李　霞

摘要：作为钢琴教师，对学生进行严格技术训练的同时，就应逐步引导他们掌握正确的风格概念，通过讲解钢琴发展的几个重要时期的特点，让学生有一个明确的概念。

关键词：作品风格；巴洛克时期；古典主义时期；浪漫主义时期

钢琴作品的风格，已不是一个纯粹的理论问题，而是一个实践问题，一个必须与教学和演奏密切结合起来的实践问题。由于不同历史时期，钢琴的表现形式千差万别，因此用不恰当的速度、声音、触键来演奏某种特定风格时期的乐曲，被视为比弹错音更严重的错误。所以在教学时,教师首先应对钢琴作品的风格流派有明确的脉络，对学生进行严格技术训练的同时，就逐步引导他们掌握正确的风格概念。

刚开始学琴的学生，大都弹奏的是小汤普森，这本教材收录了一些短小的、趣味性很强的小曲子，在进行风格教学时，教师主要是启发学生弹奏出乐曲所要表达的情绪即可。例如：第一册中玛丽的小羊，我们就应该告诉学生，它是一首民歌，给学生哼唱歌词，让他感受到愉快的气氛，并让他在弹奏时也要努力让大家感受到。这种训练会为学生能够弹奏各种不同风格的作品打下坚实的基础。

当学生弹奏到《巴赫初级钢琴曲集》时，我们就应该开始向他们讲述，钢琴艺术发展经历了四个主要风格形态时期：巴罗克风格时期；维也纳古典风格时期；浪漫主义风格时期；印象主义风格及20世纪现代音乐风格时期。由于各个时期作曲家的美学观念、追求目标、作曲技法等有很大不同，因此也就使各个流派形成各自的风格特点。

由巴赫和亨德尔发展起来的音乐，即音乐史上的巴罗克时期。巴罗克艺术气度高贵、情调感人。在演奏巴赫的曲子时，速度比较适中，既不太快，也不太慢。这一时期的钢琴是古钢琴，它采用细弦、木结构及钢片拨弦，构造及发声原理决定了乐器的音量很小，在演奏中采用“阶梯式”的力度处理，即一层一层地渐强渐弱。重视每个音的触键，每个音符都要有良好的音质，并且注意每个线条的歌唱性，同时注意使各个声部之间组织成良好的声部关系，从而在横纵两方面把音乐组织成完美的整体。巴赫的音乐主要以复调音乐为主，即由几个并行的线条构成，一般不分主次，即使有所突出，也仍应保持几个声部的独立进行。由于巴罗克时代的古钢琴没有踏板，因此在训练中应该首先强调手指严格的连奏。

基于以上巴洛克时期的特点，我们要求学生在弹奏复调作品时必须要先分声部练，小巴赫还容易，一般都是两个声部，左右手各负责一个声部，所以分手练就可以，到了巴赫创意曲声部就更多，两个、三个甚至四个声部，很多时候都是左右手交替弹奏一个声部或是一只手弹奏两个声部，这时要把所有的声部线条都弹清楚，是很不容易的，因此拿到曲子后不要急着弹，要先分析主题，标出主题的位置，然后分声部练，对每个旋律的位置都很熟悉，做到心中有数，这样才能把复调的线条弹清楚，不会出现有的同学弹得复调一团乱麻，不知所云的情况。

在初级阶段，教师往往还会选用克勒所编的《小奏鸣曲集》，它收录了库劳、克莱门蒂、海顿、莫扎特、贝多芬和舒伯特的奏鸣曲。在弹奏这些作品时，应给学生讲解以海顿、莫扎特和贝多芬为代表的维也纳古典乐派。

它的主要特征是反映人类普遍的思想要求、追求美的观念、强调风格的高雅，给予人们乐观向上的进取精神。古典风格时期的演奏速度比巴罗克时期有很大提高。古典时期由于“槌子琴”的出现，音量增大了，可以用不同的触键来做渐强、渐弱的变化，因而音乐表现力比巴罗克时期更为丰富了。到了贝多芬时期又有更大的发展，力度幅度明显增大。古典主义时期钢琴的声音与古钢琴完全不一样，莫扎特、海顿的声音更清晰，他们更强调手指的颗粒性、清晰度和透明度。而贝多芬声音结实、雄厚，因为他的音乐内容常常是富于戏剧性的，他要求声音的音量和厚度大大地超过莫扎特和海顿。

弹这一时期的作品，必须要求学生注意谱子中的各种表情记号，尤其是力度记号。很多学生从头弹到尾一个力度，这肯定是不行的。这一时期的作品，力度跨度非常大，有的一开始pp、到后来会渐强到f、甚至ff结束。它的那种力度的对比，那种矛盾的冲突要表现的很明显。因此，注意力度的对比是弹好古典主义时期作品的关键。

当学生弹奏到高级时，逐渐接触到舒伯特、门德尔松、舒曼、肖邦、柴科夫斯基、李斯特、拉赫玛尼诺夫等的作品，教师应该讲述浪漫主义时期的演奏风格。这一时期的音乐与以往音乐的最主要不同在于强调个性与自我感受，对情感世界的表现无拘无束，体现了浪漫主义所特有的激情。浪漫派音乐强调表现人的感情：热情、激动、悲伤等，因此力度的起伏很大，音乐的表现力也就更丰富了，力度也有很大的扩张。例如：莫扎特用p、f、ff出现在莫扎特的一个作品中（A小调奏鸣曲K.Nr.310），贝多芬用ppp、ff，李斯特甚至用ffff。浪漫主义时期的音乐主要是抒发个人情感，所以旋律很重要，声音的美非常重要。

弹到这一时期，必须是有一定的弹奏能力的，并且要有一定的分析能力。上面讲到浪漫主义时期的音乐主要是抒发个人情感，因此拿到作品时，不能什么都不知道就开始弹，而是必须去查阅这个曲子的背景资料，作曲家到底是为了表现什么，表达一个怎样的情绪，比如，李斯特改编的魔王，他是讲述一个焦急的父亲带着生病的孩子在黑夜的森林里策马急奔，孩子不断地受到魔王的诱惑，父亲颤抖着把喘息的儿子紧抱在怀里，就在筋疲力尽地回到家里时，怀里的孩子却已经断气了。乐曲里面有各种各样的情感，有魔王虚假而甜美，哄骗孩子的语气，有父亲焦急的心情，和父亲怀中受惊的孩子的紧张声调。如果你不是事先做了这些了解，你一定不会体会出这种种的情感，一定弹不出这首曲子真正的感情。因此了解作曲家的创作意图，是把握这一时期的作品最为重要的。

当然对技巧的掌握是最关键的，一个作品如果技巧都不能胜任，根本就谈不上风格的把握。而对作品风格的正确掌握是对演奏的更高一级要求，也只有弹奏出风格作品正确的，才算是真正掌握了作品的灵魂。当然对作品风格的把握不是一蹴而就的，它是一个逐步积累的过程，通过聆听各种不同风格的作品获得感性体验，通过对作品音乐风格各要素的把握获得理性判断。长此以往，在今后接触到新的音乐作品时，定会对作品风格有较为准确的把握。

参考文献：

1.周广仁.《巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格研究》.

2.黄莹.《风格--钢琴教学中一个值得注意的问题》.

3.《西方音乐史》.人民音乐出版社.