周伶

摘要：手风琴来源于“欧洲”，不同于其他键盘乐器，是属于活簧类乐器，是运用中国笙簧发音原理形成的。手风琴是在新中国成立后才兴起和发展起来的，到了今天手风琴在我国人民群众中得到了广泛的普及。对于手风琴的演奏者来说，对作品完美地展现是很重要也是必不可少的。由于手风琴特殊的发声原理——通过手指触键来打开音孔，再推拉风箱使簧片震动，完成发声的过程，所以在演奏中风箱的运用和触键的控制尤为重要。可以说手风琴风箱的运用，直接影响到手风琴的音色、力度、流畅性以及音乐作品风格的表现。因此在教学中，教会学生如何把握与控制手风琴的音色成为了重中之重。

关键词：手风琴 演奏

一、什么是音色

音色顾名思义就是——音乐的色彩。音色的演绎不仅是一种技巧，也是对作曲家的作品风格、思想感情的展现。作品的多样化造就了音乐色彩的多样化，我们要把握每首音乐作品的风格，才能演奏出作品所要阐述的情感，并融入自己的演奏风格，表现出手风琴的音色美。

不同的音色表现出的情感也不同，优美抒情的旋律，演奏时音色要柔美、细腻；欢快、热烈的旋律，演奏时要短促、活泼；气势磅礴的旋律，演奏时要饱满、明亮。例如：我们所熟悉的具有中国特色的手风琴原创作品《天女散花》中，用连续并紧张的轮指模拟了中国民族乐器“琵琶”的音色；以模仿竹笛声，来向人们展示一幅祥和、安静的图画，体现了江南丝竹的柔美。这些都表现出，在一首作品中，音色的感染力与艺术性。不同作品，运用的音色必然不同。所以音乐的处理是否恰当，必然会影响艺术表现的成功与否。

二、如何发挥音色的美

不管学习什么乐器，都是通过乐器本身，来学习音乐，感受音乐的美。因为音乐可以用来宣泄和寄托人类的各种情感。在演奏手风琴时，如果只注重双手的技巧，而不去注重音色的艺术表现，那么就使作品失去了其本身的渲染力，使音乐呆板没有活力，不能感染听众。只有将双手技巧与音色的艺术表现有机结合，手风琴才会发出令人陶醉的声音。

在教学中我们会看到这种情况：相同的作品，不同的人来演奏，谱面各类标识都准确无误，技巧娴熟，可是音乐表现力不同。有些学生只会炫技，缺乏音乐表现，使作品空洞、呆板；而有些学生不以炫技为目的，而是把丰富的音色完全融入作品的艺术表现中，他们的演奏以其丰富的情感而动人心弦，使作品充满了生命力。

三、学会用听觉去感受音乐

在教学中，向学生强调听力的重要性。音乐本来就是一门听觉艺术，音乐的实践活动都是以听觉为基础的，所以在教学中首先要教会学生如何用“耳”聆听，用听觉去感受音乐，不仅对欣赏音乐有重要的作用，而且也是学习音乐以及演奏时表现技能必要前提，教学效果才能更好地展现；听力直接影响到对作品演奏的音乐表现力，可以直接表现出演奏者音乐素养的高低。由于听力的重要性，下面谈谈教在学中应该如何引导学生进行学习：

（一）引导学生重视“视唱练耳”这门课，“视唱练耳”是很重要的一门专业基础课，其目的是让学生系统的学习音乐，掌握音乐中的重要因素，练就灵敏的耳朵，提高耳朵对音乐的感知力，培养学生的听觉能力以及艺术情趣，对演奏者在以后的音乐学习方面有着很重要的作用。通过对这门课程的学习，老师用丰富的音乐理论（理性认识）传达给学生，使学生可以把音乐理论（理性认识）通过自身理解，上升为感性认识（生动的音乐形象），并融入演奏中，可以提高学生读谱能力和理解能力。

（二）对学生进行音乐想象力的培养。也就是对乐谱进行深层次的理解，除了掌握乐谱的音乐理论知识，最重要的是对乐曲的深层次理解，包括乐感的引发，风格的把握，艺术修养的提高，都可以让学生通过“视唱练耳”课程的学习来掌握。由此看来，听觉的训练与音乐的表现都离不开这门课程，是非常重要的基础性理论课程。

（三）训练学生的内心节奏感。节奏是音乐的重要组成部分，具有不同长短和强弱的特点，演奏时要对“节奏”有精准的把握，才能演奏出作品的节奏韵律和韵味。在教学中，以训练节奏感为目的，要求演奏时不能用肢体来打节拍，用内心来准确地把握各种节拍；由于节奏感比较抽象，很多学生在学习时兴趣不高，需要激发学习的积极性，就要从现实生活入手，挖掘节奏，寻找节奏。如：汽车鸣笛声、鸟叫声、钟表秒针的滴答声等等，让学生仔细聆听，寻找这些生活中的节拍，并能找到规律，模仿这些节奏，不仅从中体验到了快乐，也对节奏有了更细致、深刻的理解。在演奏时具备了精准的节奏感，就能对音色有更好的把握。当我们的手指下键的那一刻，将音符演奏出来之后，就要用我们的“耳”来听辨，判断出发出的音响和节奏是否和自己设想的一致，用“心”去表现音乐的美感，去感受音乐。

四、音色与表现力的统一

首先在演奏手风琴时，为了保证演奏音色的质量，应做到身体的每个部位都要处于放松状态——包括肩部、手臂、手腕、手指。因为用放松的状态去演奏时，才能使音色轻松、有弹性。可以说音色是演奏的前提和基础，如果没有音色谈何音乐表现呢？手风琴的演奏与听觉要统一，才能使演奏出的音色与作品内涵一致。例如：当演奏柔美的音色时，身体放松，将内心情感抒发到手指，并用指尖力量尽量贴近琴键，演奏出的音色效果连贯而又圆润。因此我们可以证明，肢体、心灵与琴身是相互依存的。有很多学生在演奏篇幅较长，难度较大的大型作品时，总是力不从心，在演奏中由于身体的每个部位都高度紧张，不松弛，所以根本无暇顾及演奏时的音色和音乐表现力，表现不出作品的内涵。这种现象多数由于，演奏者过度紧张，心理素质不好，对作品的把握缺乏信心造成的。所以，在演奏中，只有具备放松自然的状态，才能获得各种自己想要表达的音色；与音乐作品相符的音色才能更好的发挥艺术表现力，演奏出的音乐才能打动听众。

最后，音色与艺术表现的统一，还离不开我们对作品的理解和认识。由于每首作品表达和传递的情感不一样，那么我们就要对作品进行深入的理解。例如：作者的风格和派系、创作的背景、作品所表达的情感、曲式曲调的分析等、不同的时代音乐特征不同。只有对作品仔细的剖析，在演奏时才能更准确地把握乐曲的音色与音乐艺术表现。

由此可见，音色与艺术表现不统一，就达不到我们学习音乐的目的，而艺术表现如果没有音色美的渲染，同样也只是空谈。有些教师和学生对声音音色的训练不重视，而把教学和练习的注意力放在狭义的演奏技巧训练上，而忽视了手风琴丰富多彩的音色变化，缺乏钻研与思考的精神，致使音乐作品失去应有的活力，手风琴的音色也失去了美感。还有一些部分教师和学生对声音音色过于重视，而忽视了对驾驭音乐作品总体艺术性能力的培养。

成功的演奏者注重的是音色的美，音乐的感染力，而听众关注的是在音乐中的审美感受。