沈海萍

古典诗词是中华文化瑰宝，在漫长的历史发展中，以其深刻的传情达意、丰富的思想内蕴以及兼容并包的艺术魅力，成为文学爱好者和文化研究者爱不释手的宠儿。读者在充分享受古典诗词中文字带来的美妙感受时，不难发现，合乐而歌的古诗结合音乐旋律带来的艺术美感层次更加鲜明，表情达意也更有张力。下面我们就尝试结合音乐旋律，来鉴赏古典诗词的音韵美及这份音韵美背后的深层艺术效果。

旋律是音乐构成的首要要素，是有组织、有节奏的乐音序列。这些序列的组成不是随机的，而是艺术家按乐音一定的音高、时值和音量，把具有逻辑因素的单声部通过精巧构思有机结合而成。因此，旋律里包含着许多如调式、节奏、节拍、力度、音色的表演方法方式等音乐基本要素。

那么，什么是诗歌呢？古代圣贤认为，诗者，歌也；歌者，诗也。在古人看来，诗歌本就是双生一体，内容一致，只是表达的形式各有不同。唱之为歌，咏之为诗。诗是歌的内容，歌是诗的旋律。

古人创作诗歌，发表方式不像现在出版在刊物上，而是题于亭台楼阁，或是刻于石壁之上。事实上，很多优秀的诗人创作古诗的时候都会口头吟咏，经典诗词会被歌姬谱曲演唱。唐代文人薛用弱的《集异记》中记载的关于王之涣与王昌龄、高适在酒楼梨园斗诗的故事恰恰说明了这一点，这种传播的方式更快、更广、更常见。

诗写下来不光是为了看，更是为了“咏”和“唱”。古人所谓“咏”，跟今天的朗诵差不多；“唱”则需要根据诗歌所押韵脚，对应五音编曲。因此，诗歌就和音韵发生了极其密切的关系。那么，古人是如何运用音韵构建诗歌美的呢？

一、调式

日常生活中，唱歌跑调被称作“五音不全”，这里的五音讲的就是中国古典音乐中的宫、商、角、徵、羽五個音。音乐讲究调式，一首曲子开头和结尾使用的中心音是什么，就被称为什么调。

古人认为宫者，喉音，舌居中，相当于中央C，唱名“哆”。结合汉字的音韵，我们发现开口呼韵母的发声也正是这样的特征。一些正宫调演唱的歌曲基本都是内容明朗开阔的诗词，或是中气十足的慷慨之声。这种诗中就会陈述平和自然的情景，表达积极温柔的情感，或者以开阔的视角来描述所见所闻。如唐代孟浩然所作的《春晓》，就是一首内容清新明丽的古诗，很适合用宫调演唱。

二、节奏

古诗和音乐一样，是讲求节奏的。谈到这里，笔者想到了中国文学史上的第一位长调慢词词人柳永。他在作词时，勇敢地突破了小令、双调对长短句字数的限制，把自己愁肠百转的心事化作洋洋洒洒的文字，吟唱出来。一首《雨霖铃》道破离别的悲愁，那一句“执手相看泪眼，竟无语凝噎”听哭了多少经历过生离死别的故人。

节奏的缓急，也最能体现一部作品的情绪情感。进行曲节奏铿锵有力，小夜曲则幽远舒婉。用进行曲的节奏来诵读吟唱《诗经》中《秦风·无衣》，立刻能感受到战士们即将走向沙场的视死如归；用小夜曲的节奏来诵读吟唱宋代苏轼《蝶恋花·花褪残红青杏小》，更觉得那墙里墙外的“有情”“无情”多了一丝现代诗人卞之琳《断章》里的朦胧。

三、节拍

音乐中的节拍书写着不同的情感和心态，二拍只分强弱，一强一弱，代表着一张一弛；三拍强、弱、弱，就有了一点波澜起伏、婉转回旋的意味；四拍强、弱、次强、弱，多了起承转合、抑扬顿挫，配合着音乐的旋律，诗歌也暗暗地用这种节拍在影响着我们对诗句的理解。

“关关雎鸠，在河之洲。窈窕淑女，君子好逑。”《诗经·关雎》就用二拍的强弱，让我们看到了自然界最美好的阴阳相反，却又完美地和谐共生，看似一组矛盾，却因为彼此的不同，创造出更加丰富多彩的世界。所以，二拍是辩证的，多了一个看世界的角度，让诗歌呈现出更多的内蕴，让我们的审美变得不再狭隘。

五言诗多为三拍，诵读和吟唱的节拍里都有诗人的情思回转，万千感叹。不论是杜甫《春望》中“感时花溅泪，恨别鸟惊心”的国仇家恨，还是王维《山居秋暝》中“明月松间照，清泉石上流”的空灵惬意，或是李清照《夏日绝句》中的“生当作人杰，死亦为鬼雄”的豪情万丈，都让我们从诗句中读出了诗人情感的曲折和内心的丰富变化，就像音乐节拍中三拍的特点，起伏有致，引人深思。

七言诗多为四拍，因为词句内容更加丰富，情感的起承转合更加变化万千，像极了音乐旋律中四拍的节拍特点。就说杜甫《登高》中的“无边落木萧萧下，不尽长江滚滚来”是不是就真的应了四拍的特点？起承转合、抑扬顿挫，把一幅寒风冷冽的秋江图，裹挟着枯黄的落叶，一把塞进读者已经感到冰冷凄苦的怀抱中。读到“潦倒新停浊酒杯”时，恐怕饮尽的就不是浊酒，而是混杂着浊泪的人生悲苦了。

四、力度

音乐旋律的每一个乐句中，都有重音，就如同诗歌中也有关键的词语需要强调一样。诗人利用诗歌表情达意的过程中，会刻意把自己的情感铭刻在特定的语境中，以独特的意象呈现给读者，这些词语往往被称为“诗眼”。它们镶嵌在最为精彩的诗句中，不论诵读还是吟唱，一定要通过声音和力度，彰显作者情感的强度和思想的重视度。

根据作者不同的表情达意的要求，“诗眼”所在的位置也各不相同。有时在句子开头，起到统领后文的作用，如毛泽东《沁园春·雪》“望长城内外，惟余莽莽”中的“望”字以下，都是随着诗人的视角，看到的山河壮阔美景，直接把诗人胸怀祖国河山的胸襟抱负展示出来。

有时“诗眼”在文中，起到夺人耳目的作用，比如唐代边塞诗人岑参《白雪歌送武判官归京》中那句神来之笔“忽如一夜春风来，千树万树梨花开”中的“忽如”一词，将戈壁风雪这个不速之客的降临，一下子变成了天公随手绘就的绝美自然风光，把戍边将士塞外风雪的艰辛，用“春风”“梨花”轻轻带过，这是怎样的豪迈和刚毅！

还有的“诗眼”在诗句结尾处，起画龙点睛的作用。宋代词人李清照《声声慢》中“这次第，怎一个愁字了得”中的“愁”是全诗的诗眼。从开始“寻寻觅觅，冷冷清清，凄凄惨惨戚戚”，作者连用七个叠音词来描写自己的所思所想、所触所感时，我们就已经感受到了她的无尽愁情。可是，她不着一个“愁”字，让这种愁情一点点堆积，随着“梧桐更兼细雨”，连老天都为她的遭遇而动容时，她才扪心倾吐出一个“愁”字，让这份愁穿越千百年都浓得化不开，重得承不住。

这些“诗眼”就是音乐旋律里的重音，它们灵巧智慧地向我们展示了诗人创作时的真情实感，也让我们更容易洞悉诗人想要表现的情感态度和价值观。

五、音色

不同的乐器演奏相同的音乐旋律，会产生不同的艺术效果，诗歌亦是如此。不同的人有不同的人生经历，也注定了大家对事物的看法和态度会有不同。艺术也正是因为有这样的不同，才变得更加变幻莫测，让人痴迷沉醉。

小提琴悠扬、大提琴沉浑、钢琴铿锵、竖琴空灵……不同的乐器有着不同的音色特质，正因为它们的不同，当一首交响乐响起时，我们才能从这些交互配合的器乐中，找到全新的艺术享受。

诗人的写作风格就好比音色，要从众多的诗歌风格中汲取不同的营养，才能让我们对诗歌的审美更加全面和立体。

以唐代的两大诗坛巨星的不同创作风格为例：李白、杜甫分别是浪漫主义和现实主义的代表。李白的诗歌豪放飘逸，杜甫的诗歌沉郁顿挫。

李诗想象力非凡，文字就像插上了翅膀，随时都有上天入地的自由劲儿。我们随便拿出一首，都会发现他善用夸张的修辞方法。夸张能够让人通过超出现实却又貌似合理的表达，产生奇妙的想象和联想。那么，何来“豪放”呢？夸张这种修辞有扩大夸张、缩小夸张和超前夸张三种，李白最善用的是扩大夸张。在他的世界里，任何细小的事物都带着充天斥地的霸道和张力豪迈而来，让我们由衷地感受到胸怀壮阔，“豪放”就是这种感觉——自信、豪迈、放浪形骸、自由不羁。

杜甫则不同，他的作品牵系太多的民生疾苦，读来总是字字血、声声泪，感觉自己想陪着诗人一同哽咽啼哭。“沉郁”是诗人表达的情感，充满了对乱世中艰难求生的百姓的同情；“顿挫”是诗歌诵读的状态，哽咽抽泣，但又坚定有力。

正是因为“李杜”如此巨大的风格反差，才造就了他们浪漫主义和现实主义完美地交相辉映。

由此看来，结合音乐旋律来赏析古典诗词的音韵，才算真正回归到诗歌创作的源头起点；以终为始的鉴赏，才能更加真实、深入地反映诗人的内在，让我们更加接近文字背后的情感态度。