摘要：本文通过分析TV动画声优所处的创作环境，包括声优声音创作时所处的动画制作流程，声优在进行配音工作前自身的准备过程，分析想象力对动画声优创作的作用。因为目前我国与日本在TV动画创作方面方法相近，且日本动画行业发展相对成熟，所以本文以日本动画配音相关内容为例进行研究。

关键词：创作环境;想象力;动画声优;日本动画配音

中图分类号：J912 文献标识码：A 文章编号：1004-9436（2021）01-00-02

动画是一种综合艺术，它年龄不大，是因为现代科技的发展应运而生的最具想象力的艺术表现形式。其所拥有的假定性和虚拟性的特点，[1]让它可以不受现实条件制约，自由地具现创作者的想象力。作为一种声画艺术，合适的声音在动画中十分关键，只有好的画面结合合适的声音，才能完成一部优秀的动画，因此声优这个职业显得尤为重要。声優（せいゆ）一词来源于日本，“声”即配音，“優”即演员，即配音演员，受近年来日本声优从幕后走到台前的影响，国内多称动画配音演员也被称为声优。本文在此基础上对目前从业人数最多、作品数量最多与时长最长的TV动画配音演员进行研究，分析想象力对于声优的作用。

1 声优创作环境概述

关于声优这个职业的工作流程，以动画的工作为例。当声优接到某个角色，就会从事务所那边拿到一套台词本和排练用的动画片段。大部分情况下，声优会提前一周拿到自己的台本，之后的时间就是读台本，确认自己的出场部分。接着一边看画面，一边计算自己出场的时间来练习。正式配音之前，要配合台本与动画片段进行排练，也有在网络上用streaming来排练的形式，这些都是让情报不要外传的一种措施。等到录制当天，到录音室与其他共演声优碰面，按照排练时准备好的演技进行正式收录[2]。

日本动画制作有一套固定的程序，其流水线生产模式是工业化的证明，从编成委员会立项开始，大部分TV动画的制作都要经历策划—脚本—设定—分镜—设计稿—原画—中割—颜色指定—上色—合成—剪辑—后期录音—音画合成共13个步骤，其中设定环节分为美术设定、机械设定、人物设定、色彩设计等步骤，还有贯穿于设定到合成整个画面制作环节的CG（计算机动画）制作、设计稿到合成这6个环节的背景制作，穿插进上色与合成环节之间的画面特效制作、音画合成环节的效果音和音乐制作。在如此庞大且复杂的创作流程中，后期录音就是动画配音所在的环节，但由于线路上加工的设备是人而非机器，前期步骤完成时间不稳定，导演、脚本、分级编剧、原画等都可能会出现无法按期交工或需要返工的情况，因为抢进度有时会在中间画（中割）环节结束，在颜色指定的同时开展配音工作，这就需要声优有更好的演技。

目前，日本播出TV动画里改编动画居多，在人物的画像、颜色都有明确创作依据的情况下，角色方面留给原作粉丝关注的点便只剩下声音了。原作的读者会一边看一边想象登场人物的声音，当原作被改编成动画时，声优的演技能否令原作读者接受、令他们满意变得十分关键。因为这一点，试音极为重要，整部动画的总监督、音响监督及制片人会选出最适合角色的声优一起完成作品，这也是为声优更好地创作打下基础。

2 配合画面进行创作的必要性

配音是“戴着镣铐跳舞[1]”，对口型、对时间、对距离配合画面进行演出是配音工作的核心内容。

近年来，日本掀起了拍摄“漫改电影”的热潮，很多TV动画被翻拍，因此本文尝试横向对比固定角色、固定情节下不同声优的表演。在由福田雄一指导，2017年9月1日在国内上映的由知名漫画改编同名动画真人版电影《银魂》中饰演男主角阪田银时的是日本著名演员小栗旬，其精彩的演出广受好评。同样是改编自漫画的同名长篇动画《银魂》，声优杉田智和配音的男主角阪田银时更是早早地被全世界各国各地区的观众所喜爱。将两者进行对比，可以明显地发现同样精彩的表演，同样的原著，同样的角色，两者因为创作成果所属类别和表达方式的不同，表演者在台词表演方面所采取的声音塑造方式完全不同，而将两人的演出画面与声音对调，则会明显听出声音与画面的不匹配。

再纵向对比固定角色同一位声优的前后表现，在由BONES社制作，于2008年4月放送的电视动画《噬魂师》中，饰演女主角玛嘉·亚尔邦的新人声优小见川千明在动画前半部的演出因声音与画面表达情感完全不相称，被人戏称“棒读”，与同样是出道新人的内山昂辉的成熟表现形成强烈对比。但随着动画的播出，得到锻炼的小见川千明的进步有目共睹，声音与画面逐渐匹配，快慢高低起伏强弱拿捏到位，尤其是最后一集的那句“那种事情，谁管他”，高亢强烈的嘶吼搭配颇具冲击力的画面，让所有观众都感受到了她的努力。对比小见川千明在整部动画第一集和最后一集的表现，从与角色表现完全无法契合的表演到最后驾驭最强烈的爆發情绪的台词，声音与画面共同组成一段优秀的视听表达，可以发现动画配音好与坏的评判标准之一——与画面是否匹配。与画面不匹配的表演，会让受众无法产生共鸣，导致出戏。

3 只能用声音表演的独特性

声优是只使用声音的演员，与传统话剧演员的区别仅在于只用声音去表演的“限制”，两者只是表现手段不同，但都是靠演技的人，都是表演者，这个本质是不变的。

不仅如此，这是否真的可以称之为“限制”同样有待商榷，不受“限制”的演员很难大幅度跨越年龄去饰演少年甚至幼年时期的角色，也少有演员可以进行优秀的反串表演，但在声优之中却经常见到。在长篇电视动画《火影忍者》中，大蛇丸的饰演者松元和香子（又名鲸）就是一位女性声优，大蛇丸作为初期的一名反派角色，为人阴沉狠毒，松元和香子用独特的沙哑干涩的声音进行演绎，给人留下了深刻的印象。长篇电视动画《航海王》的主角蒙奇·D·路飞登场时是一名17岁的少年，他为人十分直爽、积极乐观、心怀梦想、爱憎分明，具有冒险精神，这些特点都被1955年出生的声优田中真弓很好地诠释了出来，她还为长篇电视动画《龙珠》中的克林、长篇电视动画《幽游白书》中的小阎王等角色献声。与之相似的例子还有同样参演《火影忍者》，为主角初登场时12岁的漩涡鸣人配音的声优竹内顺子，她们都成功地克服了性别、年龄上的困难，创作了一个又一个烙印在一代人记忆中的角色。

不仅是性别与年龄。改编自宝可梦系列游戏，由汤山邦彦等执导的长篇电视动画《宝可梦》中的角色皮卡丘是一个虚拟生物，形象来源于松鼠，黄色的皮肤，闪电形状的尾巴，拥有蓄电、放电功能。在话剧中，这样的虚拟生物是无法由人扮演的，然而声优可以。皮卡丘的声优大谷育江用她活泼可爱又充满爆发力的声音，让一句“pikachu”俘获了无数观众的心，直到今天，1965年出生的她依然可以饰演诸如皮卡丘、吃了人人果实的驯鹿托尼托尼·乔巴这样十分可爱的虚拟生物。这是只有作为声优才能实现的事情，也体现了声优表演的独特性。

声优的表演受到只能使用声音这一条件的限制，却也得益于此，正是因为有这个制约，演技反而可以不受身体条件的限制，有更多的可能性。不管演出的对象与自己的外形是否合适，声优都能演，不止如此，人也好，物也好，动物也好，都能够演。只要发挥自己的想象力，就能拓展自己的戏路，声音表演的范围反而更加开放。自由的画面和开放的声音组合在一起变成了动画。

4 专属于声优的想象力用法

导演斯坦尼先生讲过：“演员的目标就是使用技巧把剧本转变成一种舞台现实[3]。”同为演员，声优与话剧演员、影视演员不同，这在上文也有提及，制作公司经常会在单集制作完中间画这一步时，邀请声优前来完成配音工作。“拿到手里的动画片段常常都是未完成的状态。”“声优排练时拿到的还是线稿或是故事梗概[2]。”水树奈奈在自传中提到过，声优很少有机会能看着完全完成的影像来配音，近来连彩色的画面也很少见，通常只是单色、只有点和线的草稿画。这种情况无疑提高了声优们想要完成符合要求的作品的难度。因为画面还没完成，不知道角色的口型是什么样的，所以在正式录音的时候，想要配合上台词的时机其实是很难的。如果依照角色特写镜头进行配音尚有口型作为参考，那么在进行远景或者过场镜头的配音时，便需要声优们发挥强大的想象力了。

例如，剧本上写着“从高空飞下来”，画面上只有一个豆粒大小的记号“嗖”地划过画面，那就是需要配音的角色，则声优需要想象：“剧本写着上空，那应该是从远方飞过来。为了体现距离感，声音强弱要有变化。”还需要考虑此时人物是什么状态，有时，配音前制作人员会也进行说明：“这个镜头，虽然现在看来角色在笑，但稍后作画会改为悲伤的表情，所以请表达悲伤的感觉。”这时候就需要看着满面笑容的角色来演悲伤的声音[4]。除此之外，还需要注意有多长时间来完成一句台词等等，配音需要随机应变，需要有无论什么要求都能应对的想象力。水树奈奈在配音时，甚至需要想象本卡会放出的音效，比如在战场的话一定有很多爆炸和枪弹声，所以要用较大音量说话，以免被音效盖过之类的。因此，声优想要真正塑造好一名角色，需要有感受力，需要有技巧，但最不可或缺的是想象力。

5 属于每一位声优的果实

在斯坦尼斯拉夫斯基的表演理论里，演员体验角色，演绎其内心及精神状态，好的演员能够与角色融为一体。利用假如将演员带入想象力的层面，由演员补足剧本中未提供的信息，将“剧中人”立体化，从而更好地将剧本和对白变成演员的真情实感表达出来，充分与角色共情。这样表现出来的行为自然流畅，是由内而发的，而不单纯是外在的动作，这样塑造的角色方能典型而不类型。

这也可以带入到配音中。理论上作为特殊的一类演员，只使用声音作为创作材料是创作必然在录音室进行的关键原因。因此，表演时除了面前屏幕中给予的视觉信息之外，声优并无其他外部刺激的来源，想要获得感受、达到共情就注定了声优在两方面环境中都要具备强大的想象力。

声优想要配好一个角色，要做到的事情很多，认识角色是基础中的基础，想象力便作用于这一步。想象力对于一名声优来说是非常重要的，因为声优的任务就是通过声音塑造角色，并且剧本中的人物基本是虚构的，所以声优需要在正式录制之前进行创作，这个创作包含与片段的配合练习以及对台词的理解。举个例子，大部分情况下，试音成功的声优都会通过了解动画原作来熟悉作品，那么想象力的作用时间就由获得台本到正式录音的时间加录音所耗时间组成。其中，第一部分就是在正式录制之前的时间里，用想象力构建自己的角色，在了解并分析好监督委托给自己的角色后，结合自己平日观察与思考的积累，对其进行二次加工，塑造出一个只存在于自己脑海之中的新的角色形象，这个只呈现于声优自己的眼前的形象，是未来表演时的依据，这也是一个二度创作的过程。如若跳过这一步进行表演，盲目遵从印象随意造型自己的声音，乱用创作材料，会使创作成果单调死板，声优本身缺乏内心依据，无法契合角色，不能贴合画面，甚至影响整部动画片的质量。

第二部分即录制过程中的想象力，它则起到另一个作用。这里要提一下，声优进行配音工作的地点多为录音室，正式录音时会受到很多影响，比如说话时的表达对象只有话题，而普通录音室的话筒多为3～4枚，在主役声优固定占据一枚的情况下，其他共演声优合理地轮换话筒，做到巧妙銜接，合理轮转，不漏掉自己的台词，也不占用其他同僚的台词时间，并在此过程中注意不发出类似衣物摩擦声、过响的踩地声、走路带起的风声等杂音，避免妨碍正在表演的声优。诸如此类的客观因素都是声优在创作过程中要克服的困难，因此需要想象力来弥补外部刺激，想象画面的规定情境，让自己在对口型、对时间、对距离的同时，保持情绪体验，辅助自身的潜意识实现“双重自我”。想象力是一个果壳，创作中角色形象的构建和情绪体验的保持组成了壳里的核与肉，这是每一位声优都应有的果实。

6 结语

TV动画声优的创作环境有别于其他演员，其特有的场地和表演手段让想象力有了更大的用武之地。声优的想象力赋予了其可以实现从无到有具现虚拟形象的可能，使用想象力构建角色，编织情境，使声优有了表演的基础，这是想象力之于声优的作用。

参考文献：

[1] 高珊.影视剧配音艺术[M].中国传媒出版社，2017：10-16.

[2] 森川智之.声優声の職人[M].岩波新書，2018：2-4.

[3][苏联]斯坦尼斯拉夫斯基.演员的自我修养[M].中国电影出版社，2006：63.

[4] 水树奈奈.深爱[M].幻冬舎文库，2011：208-2103.

作者简介：陈星伯（1996—），男，辽宁锦州人，硕士在读，研究方向：表演理论与实践。