高宏菊

［关键词］整体性技巧；审美理念；音乐风格；艺术表现

钢琴被誉为“乐器之王”，１８世纪从欧洲传入，百年来随着中国经济的快速发展，综合国力不断提升，钢琴从最初音乐院校专业学习步入中国普通百姓家庭，国人“学琴热”也成为当下中国艺术教育的重要组成部分。作为培养人综合音乐素养的钢琴教育，其具有益智、怡情、磨炼性情等育人功能，对提升人们艺术审美情趣起到非常重要的作用。但是，钢琴教学如何把钢琴演奏技巧与艺术表现相统一？从笔者多年钢琴教学的实践来看，首先，应建立“人琴合一”的整体性演奏理念。其次，建立钢琴演奏技巧与声音审美理念，通过手指触键深浅、力度强弱变化弹奏出不同的音色，展示不同的音乐形象。科学训练手、脑、身、心等协调运动技巧，是获得理想声音形象的基础。最后，增强音乐作品的艺术表现力。演奏者娴熟、精湛的技巧是作品艺术表现的基础，演奏技巧滞后或手指达不到作品要求的速度、力度，必然影响作品的艺术表现力；不理解作品的创作意图，采用不恰当的速度、力度，则不能真正诠释作品的思想情感。总之，唯有演奏技巧与艺术表现结合起来，才能真正表现作品的风格、情感。

一、钢琴演奏的技巧性分析

钢琴演奏从手指触键、双音连奏、跳音、和弦、八度、踏板等技巧，到音乐作品艺术性的完美呈现，均需要演奏者全身心协调运动，这样演奏声音才能舒适、动听，真正达到“人琴合一”技艺兼具的境界。在实际钢琴教学中存在下面几个问题：一是演奏者重技巧训练轻艺术表现，演奏变成没有音乐灵魂的纯粹音响堆砌；二是演奏者重艺术表现轻技巧训练，演奏技术达不到艺术表现的要求，演奏手指触键以指肚代替指尖，快速跑动声音不清、无力；三是演奏完全无视谱面的情感标记，音乐旋律乐句之间没有换气气口，音乐旋律乐句之间恰当的气口和换气是必要的，不能因为速度快而放弃，否则就如说话没有停顿一样让人窒息。本部分将从以下三个方面具体分析钢琴演奏技巧。

（一）钢琴演奏的整体性原则

钢琴演奏的整体性原则是指演奏手指、手掌、手腕、小臂、大臂、肘、肩、腰、脚等全身力量协调运动，通过气息合力把全身力量传递到指尖，达到人琴合一、形神兼具的演奏状态，而非仅仅是手指的局部舞蹈。这就如同唱歌只用嗓子而不是全身心演唱一样，声音质感缺乏应有的艺术感染力。比如：弹奏弱（ｐ）和很弱（ｐｐ）音时，大脑要先想象出演奏的声音形象，然后才能有控制地通过手指触键深浅完美弹奏出来。手腕、肘、肩等用力、僵硬、紧张等，都会造成演奏声音不通、音色浑浊、层次不清等问题。所以，演奏弱音不要吝惜力气去“抚弄”琴键，而要有节制地格外用力，且每个音符均需将琴键按压到键盘底部。由此可见，弱音演奏不可以虚弱无力，而是要全身心参与整体演奏，体现钢琴演奏的整体性原则。正如一位钢琴家所说：“整体系统演奏法力图以中国古代阴阳哲学的辩证法为基础，以整体而不是局部的眼光，辩证而不是片面的分析，系统而不是零星的观察，总结钢琴演奏的全过程、總规律。”毋庸置疑，钢琴演奏的整体性原则是科学合理的。

（二）钢琴演奏的气息运用技巧

钢琴演奏是通过声音表现作品情感的艺术，如同语言表达一样需要有气息支持进行分句、换气。然而在实际中，经常有钢琴演奏没有气口、层次不清、音色浑浊的情况，令人不适。掌握钢琴演奏的气息运用技巧首先要学会音乐分句，有的作品有气口标记，而有的作品则需要依据音乐情绪自己划分乐句，比如巴赫选自十二平均律的《赋格》就需要分手弹奏、唱出不同声部的旋律，找到声部之间分句气口，演奏“各声部的句逗不一致又推动了音乐的流动”，才能真正奏出不同复调作品的音乐情趣，可见，恰当分句、换气对音乐作品的艺术表现至关重要。其次要掌握换气技巧，换气在于运用手腕、小臂、肘、大臂、肩等关节调节，小气口只需要手腕换气即可，幅度不用大；但抒情旋律大气口则需要调动大臂、肩的协同运动，仅靠手腕已经达不到呼吸的内在张力。比如，钢琴协奏曲《黄河》第四乐章，从《保卫黄河》旋律主题展示抗战的壮烈画面，到《东方红》主题达到全曲高潮，讴歌党领导的抗日战争的伟大胜利。充满激情的演奏必然是深呼吸、全身心的投入，才能表现抗击日寇胜利的激动心情。音乐演奏的气息运用，正如一位钢琴家所说：“贯彻始终起主导作用的则是气”，没有气支持的音乐演奏必然是干涩、无趣、令人难以接受的。

（三）钢琴演奏的踏板使用技巧

钢琴踏板分左、中、右三个踏板，右踏板叫延音或连音、强音踏板，起到延长声音、扩大音量、增加声音色彩的作用。钢琴演奏使用最多的就是右踏板，但是踏板踩下深浅程度不同，音乐色彩也不一样。比如：演奏进行曲风格作品要踩全踏板，能够体现威武、雄壮的气势；夜曲、抒情风格作品踩１／２踏板，展示安静、柔和的夜色；活泼舞曲风格作品踩１／４踏板，显示声音干净、轻巧、富于弹性。此外，音后切换的切分踏板，音前踩下的预备踏板等使用也广泛，保持音阶、半音阶音量又不浑浊的颤音踏板，调节音量变化的渐强、减弱踏板等，均需要依据演奏作品的音乐形象，选择恰当的踏板。比如：演奏雄浑有力、节奏感强的乐曲常采用同步踏板，加强旋律的歌唱性多用切分踏板，营造丰满的声音效果采用预留踏板，渲染高潮音乐气氛采用渐强踏板，余音袅袅的尾声采用减弱踏板，等等。不同音乐作品选择不同踏板，当然一首作品也可以使用多种踏板，增添作品的音乐色彩、扩大作品的艺术表现力，实际演奏应避免一首作品从头到尾只使用一种踏板，单一色彩作品会缺乏音乐表现力。中踏板也叫弱音踏板，立式琴仅起到练琴减弱音量不影响他人的作用；三角琴也叫保持音踏板，可以保留演奏作品的某个音，达到丰满和声的效果；左踏板也叫弱音踏板或柔音踏板，立式琴达到减弱音量、改变音色的作用，三角琴依据踩下的深浅也起到减弱音量、柔化音色的理想效果，演奏德彪西作品多需要运用左踏板。总之，不管使用哪一种踏板，换踏板一定要放干净，否则会造成音乐浑浊不清、旋律不干净的后果。正如安东·鲁宾斯坦说：“踏板是钢琴的灵魂。”恰当使用踏板可以使旋律富有动感、充满活力，对表现音乐作品的内涵表达起到积极作用。

二、钢琴演奏的艺术表现

同一首音乐作品，不同钢琴家演绎艺术效果并不一样，听众的心理感受也不同。演奏者通过指尖传情，使声音触及听众的心灵，自然会给听众带来美的享受；相反，若演奏者只是呈现音乐自身的音响运动，演奏必然难以引起听众的情感共鸣，就如同一首歌曲不同人演唱声音效果不同。当然，演唱者存在嗓音音色的先天差异，而钢琴演奏者即便使用同一架琴，也会有不同的演奏效果，除去演奏者技能技巧的差异，就是音乐理解、艺术审美的不同了。优秀的钢琴演奏应该通过音符传递出人的思想、情感，而非机械性的纯粹音响。下面将探讨影响钢琴演奏艺术表现的因素。

（一）演奏声音的审美理念

钢琴演奏的审美理念决定演奏作品的音乐形象、风格特征，演奏者在演奏前认真研读作品的曲式结构、调式调性、情感标记，分析作品的音乐风格是必不可少的准备环节。首先，不管演奏何种作品演奏者都要分析作品的创作背景，了解作曲家想要表达的思想内涵，中、外作品作曲家所处国家、时代不同，思想观念、艺术审美观也不一样，音乐语言表达必然带有鲜明的民族特色，体现不同作品的音乐文化内涵。其次，分析作品调式、调性，通常一首作品的调式、调性并不是保持不变的，而是不断变化的，調性对比也是音乐创作常用的手法，如关系大小调对比、近关系调对比、转调或短暂离调等都是常见的手法。只有认真分析作品的调式、调性变化，才能深入理解曲作家的创作意图，更好地理解、表现作品。最后，分析作品的曲式结构，不同作品的曲式结构蕴含不同的音乐思想、风格特征，演奏者应明确作品是单二部、单三部、复二部、复三部曲式，还是回旋、变奏、奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式、复调赋格。不同音乐结构形式与表现思想内容密不可分，正如舒曼所说，音乐的内容是沉淀在曲式中的，不懂曲式就不懂音乐，有时一首乐曲的结构因为分析方法不同竟然会得到不同的解释，那也只是说明观察的角度不同而已，而音乐素材是怎么安排的、调性是怎样布局的、段落是怎样划分的，作曲家自有安排，我们自己不弄个明白，就不能把它们细致地还原给听众。

（二）表情术语与二度创作

演奏一首乐曲首先要分析乐谱，了解作品的调式调性、节拍节奏、速度力度等表情术语，依据作曲家标注的情绪记号解读其创作意图，特别是乐曲开始的音乐表情术语提示：Ａｌｌｅｇｒｏ快板还是Ａｌｌｅｇｒｏｖｉｖｏ充满活力的快板？ｄｏｌｅｎｔｅ悲伤地还是ｇｒａｚｉｏｓｏ优雅地？Ｌｅｎｔｏ慢板还是Ｐｒｅｓｔｏ急板？二者音乐情绪完全不同，如果不认真研读极容易引起对作品的音乐情绪的误读，演奏效果必定与作曲家的思想情感相去甚远。比如，力度记号ｃｒｅｓｃ渐强与ｄｉｍ减弱，意思不是立刻变强与减弱，而是渐渐变强与变弱，同时保持速度的一致。而结尾ｃｒｅｓｃ是乐曲推向高潮的标记速度可以适当拉宽，避免情绪激动而越弹越快；相反，ｄｉｍ渐弱一定要在音乐律动中保持紧一些速度，力避渐弱拖拍。此外，ａｃｃｅｌ意大利语是“逐渐加快”的意思，而在实际演奏中，常会被误弹成“较快”，即ｐｉｕｍｏｓｓｏ比前一个段落快的速度，而不是在前一个段落基础上逐渐加快。关于表情术语一定要让学生树立正确的观念———任何力度变化与速度变化无关，除非作曲家特别在乐谱上同时标出速度变化标记，否则必然误读曲意，记住恰当的速度才能真正表现作品的思想内涵。当然，重视作品表情术语并不等于否认演奏者的二度创作，曲谱是纸面上的无声音乐，只有演奏者才能令其动听、鲜活起来，在尊重作品表情术语的情况下，演奏者是可以通过对作品音乐、文化理解，呈现出与众不同、独具个性的艺术表现。比如：古尔德演奏莫扎特《土耳其进行曲》，就是严格按照曲谱演奏，速度不那么快，恰恰给人稳步、行进的感觉；而郎朗的演奏速度就很快，完全是一种轻松、愉快的情绪。因此，同一首作品演奏风格不同，与演奏者的独特个性、文化思想、审美观念、艺术修养、演奏心境均有直接关系。

（三）演奏体现音乐风格

音乐风格是一首乐曲调式调性、和声曲式、旋律节奏、力度速度等音乐要素蕴含其间的内在文化特征，演奏者除技巧差异外，准确理解、体现不同时代作品的音乐风格是衡量演奏成功的标志。中外钢琴作品数量惊人，不同国家、不同时期、不同作曲家的音乐风格是明显不同的，即使是同一作曲家不同时期的作品风格也是不一样的。彰显音乐风格演奏手指触键、力度、音色、用气、踏板等都需要有不同的处理，如果以不适当的声音、速度、力度演奏一首特定风格时期的作品，一定是比弹错音更难以让人接受。一位专业演奏者在掌握了全部钢琴演奏技能之后，至关重要的就是掌握音乐风格。大家知道，欧洲钢琴艺术经历了巴洛克风格、维也纳古典风格、浪漫主义风格、印象主义风格、现代音乐风格及新古典主义风格等。其中，巴洛克时期主要以和声或通奏低音技巧为特征；维也纳古典主义表现的是稳定、恬静、平衡的音乐特征；浪漫主义音乐特征是突出主题，如特性曲、艺术歌曲、交响诗等；印象主义音乐用和谐与不和谐和弦营造梦幻模糊的效果。当然，同一时期作曲家的个人风格会大相径庭，巴赫与亨德尔同属巴洛克时期，同一个国家文化背景，前者音乐严谨、深沉，后者率性、明朗。同一作曲家不同时期的作品未必同属一种风格，演奏任何一部作品都要注意作曲家的国籍、历史背景和个人风格。不同时期作曲家的美学观念、追求目标、技法手段、织体写法及弹奏方法均有较大的区别，仔细研读作品、把握风格性特征，对于一个演奏者非常重要。

结语

钢琴演奏技巧性是艺术表现的基础，演奏者只有具备一定的演奏技能，才能胜任高难度的音乐作品。同时，要把表现作品的艺术性放在首位，而不是没有灵魂、纯粹空洞的音响。只有认真研读、理解作曲家的一度创作曲谱，二度创作才能有的放矢，才能完美体现演奏者的个性、音乐美学观念，音乐作品才能真正焕发生命力。精湛的演奏技巧是为音乐艺术表现服务的，演奏者独特的个性、艺术修养、音乐审美观念等，都会影响作品的艺术性表达，这也是同一作品不同演奏者演奏效果不同的根本所在，“人琴合一、形神兼具”彰显作品独特音乐风格是演奏的最高境界。