柳成荫

武汉东湖学院 湖北 武汉 430212

引言：西方绘画艺术发轫于古希腊罗马时代，在早期的绘画过程中，相关的作品主要是作为建筑物的装饰物存在，而为了确保其装饰性特征得到充分的体现，因而多数作品在色彩应用方面尤为鲜明，这也在一定程度上奠定了西方绘画在后续发展过程中，普遍重视对色彩进行应用的基调。而同时受那个时期艺术自然主义思想的深刻影响，绘画中光影的应用也开始出现，如雅典画家阿洛多斯在绘画之中重视对自然光色的模仿与表达，这种思想对西方绘画的影响极其深远和巨大。

一、文艺复兴时期中对光线与色彩的应用

文艺复兴之前，西方的绘画艺术以表现宗教为核心，绘画作品在色彩的应用方面以红、黑、黄等色彩为主，尽管相关作品之中人物形象呈现出突出的呆板特征，且绘画作品本身也缺乏空间感，但由于其与宗教的神秘氛围具有良好的契合度，因而这种绘画形式在中世纪欧洲大行其道。而在光线的应用与表现方面，相关作品主要是依托与自然光进行结合来实现，这些作品通常绘制于教堂玻璃，当自然光线穿透玻璃的过程中，将能够充分地表现出绘画作品的色彩特征，从而增强宗教场所的神秘感。但随着文艺复兴时期，相关艺术家在思想和理念方面的全面进步，认为在绘画作品之中应当对人性、自然进行更为系统的表达，以增强绘画作品的真实性和客观性，在这一理念之下以马萨乔、乔托为代表的艺术家，开始在作品之中进行光线明暗变化的表达，从而极大地增强了作品的客观性和真实性[1]。其中马萨乔在光线使用过程中，所采用的方法是以集中和固定的光源为核心，并分析光线在绘画主体身上的分布特点，从而指导整个创作过程，该措施之下显著地增强了绘画作品的层次性和立体感，并且有效地让绘画所应用的色彩更容易得到凸显，因而生动性相较于中世纪宗教绘画显著提升，为后世的创作提供了新的方向。基于马萨乔的创作理念，波提切利对其进行了进一步的拓展，首先在绘画主体的表现方面，其主要是通过呈现其在自然阳光之下的具体状态，以及采用更为明亮和澄澈的色彩进行自身思想的表达，由此使得波提切利的作品具有了远超前辈艺术家的人文属性。

在光线的使用方面，相关艺术家采取的通常是漫射光线，这种用光方法导致画面在明暗变化方面具有突出的连续性，不存在明确的分界线。基于这一情况，达芬奇对相关的绘画创作方法进行了进一步的革新。达芬奇知识渊博，涉猎广泛，在绘画创作的过程中其针对自身周围的各类事物进行了认真的观察与研究，并提出明暗转移的理论，认为自然光线柔和的情况下，可以增强画面的表现力和层次性，这一理念在《蒙娜丽莎》和素描作品《自画像》之中均得到了充分表现（见图1）。

图1 达·芬奇《自画像》《蒙娜丽莎》

而在对于色彩的观念方面，达芬奇的观点与佛罗伦萨画派一致，认为色彩从属于光影，即采取暗色画影，亮色画光的方式进行创作。同时期的拉斐尔在绘画创作过程中也对光线的作用具有深刻的理解和认识，同时其对光线的理解也承接了前代艺术家，尤其是佛罗伦萨画派的理念，在绘画作品之中大量使用漫射光线，但凭借其高超的艺术天赋和独特的审美眼光，形成了具有极强特色的绘画风格。在进行光线处理过程中，通常是将绘画主体安排在和谐的自然光线之中，从而让整个画面呈现出恬静、幸福、柔和、典雅的特征。这种特征在其《金翅雀圣母》《雅典学院》等作品之中表现得尤为突出，《金翅雀圣母》之中，通过将圣母、约翰和耶稣安排在自然的草地上，并以充足且柔和的光线进行照射，从而不仅表达出端庄、美丽的圣母形象，也让画面具有了突出的幸福感和生动感。而在雅典学院之中，则将人物安排于宏伟的大厅之中，以充足的光线从画面上方进行照射，让画面具有了极强的真实感（图2）。

图2 拉斐尔《雅典学院》《金翅雀圣母》

整体而言，在整个文艺复兴时期，遵循自然、客观和真实理念的创作思想，艺术家不断对绘画技法进行了创新，但在较长的一个时期之中，相关的绘画作品之中，仍然将光线的表达作为核心，色彩的重要性不及光线。

二、17、18世纪绘画对光线与色彩的发展

在文艺复兴时期之后，人文主义思想已经深植于人们的思维之中，并成为主导艺术创作的核心理念。在17世纪早期，以卡拉瓦乔为代表的画家一方面对文艺复兴时期绘画创作之中，关于光线的理念进行了传承，另一方面则在既往的基础上进行了开拓，并将光线理解为点明画面中心的核心手段。在卡拉瓦乔的理念之下，通过光线来制造强烈的明暗对比，从而让画面的主体得到更好的凸显，实现对画面氛围的有效烘托，是增强表现力的重要方法，且这种方法也会为鉴赏者带来全新的视觉感受。同时，相较于前辈画家，卡拉瓦乔的生活背景与社会和大众更为密切，这也让其在取材方面更具世俗化特征，为西方绘画创作构建了新的理念和思路。例如在《以马忤斯的晚餐》之中（图3），其采用的用光方式是以左上方直射的聚集光为主，这种光线表达方式与舞台剧的用光方式类似，通过集中的光线可以让画面主体与周围的其他人物、物体形成明确的区分，同时在画面背景的设计方面则采用广大的阴影区，通过这种方式极为有效地让画面形成了多个层次。实际上，尽管卡拉瓦乔关于光线的理念和认识本质上来源于文艺复兴时期，但其在构图及光影表达方面，已经与文艺复兴时期艺术家截然不同，由此形成了更为新颖的光线应用理念[2]。

图3 卡拉瓦乔《以马忤斯的晚餐》

伦勃朗对卡拉瓦乔的创作理念进行了捕捉与发扬，且对自文艺复兴时期以来，绘画作品对色彩从属地位的观念进行了纠正，从而不仅让绘画作品能够通过光线来实现对整体气氛的调节，也能够依托色彩来对艺术家的个人情感进行系统性表达。从伦勃朗绘画作品的整体特征来看，首先其在光线的应用方面是以卡拉瓦乔的光线集中理念为基础，但在这一基础上，伦勃朗的作品之中光线的集中程度显著更高，且通常将光线重点应用于能够直接表达人物特征的部位。其次，在光线应用的方位来看，卡拉瓦乔在光线应用过程中通常有直接、明确的光源位置，且在背景之中通常会留下几道直线分隔的光束及影线，而伦勃朗则更多采取画面前方的顶光来进行处理。最后，在色彩应用方面，卡拉瓦乔对于色彩的处理应用倾向于简洁与统一，而伦勃朗则倾向于丰富、细微和变化。以伦勃朗的著名作品《夜巡》为例，在这幅作品之中，画面整体的明暗变化极为强烈，采取的光线为前景金色聚光，光线集中在核心人物身上，并逐步向四周扩散。画面的色彩以金色为主，同时通过光线的照射，让色彩在画面之中更为突出。在背景之中的次要人物表现方面，由于光线的逐步扩散和暗淡，色彩逐步变暗，直至各类无关紧要的细节在黑暗之中隐去。通过保持光线与色彩之间的高度和谐，从而有效地对画面主体起到了衬托作用。此后，维米尔在色彩与光线的应用方面，在伦勃朗的基础上进行了进一步的发展，首先从绘画作品的选题方面，维米尔作品的世俗性特征更为强烈，所选择的对象主要为平民百姓，这种选材方式决定了维米尔绘画作品之中的色彩应用相较于过往的画家而言将更为多样和丰富，尤其是其对更具清亮和明丽特征的蓝色与柠檬黄的选择，让画面与人们的日常生活形成了密切的联系。在这种色彩选择的方式和创作主体之下，对光的要求则更为真实，只有这样才能准确地表达出静谧和谐的生活氛围。

至18世纪，欧洲画家将色彩与光线的应用达到了一个新的高度，同时在不同光线条件下进行色彩的展现也成为18世纪画家所探索的重要主题[3]。透纳、米勒是这个时期之中对光线与色彩进行有机结合最具代表性的艺术家。在透纳的风景画之中，其通过描绘不同光线条件下的色彩变化，为后续的印象主义奠定了基础。而米勒在绘画过程中，则尝试采用逆光照射的方式，让色彩变化具备了丰富且微妙的变化，增强了色彩的厚重感，最终形成了一种独特的艺术效果。

三、印象派及后印象主义对光线与色彩的高度整合

在进入19世纪之后，由于科学技术的高度发展，艺术家对光线与色彩的关系更为深入，明确了色彩是由光线产生的基本科学原理，立足于这一理念，相关的艺术家开始从自然界之中进行色彩的探寻，并捕捉不同光照情况下的色彩变化。这个时期之中，马奈、莫奈、雷诺阿、毕沙罗等一众印象派名宿通过对光线与色彩的全面整合，形成了新的艺术风格。其中马奈被认为是印象派的先驱，在进行创作的过程中通过采取平光处理的方式，使得画面之中面积较大的深色区与亮色区之间形成了强烈的色彩对比，这种特征在其杰作《奥林比亚》之中表现得尤为明显，画面之中背景所具有的墨绿、蛋黄、黑色和红色等色彩之间产生了强烈的对比关系，使得马奈的绘画作品与传统的作品截然不同。同时由于对色彩认识的加深，印象派整体对于色彩明暗变化的处理也相较以往发生了改变，传统的绘画之中，为了表现明暗变化主要是通过亮色和暗色的使用来达到目的，但印象派在创作过程中则采取了冷暖对比的方式。这种表现方式在莫奈的作品《鲁昂教堂》之中显得尤为突出，首先其在进行创作造型的过程中，以极为自由的方式对景物的整体情况进行了快速捕捉，并在不同的光线下，通用差异化的色彩对其细节进行补充，如处于中午强光的情况下，画家无法分辨其细节部分，则统一采取白色、亮黄色等明度较高的色彩对细节完成填充，而在阴天的情况下，光线变暗，则采取灰色进行表现[4]。整体而言，这个时期以莫奈为代表的艺术家在绘画的过程中，主要是借助漫射光来表现自然界之中丰富的色彩，且色彩整体极为鲜明和活跃，使得画面呈现出极为明亮和光辉的视觉感受。

当相关艺术家应用这种理念进行绘画创作的过程中，画面上往往只能看到各种色彩的相互交织，而当色彩处于交织状态之下，鉴赏者往往能够感受到物体自身的光线和辉煌。但在印象自由、洒脱的色彩应用理念下，也形成了点彩派，这一画派的代表艺术家为修拉，在其创作过程中采取的是严格和小心翼翼地进行色彩分配的方式，具体创作过程中是以纯色的细微原点进行逐一分配的方式，让观赏者可以在进行鉴赏的过程中，感受到色彩的调和，相较于其他印象派画家，这种创作方式带来了独特的精密和稳定的氛围，甚至在这种理念的基础上形成了以严格光学调色为手段的调色方法。与之相对的，后印象派的梵高、高更、塞尚等在色彩的应用方面则极为不羁，以梵高为例，在其作品创作过程中秉持对比强烈和色调明亮的理念，在色彩使用方面则以高纯度的色彩对对象进行描绘，使其画面表现力极为热烈，也对后来的表现主义产生了深刻的影响[5]。

四、现代绘画之中对光线与色彩的重塑

通观整个20世纪以前的欧洲绘画史，光线与色彩的关系在持续发生变化，色彩在绘画之中的重要性处于不断提升的过程之中，这种趋势一直延续到现当代的艺术创作之中，且注重色彩而淡化光线的观念随着时代的发展日益加深。但同时需要了解的是，淡化光线并不意味着画面不再存在明度变化，而是相关创作过程正在尝试采取更为自由的方式进行对自然状态的表达，尤其是采取符号化和象征性的表达方式，通过这种理念进行绘画创作，将能够极大地保证画家创作的自由度，增强主观情绪的表现力度。以野兽派的创作为例，马蒂斯在绘画创作过程中已经彻底地摆脱了光线对自身创作的束缚，而完全依托色彩进行艺术开拓，这些具有象征意义的色彩，直观且准确地对艺术家的内心世界进行了表达，具备天马行空的想象力。例如在其作品《红色的和谐》《舞蹈》（见图4）之中，其在色彩使用方面极为夸张，红色、蓝色以及夸张的形体构成了相关作品的全部内容，而色彩使用的本源动力就是针对其情感、思想、直观感受和想象力的整体释放。

图4 马蒂斯《红色的和谐》《舞蹈》

结语

光线与色彩是西方绘画史发展过程中探讨和表达的两个主题，在不同的时期之中，西方画家对其的认识和表达方法是存在客观差异的，并逐步形成了现代绘画艺术以色彩为核心表达方式的创作理念。从文艺复兴早期开始，西方画家即进行了色彩与光线在绘画中地位的探讨，不同时代的画家则将自身的认知和理解与以往的理论进行融合，现代绘画艺术表现形式可以说是不同时代历史特征、艺术创作背景与审美因素共同作用的结果，在未来的研究之中，相关单位和人员有必要立足于整体艺术创作理论，进行进一步的绘画色彩表达探索。