王积群

【摘 要】通过古代老子、庄子、苏东坡等名人对“似与不似”的论述，以及从书法角度论证了笔墨独特的审美价值及奥妙真谛，层层展开，逐渐深化了主题：肯定了“大写意”中抽象成分的存在，其合理性和不可缺少性也正是写意画的精髓。这种抽象形式依赖书法形式去完成，通过文学底蕴去达到。

【关键词】似与不似 去形求之 意气 绚烂之极 复归平淡 书画同源

中国绘画历史悠久，人才辈出，源远流长，其中的学问博大精深，画论亦非常精辟丰富，及至近代，已可谓浩如烟海，其中讨论的也非常广泛，但有一个问题一直被历代学者津津乐道，那就是对中国画的“神韵”的探讨，“神韵”通俗地讲就是“似与不似”。

对于“似与不似”最早是老子提出。老子认为“道”具有“无”和“有”的两重性，所以老子的“道”即是“似与不似”的所指。他用“恍惚”来形容“道”，即“似与不似”，只不过没有入画罢了。

然而中国画的“似与不似”应该可以追溯到庄子，但他在以后的实践中却未能找到绘画“去形求之”的载体。千年以来，绘画在“成教化，助人伦”的儒学影响下，不能谈即“似与不似”。

一直到宋代，才出现了由画工转向文人画为标志的一次重要转折，这时候中国画有了书法诗歌的参与，庄子的美学主张才开始落到实处，绘画也为之一大变。

真正从理论阐述“似与不似”的是苏东坡，他虽然没有专门的论画专著，但在他的诗文题跋中，却可以看出他对中国画“似与不似”的观点。他认为，文人画和画工画的本质区别是：前者重“意气”，后者则拘泥于形似，后者显然是不可取的，苏东坡还曾题诗：