宋 颂

人离不开呼吸，生命不止呼吸不停。舞台艺术中人体的一切活动都必须有呼吸的配合，呼吸在许多艺术门类中都起着至关重要的作用。

舞台艺术中的呼吸是在自然呼吸的状态下，经过生活提炼，用科学方法有意识地训练后，形成的一种综合表现人物的技巧与方式，是一种舞台表演中有准备的呼吸，它能帮助演员更好地展现其综合能力。

所有舞台人物复杂的内心和外在的呈现形式都与呼吸的方式及呼吸技巧有着重要的联系。对呼吸在舞台艺术中重要性的认知古已有之。我国古代音韵学中有这样的说法，“形气相轧而成声”，“有声必有气，无气不发声”。清代徐大椿之《乐府传声》曰：“然声亦必有气以出之，故声亦有声之形。”陈彦衡在《说谭》中还提到，“气者，音之帅也。气粗则音浮，气弱则音薄，气浊则音滞，气散则音竭”。呼吸控制就是气息、声音和舞台表现的魂。直到如今，人们依然重视在舞台艺术中呼吸的练习和运用。

音乐剧是一种在戏剧的基础上，通过音乐、舞蹈、戏剧等表演元素来刻画人物、传达感情的表演艺术形式。演员演唱是在音乐剧中塑造人物形象的主要手段，演员通过演唱技巧对角色进行驾驭，赋予角色形象以新的内容。表演中技巧性的演唱处理和表现性突出的情感表达是演唱风格形成的两个重要方面。

音乐剧舞台表演中无声表演和有声表演都离不开好的呼吸方式和技巧。有声表演需要有血有肉的言语来表达情感，言语要通过人声来传递情感，恰如其分的人声表达需要好的呼吸方式和技巧。气声、轻声、弱声、低声、高声、强声、呐喊声、撕心裂肺声、人物与动物声音模仿等等，所运用的呼吸都有着不同的巧妙方式，呼吸系统的运行位置、比例、力度等不同，舞台表现及声音感觉也完全不同。同理，在音乐剧的无声表演中，比如舞台中跳跃、奔跑、舞蹈动作、走动、停顿等，呼吸也起着至关重要的作用。

一、 舞台发声与呼吸

每个人的声音都有其不同的特点，具有不同的音色、音域、声区，这才有了丰富的声音世界。人能发声，其根本原因在于呼吸器官的协调配合，产生了气流，冲击了声带，使之振动。

呼吸是声音的载体和支撑，没有好的呼吸就不会有的好声音。古人云：“善歌者，必先调其气。”在舞台艺术中，气与声、气与字、气与腔、气与情有密切关系，足见呼吸对于声音的重要影响。

在舞台表演中，尤其是在音乐剧舞台上，声音被提高到一个十分重要的地位。好的演员能够根据不同的角色来通过声音塑造不同的人物形象。在戏剧表演中，自然的呼吸方式远远不能满足演员的需要，因为演员需要清晰地把台词传达给观众，完成舞台行动，这就必须要求演员有较强的气息支撑。呼吸时身体要保持松弛，不要紧张，也不能完全松垮下去，要内紧外松。训练时应保持好直立姿态，两臂自然下垂，保持自然状态。吸气时两肋向两侧张开，横膈肌向下移动，胸腔扩展，小腹微收，双肩放松。呼气时两肋尽力保持吸气状态缓缓收回，小腹肌肉收缩，腰背直立，使气息成为一个柱子缓缓上升，用小腹的收缩与两肋的保持力量控制住气流，不要一下子把气全放光，要保持住这样的状态。

演员应该能够综合运用胸腹式呼吸方法，加强训练，在舞台上能够张弛有度，在行动中也能清楚地、准确地表达出语言，完成各种舞台动作。大段、长段的独白与唱段，更需要科学的呼吸方法来支撑。

我们学习舞台发声，第一步就是要学会如何正确地呼吸、正确地用气。我们常常在生活中发现，同样是嗓音条件很好的舞台艺术工作者，接受过专业呼吸训练的人，其声音更为浑厚、通透、响亮、丰富、自如，而没有接受过专业训练的人，也许凭借着自己的天赋嗓音也能说唱得自然好听，但声音容易扁平，喉咙容易沙哑，易疲劳，在情绪高亢激昂时声音共鸣不够，声音厚度和穿透力也不够，声音尖细发抖或容易“冒泡”，音波不受控制。其实，产生这种现象的很大原因就在于两者对呼吸运用的能力的不同。帕瓦罗蒂说：“掌握不好呼吸，就没法发出好听的声音，甚至会毁坏嗓子。”

世界上许多国家中，人们同样重视呼吸对声音的影响及其作用。普利斯曼在他的《喉头生理学》中把呼吸比作声音的生命力。克拉克在《呼吸论》中认为歌唱者的首要任务就是学习适当地呼吸。彼得斯说：“全部歌唱是气息通过声带的活动。”所以，在某种意义上讲，“歌唱者必须是位专业的呼吸者”。纵观古今中外的专业论述，呼吸问题也是歌唱的基本问题，而歌唱也是通过语言来表达，所以呼吸对于语言及歌唱有着重要的影响和作用。

只有掌握最自然、最深长、最正确的呼吸，才能具备声音的丰富表现力，才能较为自如地进入表演艺术创造的境界，获得意蕴的升华，从而达到精神和身体的和谐，完成声音形象和角色形象的统一。

正确的呼吸方式作用于具体的舞台行动时，人物情感、情绪更具明显性。人在自然、轻松的状态下表现为一种正常的呼吸。我们常常可以见到、也能亲身体会到好的呼吸方法会直接作用于人的心理、情绪、情感。比如，人处于紧张、恐惧、激动、兴奋时，发声时气息不顺畅，呼吸的频率都有加快的可能，显出气息的急促，体现出人的相应的心理状态。当好的呼吸作用于具体的舞台行动时，气息对于人的情感、情绪的体现则更明显。例如，人处在奄奄一息的时候，发出的声音是极其微弱的，呼吸的状态也不十分明显；人在激烈争论的时候，发出的声音会有一定的力度，呼吸的状态明显，呼吸的幅度增大；人处在情绪低落的时候，说话声音就会黯淡、无生机、缺少底气；人处在兴奋的时候，说话声音明亮、高昂、底气充足；人在伤心欲绝的时候，哭泣会使人的气息显出上气不接下气；人处在精神爽快的时候，舒畅的心情会使人的气息显得通畅无阻。一声叹息，可以有多种不同： 无可奈何的叹息，舒心的叹息，痛苦的叹息，伤心的叹息，这些不包含声音语言成分的气息，却透露出丰富的语言内涵，透露出丰富的情感色彩。在生活中，气息在人身上的各种表现体现了其鲜明的功能，它可以塑造声音形象，并帮助人们完成思想情感的表达。

舞台行动中，呼吸控制意味着对人物音色音量变化的控制。音乐剧舞台表演的声音表现中，要求用不同的音色来表现人物的喜怒哀乐等各种复杂感情。如果不掌握好呼吸，不能灵活运用发声器官，没有好的机能训练来支撑，没有变化音色、音量的技巧，那么人物声音形象就平淡无奇。个人的声音特色和表情特色，除了生理结构和机能的差别，与呼吸控制有密切的关系。如： 演唱欢快明朗的曲目时，气息的力度不要过大，呼吸运用要灵巧自如；在演唱愤慨、愤懑的桥段时，气息则要时强时弱，表现那种如泣如诉的感觉；而在演唱一些赞美性、豪迈的作品时，气息要饱满，力度要大；当表现深情、亲切的感情时，气息则要柔和。总之，在舞台表演中，随着情感的变化，呼吸也要有不断的变化。

呼吸的不同方式影响声音的不同状态和发声风格；人类主体对于呼吸的不同程度的控制，才使得各类与声音有关的艺术作品得以被表演和展示。呼吸是发声的动力，是控制声音的灵器，是表现声音的媒介，更是通过声音来表达的艺术作品的情感之本源。认识呼吸，了解呼吸，活用呼吸，方能更好地运用肢体、声音来理解和感受艺术。

二、 自然生活中的呼吸与音乐剧中的呼吸

呼吸是舞台艺术最基本的载体和动力。世界著名声乐教育家卡鲁索曾说过：“一旦掌握了呼吸的艺术，学生也就走上了可观的艺术高峰的第一步。”有了好的、正确的呼吸方法，才有可能得到自然、优美的声音。舞台发声的呼吸方法基本上可分为三种： 胸式呼吸法、腹式呼吸法和胸腹式呼吸方法。吸气有用口腔呼吸法、用鼻腔吸气法和口鼻同时呼吸法。科学的呼吸法是： 胸腹式结合法，口鼻同时吸气法。它不会像胸式呼吸法那样过浅，也不会像腹式呼吸法那样过“僵”。

什么是自然呼吸？在斯塔林的《人类生理学原理》中，是这样描述呼吸的：“由于胸或胸腔有节奏地交替扩大或缩小的容积而使空气不断更新。胸的每次扩大而膨胀，使空气(气息)通过气管或风管被吸入肺里，这就是吸气。胸放松时，它收缩而容积缩小，从而把肺中的空气逐出或排出，这就是呼气。”自然呼吸是与生俱来的生理性的自动呼吸，也就是正常生活状态的呼吸运动，人人都会呼吸，人人都需要呼吸，这是人的本能。

正常人的自然呼吸规律有两种情况，通常来说，男性用自然的腹式呼吸，即吸气时，腹部稍为胀起；呼气时，腹壁稍稍下落，不过幅度不大，要刻意进行才可感知这种变化。而妇女和幼儿往往用胸式呼吸，即吸气时，胸部稍隆起；呼气时，胸部平伏。为什么会存在这种差别呢？我们知道，参与呼吸动作的有膈肌(横膈膜)和肋间肌，呼吸运动是由呼吸中枢支配的。如果是膈肌起主要作用的呼吸即为腹式呼吸；如果是肋间肌起主要作用，则为胸式呼吸。这两种呼吸都属于自然呼吸，是不需要练习和训练就能运用的。

舞台演员呼吸主要指的是舞台表演状态下，处于表演状态的人置身于剧情中，他需要更好、更科学、更富美感、更形象化的肢体动作和声音去表达和诠释角色，因而需要专业的、有别于自然呼吸的呼吸方法。表演是一种艺术，艺术虽然来源于生活，但高于生活，从某种程度上会受到一些客观的限制和要求。舞台行动有演员亲身经历过的，也有演员没经历过的，是靠演员通过揣摩角色心理、模仿角色行为而做出的自身的肢体和声音的行动。自然生活中的呼吸与舞台表演(包括音乐剧表演)中的呼吸之间的关系表现如下：

1. 舞台表演(包括音乐剧表演)中的呼吸方式： 遵循生活中的基本呼吸原理

呼吸本是我们人类维持生存的一种正常生理现象。在日常生活中，我们交流、说话大多用的是自己习惯的呼吸方式，根据自己的生活环境和生活习惯，一般比较平稳，它的运动状态很少会反射到人的意识中去求得一种注意。除非涉及对呼吸的大量运用，比如激烈运动或者是情绪突然变化、紧张时，人们才会有意识地去关注呼吸，有意识地来进行调整，此时的呼吸就形成脱离日常生活常态下的不规则呼吸。

人体发声器官基本上可分为调音区、声源区、动力区这几个区域。其中，调音区包括鼻腔、口腔(上颚、上齿、双唇、舌头)、咽腔；声源区包括喉头、声带；动力区包括气管、支气管、肺、胸膛(胸腔)、横膈肌(横膈膜)、腹肌等器官，这些统称为呼吸器官。日常生活中我们都是通过这些器官进行自然呼吸，而演员在舞台表演中所运用的呼吸是在自然呼吸的基础上，有意识、有控制地加以协调训练而培养出来的。由此可知，声音的动力和源泉就来自呼吸器官。

呼吸分两个组成部分，即“呼”与“吸”。呼吸训练时可分为吸气训练和吐气训练两种。吸气是一种主动过程。从医学角度说，吸气需要靠主动收缩使胸腔扩大，当肺内压力低于大气压时，空气便会吸入肺中，使肺内压力降低。而呼气与吸气一样，是因为压力差的缘故，只是呼气是因为肺内压力大于大气压。呼气与吸气的训练可以提高心肺功能。我们在做有氧运动的时候，会明显感觉到心跳加速、呼吸加重。此外，由于疾病的原因，可能也会造成呼吸的不顺畅，所以呼吸和健康又总是密切相关的。假如呼吸调节功能不好，气息就不稳。舞台上演员的可控呼吸也是在演员健康状况良好的前提下才能完成的。

2. 音乐剧表演中的呼吸： 不等同于日常生活中的呼吸

我们说话时的呼吸是自然且无意识的，“呼”是放松的，“吸”是有力的，而舞台言语表达时正好相反——“呼”变得有控制，“吸”变得轻而自然，重视巧妙地“呼”而自然地“吸”。

舞台声音的关键就在于呼吸，呼吸是声音的基础。音乐剧演员要比一般的歌唱演员具有更强的呼吸能力，尤其是在边舞边唱或情绪激动时，胸腔要保持打开状态，肋骨也要相应地扩张，要有意识地加大吸气量。

值得注意的是，音乐剧舞台表演呼吸的修饰性、诠释性运用非常广泛。根据人物规定情境下的性格特点，在语句长短、语音节奏、语音轻重、语音音色变化等多方面，需要运用呼吸来修饰和诠释人物，如大口吸气(或“快呼”或“慢呼”)、鼻子吸气(或“快呼”或“慢呼”)、屏住呼吸、漏气、气声、叹气、停顿感等多种表现形式来塑造人物声音和形象。语句中呼吸的气口(“偷气”“口鼻同呼”“快呼”“慢呼”“长呼”“短呼”等)也能更好地刻画人物。随着情感的变化，呼吸也在不断地变化。根据舞台人物具体的情感要求，可以适当凸显换气时的呼吸，从而表现激动、焦急、无力、悲伤、失控、愤怒、歇斯底里等情绪下的行为。

由此，我们可以进一步分析本文第一章中所提到的例子： 在体现舒畅、愉悦、惬意、暖洋洋的心情时，呼吸运用应灵巧自如，较为短促，语言应清新流畅；在体现愤慨和愤懑时，呼吸则时强时弱，声音忽大忽小，语言节奏忽快忽慢，表现如泣如诉的感觉；而在赞美或展现豪迈时，呼吸要饱满，说话的声音力度和张力要大，音色要透；当表现深切或亲切的感情时，呼吸则要轻、柔、松，说话声音才能委婉动听，娓娓道来。

三、 呼吸与音乐剧人物的情感表达

演员通过剧目中人物的外部行动特征来彰显角色的心理个性，包括语言、动作、表情、神态等。通过角色之间的对白和动作交流，来展开激烈的戏剧冲突和交锋，使舞台情节得以发展，使人物性格得以展现，塑造出具有鲜明性格、有血有肉、有灵魂的人物形象。舞台上所呈现出人物的所有行动都与呼吸息息相关，用什么样的方式呼吸，怎样运用呼吸，都会对观众产生截然不同的感觉。

1. 呼吸与人物情感的相辅相成

舞台情感就是生活情感的放大、强化和艺术化。要运用呼吸表现情感，首先要掌握好呼吸和发声技巧，方能谈及用呼吸表现情感。我国有许多词语体现了气与声的密切联系，如“平心静气”“喜气洋洋”“盛气凌人”“傲气十足”“扬眉吐气”“喜气”“闷气”“丧气”“舒气”“怄气”“叹气”等，可见气息无法离开情绪而单独存在。“人各有情，情随境迁，气随情变，气动情传。”人每时每刻都处在某种情绪中，同样，人每时每刻都处在呼吸的状态之中，这就决定了呼吸与情感密不可分，无法割离。可以说，呼吸决定了声音的释放程度和情感的表现。另一方面，情感的自然流露又带动了呼吸的变化，两者就在这个过程当中和谐统一，融为一体。而不同情绪的呼吸状态不尽相同，这就要求我们在不同情绪表演中，甚至在每个情境不同的情绪表达上，运用不同的呼吸技巧，以使人物形象更丰满。呼吸和富有情感的状态，两者缺一不可，相互依伴。运用呼吸技巧，辅助情感表达；呼吸技巧融汇于心，融合到角色情感中，忽明忽暗，达到自然协调、惬意动人的境界。

意大利著名声乐教授威廉姆·舒曼说：“这种音乐剧唱法的发声基础是与美声唱法相同的，例如在呼吸、支持、共鸣等基本概念和方法方面。”音乐剧《悲惨世界》中冉·阿让的唱段《带他回家》，曲中包含浓重的宗教色彩的祈祷，如“让他活下来”“老天保佑”“带他回家”等，情感基调是充满深情与无奈的，对音色、音量、气息把控的要求极高。开始需要“深”“柔”“轻”地吸气，并稳住气，边“呼”边唱出空灵感的半声，把声音集中到头腔。演唱时需要注重音乐柔美性和连贯性，没有明显的咬字、吐字的动作，用稳定的气息作支撑，让音量、音色、共鸣、高位置等相互统一，从而实现旋律的流畅自然。在歌曲的高潮部分，随着主人公情感的爆发，歌曲中九度大跳表现出冉·阿让的无奈、悲愤之情。呼吸既要加大、加快、变得饱满，又要平衡其力度、气息流动与张力，音量和力度上也需要随着情感的增强而不断加强。同时，需要合理地运用真假声，从而使声音达到圆润、饱满的效果，让整曲演唱闪烁着人性的光辉，有效衬托冉·阿让这个人物形象。

2. 音乐剧舞台呼吸的技术训练和思想情感表达

呼吸在音乐剧舞台行动中已经不仅是一种生理现象，它事实上已进入了一种技术性范畴。舞台行动中的呼吸是生活呼吸的升华。舞台行动中的呼吸是自然基础上特殊、有效的训练结果。我们需要考虑如何运用人体呼吸器官的各机能、部位来进行“快吸快呼”“慢吸慢呼”“快吸慢呼”“慢吸快呼”等基本的呼吸训练。而我们舞台言语、舞台演唱中所具有的声音的长、短、高、低、强、弱、抑、扬、顿、挫、连贯、流畅等技巧性变化，都需要依靠呼吸机能的灵活运动和气息的控制能力。

音乐剧《悲惨世界》中芳汀的唱段《我曾有个梦》感人肺腑。芳汀在外偷偷养了一个女儿，却被工厂里的其他人误认为靠出卖身体养活孩子，被工厂开除了。她失去了工作，面对生计问题和可怜的女儿，悲伤地唱出了这首歌。她从对爱情的美好回忆和向往跌到对爱情和生活的绝望，情感落差很大。因此，《我曾有个梦》以质朴、简洁、押韵的歌词，倾诉、抒发了特定的规定情境中人物的情感。这个唱段的总体格调是充满悲伤与绝望的，音色是偏暗的。曲目开始时，芳汀带着悲伤的情绪又在回忆少时美好的爱情，像在自言自语地说话，呼吸随着情感很自然地打开腔体，吸气到横膈膜，呼气则随着语言语感而控制停顿或流动。把控气息在不同音区之间的力度要恰当，这是歌曲最美妙最柔和的部分。此歌曲在中低声区向中高声区转化的过程中，多处采用了较大幅度的跳进，演唱者需要在大口吸气后控制和保持气息的张力和声音色彩，柔和流畅，“通而亮”的同时又充满悲伤，以此来表达芳汀的情感，以达到圆润饱满的效果。

3. 音乐剧表演中呼吸的张弛有度及其对情感的表达

舞台表演中所运用的呼吸技巧，是在大量的练习和呼吸训练后，张弛有度地、恰当地运用呼吸，最终达到自然无形的听觉效果。演员在表演时，在动作和情绪的设计下，通过大量的设计练习之后，使其看起来似自然发生的，丝毫不露痕迹。同样地，在舞台声音表达的更高阶段中，一切的呼吸技巧早已在大量的练习后融入角色的血液当中，它悄无声息，浑然天成。让观众沉浸到美好的剧情当中，以为呼吸就是舞台声音的一部分，这便是最理想的舞台表演状态。

因此，舞台呼吸应与自然呼吸联系起来。表演者掌握了人体内呼吸运动的规律后，便可以从技术中摆脱出来。舞台发声训练的最终结果，就是要回归自然，使舞台声音既有穿透力，又如说话般自然。然而，这种自然又不同于呼吸训练时的自然。经过了严格科学的训练之后，表演者的声音更规范、集中、悦耳，帮助演员改变自身声音存在的一些问题，自如地运用呼吸技巧来发声，表现剧中千变万化的复杂情感，塑造完整的人物形象，达到舞台艺术较高的境界，获得“无心插柳柳成行”的惊喜。

音乐剧《悲惨世界》中的珂赛特(童声)也是一个重要角色，宣传海报也是以她的形象为代表，表现人物的内心。创作者对柯赛特的处理是一个典型的例子。珂赛特成了一个可怜的孤儿，得到了冉·阿让倾其一生的爱护，找到了自己的爱情，最终成长为善良的女性。珂赛特寄养在店老板德纳第夫妇家时，是一个受尽欺凌的小女孩。小珂赛特在演唱《云上的城堡》时充满童趣，旋律简单且不断重复。尽管生活不幸，但她心里想的不是怨恨，而是对美好生活的向往，她的心中是一个童话世界。演唱者要保持童真的音色，呼吸不能太深太沉，应多采用胸式呼吸，保持两肋张开。演唱者的气息应当自然流畅，口齿要清晰，形象要楚楚动人，眼神要迷茫可爱，在这样的情形下叙述惨痛的经历。这段曲目如童谣一般，在平静中具有深刻的戏剧爆发力，展现了柯赛特的遭遇与无助。

由于音乐剧独特的艺术表现形式及多元性，故而它的演唱风格和演唱技巧必定是多样性的，不能笼统地指定它到底属于哪种唱法，因此“音乐剧唱法”的形成是和音乐剧的多元性分不开的。

四、 音乐剧歌舞并行时的呼吸运用

一个优秀的音乐剧演员必须具备能唱、能跳、能演的高素质，必须经受严格的专业训练，必须有很好、很准确的呼吸方式来诠释表达人物，必须具备很强的肢体力量来完成外部动作、形体动作。这些外部行为动作可分为外部肢体行动、言语行动、静止行动等。外部肢体行动是指观众能直接看到的肢体呈现方式；言语行动指的是观众可以直接听到的独白、对白、旁白等；静止行动又称停顿、沉默，观众看到的是“静止”的人物、舞台画面。需要注意的是，静止行动指的是剧中人物既没有明显的肢体行动，也没有台词，从表面看处于静止状态，它是舞台行动的另一种表现方式，人物在表面静止不动的瞬间又具有丰富的内心活动，通过演员的姿态、表情将内心情感传达给观众。总之，舞台表演艺术必须控制好呼吸，因为呼吸是声音的内在动力，没有正确的呼吸就不能恰当地运用好声音；呼吸是情感变化的调节器，不同的情感色彩要靠呼吸给予变化性控制。

1. 音乐剧歌舞并行时呼吸控制的重要性

呼吸运动的三种方式是一体中的三个部分，实际运用中是不能分割的。它们既相辅相成，又相互制约，根据不同的情境要求，采取不同的组合方式，给予恰当的气息控制和运用。无论是歌唱还是舞蹈都需要体力，而同时完美地呈现二者的确是极为困难的。

音乐剧是说、唱、跳交织表达的舞台戏剧形式，一个好的音乐剧演员，必须具备很好的呼吸控制能力，掌握好呼吸技巧，在说好的基础上才有可能唱好，继而才能有条不紊地边唱、边跳、边说，以更好地刻画人物。

音乐剧演员在剧中歌舞并进时，呼吸控制也有着举足轻重的作用。“一个歌唱群体由歌者构成，而一个舞蹈群体则由舞者构成。在当代音乐剧表演实践中这两个群体通常是由一个团队构成。”优秀的音乐剧演员能在歌舞中自由穿行，转换和运用各种呼吸方法。边唱边跳时有很多强度、速度的变化，节奏感很强，采用胸式呼吸方式多于腹式呼吸方式或胸腹混合呼吸方式。吸气时，腹部肌肉处于良性吸张状态，既不向里紧收也不向外挺出，同时使胸腔向两旁扩展。呼气时，小腹仍保持良性收紧，只有这样，才能使形体始终处于自然、可控的状态。舞蹈是舞台直观艺术，歌舞演员通过肢体表现情感，呼吸在动率、节奏和力度上随情绪的产生而变化，自如地将音乐舞蹈连接，带动感情，形成完美的流动艺术，给观众以舒展轻盈的感觉，如此才会有张有弛地展现动作，形成不同的表现形式。

2. 音乐剧歌舞表演中的科学呼吸

音乐剧艺术中，歌舞演员掌握正确、科学的呼吸方法能更好地提高动作技巧。例如，跳跃、前进、后退、下降等动作，在蹬地、离地发力的同时，采用快捷吸气；身体在空中转换姿势造型时，采用控制呼吸的方式，在动作完成后落地时再呼气；旋转时，吸气、蓄气贯穿整个动作的始终，直到整个动作完成后再呼气，这就增加了旋转的动作的稳定感。在从事姿态性控制动作或组合时，一般采用“慢吸”、蓄气、“慢呼”的呼气方法，这样有助于平衡时间，使动作更具美感。演员进行有规律、有节奏的运动时，应采用口鼻呼吸方式，同时应加大呼吸深度，注重相应的换气交换频率，还应该根据动作特点注意呼吸节奏的协调配合。

例如，音乐剧《西区故事》中，罗宾斯不但用歌舞讲述了一个故事，还把“美好的东西撕碎给人看”。从激情四射的古巴黑人的曼波舞到庄严典雅的芭蕾舞，再到那些街头少年搓着手指的踢踏舞，每一个角色做出的每一个舞蹈动作都必须恰到好处，使歌与舞的艺术性、抒情性得到强化。《西区故事》将完美的音乐、奔放的舞蹈、夸张的表情、华丽的服饰等所有元素糅合在一起，为音乐剧舞台的歌与舞树立了一个新的标准，使该剧成为百老汇音乐剧发展史上的里程碑。同时，该剧促成了音乐剧歌、舞与场景的全面融合，使音乐剧演员向多元化发展又迈进了一步。

此外，《西区故事》中的舞蹈还有戏剧性的“轻松幽默”之感。罗宾斯在编排剧中“歌伴舞”、“舞伴戏”和“戏中戏”中的舞蹈时，强化音乐剧戏剧冲突的紧张度，突出戏剧情节的特殊性，挖掘故事的隐喻性，完全调动了舞蹈的戏剧性功能，与剧情和音乐实现高度契合。

真正意义上的音乐剧不是单纯的音乐和歌舞的拼接，而是从头至尾流畅的整合，这对演员在歌与舞中呼吸的配合有了更高、更新的要求。

3. 音乐剧集体歌舞中呼吸的整体意识

音乐剧中有很多集体演唱、群舞等表演，需要有呼吸节奏快慢、深浅的整体意识和准确性。演唱快速歌曲时，面部必须展现“积极的”情绪，演唱抒情歌曲时，面部应当避免过于严肃。也就是说，歌曲创作本身所构思出的意境在舞台表演中必须认真地传递给观众，这是每个演员必须具备的基本素养。内心感受相通、情绪统一、声音和谐、整齐划一，才能呈现集体身心合一的舞台魅力。

例如，合唱歌曲《阿美利加》的表演，可谓音乐剧《西区故事》中最精彩的一段歌舞呈现。舞会后，鲨鱼帮在天台开会，男人们和女人们就波多黎各移民在美国的境遇问题展开了激烈的讨论。女人们喜欢在美国的物质条件，而男人则抱怨在美国受到歧视。这段歌舞不仅在视觉上十分精彩，更揭示了剧中的主题： 美国日益加重的移民问题。在舞蹈的设计上，罗宾斯采用不同风格的舞蹈动作，如古典芭蕾舞和纽约式街头舞，将传统优雅的韵律美与新生代强调释放自我、奔放自由的律动感完美结合，来达到完美的舞台效果。

在《阿美利加》中，鲨鱼帮和女人们之间的争吵，让这段讽刺美国种族歧视问题的曲目同时又体现出男女间的微妙关系。歌曲采取了“三句半”加“一对一”的形式，后面则是男女方一褒一贬的对唱，接着是男女方唱歌次序的前后对换。在该演出中，段与段之间是群舞，不仅融入了曼波舞、波多黎各舞，还加入了踢踏舞、芭蕾舞。歌曲中女孩的演唱方式以无修饰的自然声展示，即野性的、原始的“喊唱”式的演唱，需要激情的、奔放的、快速的、大口的呼吸方式，伴随音乐节奏边唱边舞，如此才可直白地传递出原始的野性，展现“喊唱”式演唱的风格。鲨鱼帮阵营的男人们以伯纳多为领舞，将踢踏舞跳得英俊潇洒，女人们以阿妮塔为首，边唱边舞，节奏感很强。如此高强度的表演中，呼吸要短促、快、稳，以胸式呼吸居多，以说唱为主，这样才能充分展现这段歌舞表演中的夸张、不拘小节和热情洋溢，使之充满拉丁风情。

呼吸是音乐剧舞台行动的载体，是舞台声音和形象的内在动力。巧妙的呼吸运用可以丰富人物的表现形式，获得诗意的美感。不过，需要注重的是，我们不能僵化而孤立地在音乐剧舞台发声中强调呼吸，而是要具体情境具体运用，实现舞台呼吸与自然呼吸的和谐统一。归根结底，重在一个“巧”字。我们应当让音乐剧舞台呼吸成为身体机能的一部分，将之自然恰当地体现在舞台行动当中，达到“润物细无声”的境界。