skills must be consistent with the concept and style of the dance work, while performers need to add their own personal traits within the boundary of national culture and ethnic aesthetics.In choreography, dance skills must be handled properly in the context of cultural and aesthetic diversity.If technical treatment and emotional expression in ethnic dances of different styles are homogeneous, the unique aesthetic and cultural character of the ethnic group or region would be lost.It is disrespectful to folk dance.

Excellent works of Chinese folk dance should present China’s cultural and aesthetic characteristics in a natural way.Chinese folk dance skills are valuable only when everything in the works is presented naturally and reflects the essentials of Chinese culture and aesthetics.There should be a spiritual core in the skills, which is the most essential value of folk dance.

[Keywords]

Chinese folk dance, techniques and skills, teaching,performance, choreography