【摘要】本研究主要是探讨室内乐演奏技术上的问题并提供建议。因此，笔者将根据个人的演奏和教学经验从学生演奏的关键点音准、节奏和平衡进行详细阐述、分析，并提出个人的练习建议，希望能提供国内室内乐教学上的新思路和参考，促使室内乐在高校发挥更好的效益。

【关键词】室内乐;演奏技术;教学

【中图分类号】J616                             【文献标识码】A

室内乐是音乐表演艺术中十分重要的一种形式，需要几位演奏者共同合作演奏才能完整呈现。国际著名小提琴家海菲兹就曾说过“如果你有足够好的技巧，你就可以演奏恩斯特和帕格尼尼，但是很少独奏家能真正演奏好莫扎特和贝多芬的四重奏。”由此可见，室内乐作品在演奏上不仅是有一定难度的，也有其价值性。由于它的这种特殊性，一直以来很多演奏家们都致力于推广室内乐，这数十年来也有越来越多的教育家们提倡将室内乐运用在学校教育中。

有鉴于此，笔者将个人演奏、教学经验，从演奏技巧中的音准、节奏、平衡三方面进行分析，并提供个人的解决建议和参考，希望能提供研究者、教育者在课程上的实际教学参考，让中国室内乐和室内乐教育得到更切实的运用和更好的发展。

一、音准

音准对器乐学习者而言是一个很基础却十分重要的影响因素，由于室内乐的精致性与团队合作性，音准更是学生们在学习时最容易碰到、也最不易克服的问题之一。要解决这些问题，可以从个人平时培养和团体合作两方面训练着手。

在个人平时培养部分，聆听和调音器是必不可少的。因此笔者会要求学生在平常的基础练习时，不论是长音、音阶或是琶音等练习，都必须非常仔细地聆听自己所演奏出来的声音，配合使用调音器，确认每个音都是在正确的音准位置上;乐曲练习时，必须使用调音器，注意乐曲中的每个音（尤其是长音）是否在正确的音准上，仔细聆听自己所演奏出来的音乐，将容易出现问题的片段特别注明，适当调整气息、嘴型及口腔位置（管乐）或是手指按弦位置（弦乐）并反复练习，运用这样的方式来改善音准的问题。每天持续反复这些练习，一段时间后便可以发现自己对音准的控制度得到提高。

在团体合作的练习部分，除了排练一开始需对标准音A4校音以外，根据乐器的不同，对于容易偏差的音区也必须再次进行校对。例如管乐器的低音与高音区。藉由学生自主的校音，以及同侪彼此的相互提醒、调整，提升对音的敏感度。此外，也可以利用三和弦来训练音感，在平常上课的校音之后，让学生以长音的方式同时演奏出三和弦中的任一音，以木管三重奏为例，长笛演奏C音，单簧管演奏E音（实际音高），巴松管演奏G音，三位学生同时吹奏出C大调I级和弦，在演奏的过程中请学生仔细聆听音响效果，指导老师适时给予引导与建议。若组合人数超过三人（例如弦乐四重奏、钢琴五重奏、单簧管五重奏等），可以让全部学生演奏不同音域的三和弦，或者有时候可以只选择三位学生演奏，没有演奏的学生帮忙聆听给予建议，这样的方式同样也有助于学生在音准上的培养。

二、节奏

以合作的角度来看，室内乐对节奏的要求更是严谨，团队必须对节奏认知一致，才能将乐曲完整演出，若有团员节奏掌握不够精确，便会让乐句的衔接、速度的变化、情感的协调等发生问题。

与音准练习相同，节奏训练同样也可从个人练习和团队合作两方面着手培养。在个人练习方面，首先引导学生平时多聆听、接触不同类型的乐曲，培养乐感;开始练习乐曲之初，则要求学生先放慢速度，等对乐曲的节奏型态了解透彻后再逐渐加快速度，这样便能让节奏稳定性较高。在演奏快板乐段时，由于演奏速度快，且有许多快速音群，学生更容易发生为了追求速度而忽略了节奏的准确问题，解决之道仍是放慢练习的速度，让自己清楚知道节奏的律动感;笔者指导学生运用不同的节奏型态（例如将16分音符的音群改以附点的方式演奏）或变换重音位置等练习来加强身体和头脑的节奏感。当个人掌握了乐曲的律动性以后，可以通过录音的方式来让自己确认所演奏片段的节奏是否正确。当然，在这些个人的练习过程中，节拍器是绝对不可少的。

团队合作在节奏练習上也是十分重要的，刚开始排练时团员对彼此的音乐还不是很熟悉，可以借助节拍器来熟悉乐曲的节拍和彼此的节奏，必须强迫耳朵聆听其他声部的节奏感。在比较清楚各声部之间的感觉之后，可以试着不用节拍器的方式来练习，藉由团员之间的互相聆听，加深对节奏感的理解和熟悉。在课程中，笔者有时候也会运用“节奏分组”的方式来让学生熟悉乐曲的节奏，以莫扎特的弦乐三重奏作品编号第563为例，当中有很多两声部演奏相同节奏型态的地方，因此在排练时，笔者会让学生将这些相同节奏型态的部分单独挑出，一起演奏这些乐句，聆听彼此所演奏的音乐是否一致，若有差异则可运用前述的练习方式找到如何让彼此节奏统一，这样学生不仅会对音乐的律动更有概念，也可以学习彼此协调磨合，帮助团队的统一性。

三、平衡

除了音准和节奏以外，“平衡”同样也是室内乐排练时一个非常重要的环节。所谓的平衡指的是一个团队在音乐上的一致性，包括了音色、音量和音乐性的平衡。

音色平衡的练习可以从“概念”和“理解”两方面进行。以“概念”来说，首先必须让学生熟悉其他团员的乐器，从乐器的发展、构造、音域等初步轮廓开始，一直到乐器的音色、乐曲等全面性的认识。有了基本概念以后，接着可以开始进行“理解”，或称为“换位思考”的教学。排练时引导学生换位思考“以对方的乐器来演奏自己的声部会是甚么感觉”，从而调整彼此的音色融合，要求学生注意乐句的呼吸须一致，让团队的群体合作感增强。这个练习方式对于不同乐器属性的室内乐组合尤为实用，例如管乐、弦乐与钢琴的三重奏组合形式。

音量平衡与否会让演奏出来的音乐有“悦耳或不悦耳”“和谐或不和谐”两种截然不同的效果。音量平衡与否除了受个人的演奏控制力影响外，乐器先天的个别差异也会造成室内乐演奏时的音量不平衡，因此在乐器搭配上，要考虑乐器之间的兼容性，例如小号和单簧管虽然同为管乐器，但在音量控制上单簧管极容易被小号所盖过，这样的组合搭配便很少被运用。

在个人控制方面，教师必须根据学生所呈现出来的音响效果进行调整，引导学生在平时排练时便要常反思“其他团员现在在演奏甚么旋律”“现在谁是主角”“是否该增加音量的大小”等问题，让学生慢慢能自主调整音量的平衡。以木管三重奏（单簧管、双簧管、巴松管）为例，巴松管的声音较为低沉，也较容易被盖过，因此主题部分若在巴松管，两个乐器就必须注意音量大小，控制声音的穿透性;长笛、小提琴和钢琴的组合则因为乐器性质不同，小提琴的音量变化较容易控制，长笛的高音和低音区则因需要较多的气息支撑，表现小声会比较困难，这个时候便要让学生聆听彼此的音量衔接，重设大小声的对比和幅度，平衡长笛和小提琴的音量。

音乐性的平衡关乎整个演出的完整、吸引和流畅程度。在这方面笔者有三个练习建议，找出主题、表达想法、互相倾听。“找出主题”是学生在排练前就必须做的功课。藉由了解乐曲的行进方向并熟知主题发展的脉络，团员间方能彼此配合，共同演奏出一首完整的乐曲。待团员对曲目有了初步认识后，适时引导学生“表达想法”，提出个人对曲子的看法，例如对于此曲的感受、觉得有甚么特殊的地方、音乐情感如何表现等。这些交流可以让学生们了解彼此对乐曲的理解，也能让教师更清楚知道如何引导学生的音乐思考、统整团队表现的一致性。团员间的“互相倾听”也是说明学生音乐性平衡的一个很好的训练方法。这方面笔者提供的练习方式如下，让学生找到乐曲中的共通主题并轮流演奏主题出现的这些片段，其后，引导学生对彼此所演奏出的音乐进行讨论，找到彼此都满意的表现方式。运用这种教学模式可以提升学生个人的欣赏和演奏水平，并培养其独立思考的能力。

除了上述个别的练习方法外，藉由反复排练使团员更清楚彼此的音乐走向和表现特性，可以强化团队的默契;搭配录音的方式说明学生了解自己实际的演奏状况，从而使学生对乐曲有更全面的掌握，并养成自主学习的习惯。

四、结语

室内乐在音乐表演形式中是一个很特殊的存在，音樂交流究宛如三五好友的聚会般，轻松自在、愉快和谐。要表现出这样的氛围，音准、节奏、平衡缺一不可，演奏者必须具备良好的演奏素质和能力，才能将室内乐作品完整的演绎出来。就是由于室内乐这种丰富的音乐表现艺术性和精致的审美价值，对于学生来说，更是训练音乐能力极为重要的方式之一。

本文从演奏技术中的音准、节奏、平衡三方面进行深入探讨，提出笔者个人的改进和加强建议，文中所提及的这些建议都是笔者在通过教学实践和理论思考后，针对学生在室内乐演奏技术上的困难点提供的实际解决方式。未来笔者希望能有更多研究者对室内乐有更多深入地研究探讨，亦或是从不同角度、不同研究方法来研究室内乐演奏技术或实践方面的问题，真正让室内乐发挥真正力量，更好地帮助音乐教育的发展和普及。

参考文献

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[5]Berger，M.（2013）.Guide to chamber music.Dover Publications.

作者简介：冯巧婷（1986—），女，汉族，华东交通大学艺术学院，讲师，美国亚利桑那州立大学音乐艺术博士。