梁栋瑛/江苏省第二师范学院

0 引言

在传统“五行五色观”中，往往是以黄色为中心，此基础上形成以青、白、红、黑为方位关系的色相环，以黄色为中心主要是因为黄色与泥土的颜色相近，同时黄色也是皇帝的代表色，有一定的“天道”思想｡随着历史的发展，儒家、道家、佛教、西方色相的传入都对中国画的绘画技巧和色彩运用产生一定影响｡中国画是我国自古以来传承的中国传统绘画形式，对中国画的色彩运用技巧进行研究能够帮助画家更好地了解中国画的发展情况｡现代画家也能够借鉴中国画中具有典型性、传承性的绘画技巧来不断提升自己的绘画能力｡

1 色彩及中国画相关概念

中国画又称为国画，是我国较为传统的艺术形式之一，也是我国文化名苑中的瑰宝｡中国画类型较为丰富｡根据绘画内容的不同，中国画可以被分为人物画、山水画等，色彩运用是中国画重要技巧｡在国画绘画中，画家通常依据“五行五色”观念上色，五行五色观念是以黄色为核心，形成以青、白、红、黑为方位关系的色相环（图1）｡

图1 中国画色彩运用观念

随着中国历史的发展，许多思想文化也对中国画的色彩技术产生一定影响，如儒家的 “正色思想”、道家的“阴阳、太一”观念和佛教讲究的“素淡”观念等，都对画家的用色产生一定影响｡在清朝后期，外来绘画技术也对中国画产生一定影响，如张大千的泼彩画法就受到了西方绘画技术的影响｡与此同时，在人物画色彩中的运用方面，各个朝代也各具特色，受到国力、文化、开放程度的影响，盛唐时期的人物画色彩呈现出富丽堂皇的特点，画家在绘制人物时并不拘泥于用色，而是大胆地利用暖色来衬托出人物的丰腴和大气；而宋代则追求清丽、雅致，因此宋代水墨画发展程度较高；而在清朝后期，中国画则受到了外来文化的影响，如西方透视技巧等被应用到人物画中｡可以说，中国画作为上层建筑的重要组成部分，也受到了社会的广泛影响[1]｡除了“五行五色”观念外，中国画也有其他讲究：在墨色部分，要讲究分“焦、浓、重、淡、清”；而在色彩运用方面，最主要的技巧则是“随类赋彩”，什么类别就要运用什么样的色，讲究真实，画家在用色方面无论是大胆还是追求雅致，都不会过分应用色彩，在中国画中，绝不会看到“艳俗”“抽象”的画｡中国画或是清丽或是富雅，大都呈现出和谐之态｡色彩的重要来源就是颜料，通过对调色、浓重的运用可以让颜料在纸上呈现出不同的颜色｡在“水墨决定论”中，强调少用色，多用水墨，在水墨运用过程中有着“色不碍墨，墨不碍色”的要求，画家在用色时可以不着色也可以少着色｡根据绘画类型的不同，用色的技巧也有所不同｡在进行用色分析时，既要遵循社会历史角度，结合社会历史的发展对色彩运用技巧加以解析，又需要遵循系统性原则，立足于中国画内容对色彩运用技巧加以分析；遵循整体与部分原则，既要着重地对绘画技巧加以分析，更要结合内容进行分析[2]｡

中国画则根据描绘人物不同分成不同的题材，如肖像画、仕女图等，在进行人物绘画时，强调要着重把握人物的特点，不仅要对人物的外貌衣着加以刻画，更重要的是要将人物的情感、神态有所表达，做到内外结合｡在内外结合方面，画家一般通过构图、色彩等对人物进行刻画，通过对场景、人物动作、人物神态的描绘让人能够感受到画中人的所思所想，如《女史箴图卷》《簪花仕女图》就是具有较高代表性的人物画｡

2 人物画特点

在人物画中，主要体现出人物神态与形态相结合、人物特点明显、内在情绪与外在情绪相结合的特点｡中国画中的人物画在一定程度上还受到社会思想的影响｡在唐代，思想开放、经济繁荣，对外活动较为频繁，唐朝赫赫有名的阎立本就受到了开放的社会环境影响，非常善于肖像绘画创作，尤其是在脸部特写上更为传神，在线条用笔上较为有力，以朱砂、石绿用色较为精湛｡其中《步辇图》《历代帝王图》都是历史上影响力较大的画作，其中《步辇图》的场景描绘的是唐朝帝王唐太宗接见吐蕃禄东赞的一些场景，而《历代帝王图》则是绘制了 13 位帝王，通过面部细节来凸显各个帝王的性格特征｡而在宋朝，《清明上河图》中就有各式各样人物的描绘，作者通过各种天然植物与矿物中提取的颜料围绕着汴京清明时节的繁荣景象绘画出北宋时期经济状况，整体色调偏暖色系｡但根据人物的身份不同，人物的衣着颜色也有所不同，涵盖各种颜色｡通常身份较为显贵的人，衣着颜色更加鲜明，而劳动者们普遍身着冷色系的衣服[3]｡宋朝具有典型特色的人物图《观音像》（图2），可以看出本图中使用色彩的部分较少，而是大量运用了墨色勾勒人物外形｡观音的素衣主要是通过留白的方式加以展现，对观音衣服褶皱的刻画也主要是通过描线的方式进行展现｡运用墨色对远山和群石加以刻画｡通过放大细节可以发现，画家对观音的面部表情刻画得较为生动，着重描摹了观音像的眉眼、嘴部细节｡

图2 《观音像》

在《听琴图》（图3）中，画家用了较为写实的颜色，通过线条勾勒出衣服的褶皱，人物微微仰头，一副若有所思的模样，小童和男人都脸朝一方，好像被琴声所吸引｡这种动作与神态相结合的方式，就体现出了人物画中“神态与形态相结合”的特点｡可以看出，画家虽然在积极地利用色彩技巧，但是只将色彩运用到景物、衣服描绘上，相对于线条运用技巧，色彩技巧的运用稍显逊色｡

图3 《听琴图》

3 色彩运用技巧分析

3.1 色彩的冷暖关系

冷暖关系并不是中国画中的概念，而是西方色彩学概念，其核心内容在于通过色彩的冷暖关系对比来让人能够感受到“对比”，从而突出绘画中的主旨和核心要义｡但在传统中国画中并没有应用到色彩的冷暖对比，这主要是因为在传统中国画中主要强调“和谐”，大胆运用对比色会导致画面失衡｡虽然在绘画过程中，部分画家会应用冷暖色处理，但是并没有在绘画中形成明显的冷暖色对比｡因此，随着中国画在现阶段的进一步发展，画家也可以尝试着弥补冷暖色对比在中国画色彩技巧方面的空白[4]｡

3.2 色彩风格的运用

色彩风格可以分为时代风格与个人风格，时代风格受时代影响，呈现出此阶段共同性特征，个人风格则主要是收到画家个人的思想影响，他们除了受到时代风格的影响外，还会用自己的色彩语言去表达自己的所思所想，展现自己独特的艺术风格｡可以说，真正的画家需要在掌握时代风格的技巧上，在融合自己的独特风格和个人魅力，在此方面，诸如齐白石就是把时代风格和个人风格做到和谐统一的大家｡风格的形成并非是可以模仿，同时也不是苦于练习形成的，而应该是在潜移默化、循序渐进中把握色彩的规律｡

3.3 多种色彩技巧结合

在中国画人物画色彩技巧中，主要有分染、着色、罩色等技巧，这些上色技巧在绘画过程中并非单独出现，而是根据画家的具体需要来进行技巧结合｡画家在进行绘画时并不是一次性上色，而是根据实际需求进行着色、罩色、提色，在立足于绘画整体性的基础上对人物画中的色彩进行渲染，从而让画中人更具活力、栩栩如生，也能够体现出中国画的和谐之感｡多种色彩技巧相结合，也能够避免在后期画作保存过程中出现画作褪色的现象[5]｡

以仕女簪花图为例(图4)，画家首先是运用了分染底色的方式上色：在仕女的面部上色过程中，画家主要利用赭色进行分染｡画家在分染时一般手执二笔，其中一支笔要蘸赭石，而剩下的一支笔则蘸清水｡染色后，蘸清水的笔要立刻洗涮，保证下次使用时仍然是清水上色｡另一支笔则先进行局部染色，根据所上颜色位置不同来选择不同的颜色，如处理面颊部分时，画家先用洋红对该面积进行分染，然后再用蘸取清水的笔来将其推开，从而形成晕染、渐变｡分染后则要进行着色和罩色｡在传统仕女画中对仕女脸部的着色画法近似于京剧人物的化妆造型，仕女的额鼻和下颚三部分晕白粉眼眶和面颊用色比较夸张，在此部分上色时多用洋红、朱膘、藤黄｡罩色则多用于对色彩进行补救，对画中不和谐之处进行调节，以脸部形态调节为例，画家常用淡赭石平涂一或两遍，然后在此基础上再进行着色｡虽然罩色已经能够对画中不和谐之处进行调节，以达到中国画中要求的和谐之感，但是中国画的画家常常会精益求精，在罩色之后还会利用提色做最后的加工｡为了凸显出仕女图中白色的脸颊，画家常常还会用白粉从纸的背后进行托染｡一般常用于工笔重彩人物画的染色法有罩染、窄染、宽染、接染、叠染、掏染等｡

图4 《仕女簪花图》

4 色彩在中国画人物创作中的运用优化路径

4.1 重视我国优秀传统中国画绘画技巧

色彩技巧是中国画人物创作中的重要组成部分，因此在进行绘画过程中，画家应该讲究“和谐”“统一”，在进行色彩运用时，还要注重发挥我国优秀传统中国画绘画技巧，这需要画家大胆创新，不能完全遵循传统，而是要取其精华去其糟粕，不断融合、大胆创新｡在中国画绘画技巧中，就构图法而言，有“s”线构图法、自由式构图法和叠层式构图法｡叠层式构图法较为容易应用到景物画中｡“s”线构图法，即要求在绘画中具有较强的绘画技巧，赋予画作强烈的构图功能特征｡与“s”线构图法相对的是自由式构图法，强调在绘画中自由而灵活，避免形象之间距离相等｡如前文中所展示的《听琴图》为例，主人与小童的高度不等，这不仅是因为二人年岁不同，更是因为二者地位不等，所以画家有意识地将小童的高度降低，拉伸主人的高度，从而更加凸显出他们的地位｡在视觉效果上，受众能够一眼就看到主人，即图画中的重心｡在色彩技巧运用方面，虽然蓝色和黑色都是冷色调，但是这也充分地反映了当时的历史，因为当时浆洗衣物的成本较高，所以穷人、下人一般都着黑衣、粗布衣服，这是因为这些衣服耐脏；而社会地位较高的人、富人则更倾向于选择具有颜色的衣服，这是因为古代印染、浆洗成本较高，只有富有财富、地位的人才更倾向于穿着具有颜色的衣服｡

4.2 重视中西方绘画技巧的融合

在明清时期，中国传统画受到西方文化的影响，但是在色彩技巧运用方面，却仍然是“水墨至上”的应用方法，并没有受到西方绘画技巧的过多影响｡因为长期重视水墨，所以中国画中较少利用冷暖色调对比，这也是中国画中色彩运用技巧较为缺失的重要表现｡在重视中西方绘画技巧的融入时，中国画作家应该做到大胆创新，积极地将中国画的绘画技巧与西方绘画技巧相融入，但是在融入过程中也要遵循着整体性和谐的原则，并不能为了过于追求融合西方审美而摒弃原有中国画中最精妙的色彩｡“他山之石，可以攻玉”，正如新艺术运动当中，新艺术运动中的外国画家将日本的浮世绘融入到创作风格当中，虽然借鉴了日式风格，但是画作整体并没有凸显出日式风格与西式审美之间的不同，反而是做到一种和谐、统一，显示出一种别样的艺术｡

4.3 利用色彩来表达光影细节

在中国画人物画中国，强调将多种元素进行巧妙结合从而达成和谐之感，即强调运用光、形、色的结合｡中国画中强调气韵、神态和和谐，因此在人物画中，要注意运用色彩来表达光影细节，逐步提升色彩的高度凝练与有效提升，通过这种方式，能够有效地促进光和色的运用以及与形的结合使画面，从而产生有效的空灵之感，让人物与其背景形成有效的融合一体｡对色彩与形的高度提炼与概括，使画面更具抽象之美，能够有效的体现出中国画的写意性｡在绘画中国画的同时，画家可以通过对同色系的应用形成渐变、渲染质感，从而将主观情感通过客观物象有所展现｡利用色彩来表达光影细节，能够原有的形视觉效果｡在绘画过程中，形、光、色能够相互影响，相互辉映，在形中声色、在色中产生光影，着眼于整个画面的和谐，强调画家对人物的体积、质量、空间等因素深度体验与把握，注重色彩的光影细节表达｡

5 结语

在进行色彩在中国画人物创作中的运用技巧分析时，应该结合系统观念、整体与部分观念进行分析，加强色彩的运用并非代表将原有的绘画技巧所抛弃，而是要加强色彩与水墨的辉映，从而在中国画人物题材的作品创作过程中更加注重写意和写实的结合，从东西方文化互相影响的当下来逐步提升在创作的过程中，需要加强对色彩应用的重视，加强对色彩的合理控制，合理使用好绘画语言｡