焦妍

摘 要：中国画是中国一项历史悠久的艺术，拥有特别的美感。在千年的发展过程中，中国画衍生出许多创新的因素。本文从中国画的材料、技法以及精神内涵对中国画的继承进行了探讨，而后对中国画的创展开了研究。

关键词：中国画 继承 创新

一、中国画的继承

1.中国画的材料

中国画最为人所熟知的，就是“文人意趣”和“气韵”。这种审美倾向和中国传统文化的关系是密不可分的。简单的说，选择留白作为塑造形象的方式，是因为中国古代传统绘画的颜料以水作为调剂，不能成膜，没有厚度，操作时间短，导致在造型手法上不可能依赖精确地堆积颜料来塑形，从而选择了另外一种造型语言。中国传统绘画中的留白是指绘画时刻意在局部不铺颜料露出基底，以基底的颜色来构成对形象的暗示。水媒剂不能形成保护膜，一定操作时间内，临近的颜色会互相渗透，不能很精确的形成紧密连接又差异分明的块面结构，因此不同块面之间会自然而然的留有缝隙，这个区域无法施以颜料，就会露出基底颜色，就是白色。[1]

除了不能成膜，水媒剂还没有厚度，不同于西方的丹配拉媒剂，水的作用只是稀释颜料，无法堆积颜料的厚度改变光的折射从而改变色调，这就意味着单一墨色下只有通过干湿浓淡对比体现色差。事实上，画面体积的形成主要通过光来暗示，但在东方体系中，由于颜料厚度的局限，导致中国传统绘画对于体积的表现力比较弱，黑色与白色通常不会用来表示实体或者是实体之间的明暗向背，转而倾向于暗示一种更鲜明的对比关系，即坚实与柔软的对比，甚至是实体与虚无的对比。施以墨色的地方代表某种实体对象，比如山峦，没有颜料的地方则代表虚无或者柔软的对象，比如空气、烟雾或者看不见的东西，显然，这也是通过直接露出基底颜色来实现的。绘画中的留白会形成视觉重量，从而影响整体的视觉印象。[2]

2.中国画的技法

中国画的主要技法包括山水、花鸟、人物的基本绘画技法，最明显的特点就是以墨线为基础，表现基本轮廓，然后再填充色彩。

中国画中最著名的，就是工笔。尤其以宋代工笔花鸟为代表。这一时期，通过植物来表现意境又是一种极为常见和重要的方式。在两宋时期，文人画达到一个非常高的水平，其中两宋时期的宫廷绘画被称为“东方写实主义艺术的巅峰”，文人画中，作者往往运用大量动植物的意象来表达自身情感，因此意象的选择尤其重要。其中，梅兰竹菊至最常见的意象。这些意象代表着不畏强权、淡泊名利的伟大理想，代表着作者的美好愿望。[3]

中国画的特点是线条造型，因此线条的意境与美观才是决定一幅画意境的关键所在。中国画对于色彩的要求很严格，必须以淡雅为主，避免使用过于艳丽、招摇的颜色，主色调应当以多重复色，即三四种颜色调和或晕染的手段进行叠加为主，这样才能显示出画面色彩中的雅致，以突出画的意境。中国画在用色方面，除非是需要作为视觉中心的局部细节会用比较艳丽的颜色，其余的色彩都要适量调进墨色，以降低这种颜色的饱和度，让色彩呈现一种沉着典雅的效果，同时还追求画面颜色的一致与协调，色彩上以少胜多，不能过多的使用颜色，会使画面变得杂乱。

3.中国画的精神内涵

传统的中国画与书法结缘，有书画同源之说，在发展过程中又与诗相融，有诗画本一律之论。魏晋以来诗书画皆为文人所为，自然形成一体，构成了我们民族绘画的基本品格：即以书法为体骨，以诗为灵魂，元代以后篆刻印章走进画面，自此中国绘画发展成为一门包括书法、诗文和篆刻四种艺术融合为一体的综合艺术，完全的中国画应具备这四种艺术品格，因此一位完全的中国画家应具有这四种艺术的基本功力修养。人无完人，画史上像齐白石那样诗书画印全能的毕竟是少数的，要求一位画家即是书家、诗人又是金石家，四家皆兼备难。图章可以请转科家刻制，但画中如无笔墨诗意，就不能称为真正的中国画家了。所以要提高中国画创作水平，要创新，必须提高书与诗境界的修养，因为画中笔墨源自书法功力，而笔墨是决定画之高低的，画的生命意境取决于诗意。如果说笔墨为画之灵魂，笔墨与诗意相融相辅而成画。[4]

二、中国画的创新

当代中国画的发展这些年来越加繁荣，题材非常丰富，构思和技法也颇有新意。一方面，当代中国画延续了古代中国画的精魄，不管是造型亦或是表现手法皆延续了古典画作的“写意性”，强调“形与神达意”。一笔一墨，情趣志向，都要强调其中神韵。如卢辅圣的作品《日诸月诸》，构图很特别，画中人物高大如山，气势逼人，无疑在虚实之间增加了人物的厚重感。人物的衣裳褶皱好似错落有致的群山，虚白的肩带好似山涧与浮云，垂吊下来的腰带更是如同飞流的泉水。作画者以夸张而简炼的人物造型，配以轻描淡写的色墨烘染，赋予了画作写意性。另一方面，当代中国画比起传统中国画，也有所发展。主要有以下几个方面的突破：

首先现代中国画在写实方面的诉求，不止是要求绘作时愈发的细致，更加关键的是造型概念的改写。西洋画中对写实精神投注使得中国画者逐渐注重生活与现实。这种写实精神的投注令中国画家笔下的造型更加灵动活泼，形象也更加个性化。[5]

其次传统中国画当中，线有着界定形体的作用，同时增加了装饰感，使得画面显得愈发平面，和当代画家的写实诉求相悖，因此当代中国画家淡化用线，来减少画面的平面感和装饰感。淡化用线乃是让线条在整幅画作之中显得不那么凸显，蕴藏于色彩墨块里，因而能够更多专注在色和墨的层次上，表达出意象的空间感。

再次传统中国画的色彩选择一贯比较单一而清淡，西洋画却恰恰不同，相当注重色彩，经常浓墨华彩，但若如此做，其實太过凸显色彩的现实性，若是在中国中国画理照搬这一套，反而失了韵味。因而借鉴西方文化的同时，要注意消化东西方文化，取其精华，创造具有既有现代气息又继承古朴韵味的中国画色彩运用方式。

最后在对光的运用方面，当代中国画家引进西方画作对光和影的表达，令中国画早表达形式和意境的表现上都有所创新。传统中国画尽量减少对光的描绘，所以画出的效果是比较平面化的。当代中国画家在造型上引入了西洋画的光感，但并非生搬硬照西洋画，而是不刻意追求光源的科学与否，按照自身审美加入光与影，显得更加灵动。画面也更加有层次。另外，因为光的渲染，能够烘托气氛，营造别样的意境。

参考文献

[1]李慧民. 中国画继承与发展的关系[J]. 现代交际，2015，（09）：94+93.

[2]韩有强. 浅谈中国画的现代色彩感[J]. 美术教育研究，2015，（14）：45-47.

[3]徐畅. 中国画的继承与发展——从大学中国画教学谈起[J]. 艺术教育，2015，（05）：229.

[4]郑欲晓. 浅谈中国画中的笔墨创新途径[J]. 传奇.传记文学选刊（理论研究），2012，（02）：62-63.

[5]王凤敏. 浅谈中国画的继承和创新[J]. 大众文艺，2011，（10）：38.endprint