杨卫

楊加勇的绘画，表面光鲜、艳丽、绚烂，但内容却是伤痕累累、溃烂不堪。这是物质主义时代的典型特征。与传统社会人和自然的平等相处不同，当代社会被人为地不断修饰，实际上已使人们与自然脱节，完全生活在了自己制造的二手现实中。这个现实被高度的物化，商品被包装，文化被粉饰，政治环境更是被谎言所充斥……人们享受着这种物质繁荣带来的便捷，陶醉于浮华的欲望世界中，似乎很少去关心背后失去的东西。但艺术家则不同，他们是时代的晴雨表，也是变化的测量仪，总是能够穿透社会表征，抵达内在的真实。杨加勇就是这样一位艺术家，敏感、细腻，有责任和担当。这使他不屑于表现那些表面的社会问题，而更加侧重于挖掘内在的生命经验，揭示时代变化和物质裹挟下引起的心理阵痛。

其实，在绘画中表现伤痛感和溃烂感，并非杨加勇的独创。在中国当代艺术的发展历程中，表现这种痛苦与伤害的视觉经验，似乎一直是作为一条隐线，埋伏在中国社会的开放进程中，未曾间断。从二十世纪七十年代末的“伤痕美术”，到九十年代末的“青春残酷绘画”，艺术家们用自己的青春热血，表现了在时代变迁与自我成长的过程中，遭遇的种种困境，以及由此带来的矛盾、焦虑、痛苦、迷惘、失落与伤害感。作为四川美术学院毕业的杨加勇，不能说没有受到其影响，因为四川美院曾经是塑造和推出这些艺术思潮的重要策源地之一。不过，虽然杨加勇受到了川美绘画传统的某些影响，但他的作品与他的师长们，还是有着很大的差异。不同之处在于：首先，杨加勇是完全从个人感受出发，去挖掘人的欲望，对此展开批判与反思，而不是迎合某种艺术潮流；其次，他抛弃了具象的造型，取用意象方式，来捕捉内心不可名状的痛楚感，从而使他的作品与过去伤痕题材的表达，远远地拉开了距离。

具体到杨加勇的绘画语言，注重的是自我表现。在他的画面中，所有的具象形态，都被他高度地抽象出来，只剩下最为醒目的视觉焦点。诸如一道隐约的伤痕，一堆血淋淋的烂肉，一些渐渐腐败的物质等等，辅之以生动的笔触与强烈的色彩表现出来，更是强化了心理感受，加大了视觉张力。这种极具象征性的表现手法与隐喻方式，是对物象从目视到心视的一种提炼，往往比真实地再现对象与描绘对象，更能引起共鸣，带来心灵的震撼。这就像鲁迅当年批判某些落寞的国粹，用了“红肿之处，艳若桃李；溃烂之时，美如乳酪”来形容一样。如此这般隐喻和象征，更是加重了红肿与溃烂的意向。杨加勇也谙熟此中道理，他表现人的欲望，不是直接描绘，而是提炼成伤痕与溃烂的视觉感受，由此形成一种意象性的画面，不仅是强化了批判与反思的语义，也是为意象绘画注入了时代内容。