颜艺

西安美术学院 陕西 西安 710065

油画的起源可以追溯到15世纪以前的欧洲蛋彩画，后期经由尼德兰画家Jan Van Eyck改良了其绘画材料，自此以后油画艺术进入高速发展期。近代油画在古典油画的基础上，在材料上进行了革新，除了传统的植物油料和颜料，还增加了丙烯颜料、油漆等。以享誉世界的《蒙娜丽莎》为代表，在绘画方式上，油画还是以追求立体感，表达自己的丰富情感为主，此外该作对色彩和笔触的应用也得到了淋漓尽致的体现[1]。研究笔触和色彩的结合，有助于在前人的艺术成就上领略更深层次的艺术魅力，对于油画创作有极其深刻的意义。

一、油画中笔触的运用

（一）笔触的多样性

由于油画的立体感要求，在实际创作中，要选用合适的笔触进行绘画。以画衬布为例，笔触需要柔软轻薄，如此便可将画面底纹显现出来，从而表现出衬布柔软的特性；以画石头为例，要选用刮刀，以略带刚性的笔触表现石头坚硬的质感。笔触的多样性决定了油画的创作范围，无论是对人物还是其他事物，都有对应的笔触形式来增强表现力[2]。

（二）笔触的情感性

无论是哪一种油画作品，都是作者表达自己内心感情的方式，而不同笔触的运用正好赋予了作者充分表达自己情感特征的能力。不同的笔触有不同的情感特征：方形笔触意在稳定，圆形笔触意在饱满，厚的笔触意在厚重，薄的笔触意在轻柔，刀画的笔触显得坚硬刚强，而画笔产生的笔触就显得柔和。

（三）笔触的特异性

笔触是作者在绘画式在画纸上产生的痕迹展示，虽然笔触的产生方式是一致的，但由于人的不同，个人情感寄予不同，因此不同作者的笔触是不一样的。在近现代油画创作中，笔触更成为个人创作风格和标志化的油画元素。另外由于油画创作和其他艺术作品具有类似的性质，具有主次的分别，在大多数油画作品中，笔触痕迹越重，越是作品的中心主体呈现。

（四）笔触的审美性

笔触蕴含着创作者个人浓烈创作感情和创作热情，它有着奔放、柔和、锐利、简练等不同形式。由于不同画家身处创作环境，欣赏者可以通过画家笔下的作品来体会画作对象蕴含的物象美，以《吉普赛女郎》为例，通过哈尔斯对吉普赛女郎衣着上奔放的笔触，真切感受到吉普赛女郎的善良和朝气[3]。

二、油画中色彩的运用

色彩作为绘画艺术中的基本语言，它对作品的形体塑造、呈现效果以及最终价值都有着至关重要的作用[4]。人类在对待艺术作品上，一是对形的感受，二是对色彩的感受，三是对情感内涵的感受。人类的情感很大一部分可以通过色彩来进行寄托，这是一种无国界的艺术桥梁。油画的色彩主要分为两个大类，一类是自然色彩，另一类是情感色彩。

（一）自然色彩

自然色彩就是绘画颜料的直观体现，它包含了最基础的红黄蓝绿四种最基本彩色原色和黑白两种非彩色颜色。它直观地对人类的视觉系统进行刺激和反馈。绘画创作者通过对自然色彩进行丰富的组合和调试，让画作得到更具有生命力的展现。高明的画家都是通过对颜色的把控，来唤起人们的情感共鸣，它不力求完全真实，而是更多追求画作的色彩运用更贴近人们的审美方式。

（二）情感色彩

情感色彩并不是一种看得见的色彩，是一种存在于人们抽象意识的共鸣。它更多是作者通过颜色的变化规律，自然色彩的组合运用来表现自己的内心情感。它需要人们去通过时代特点和创作背景进行深层次的感悟，它更加偏向于心理学范畴。以古社会和各类宗教中的画作为例，他们创作的图腾及相关符号，并没有太复杂的自然色彩运用，但是由于其背后具有丰富的精神内涵，从而唤起人内心的敬畏等情绪。

三、油画中色彩与笔触的结合

（一）客观使用笔触

纵观西方美术史，诸如佛罗伦萨画派和浪漫主义画派的油画作品中丝毫不见笔触的运用，但是毫不影响他们油画作品在美术界中占据一席之地。如果油画创作的要求是对生活真实客观的再现，那创作者就需要考虑是否在画作中使用蕴含强烈主观色彩的笔触。以新古典主义画家安格尔的作品为例，他的油画作品中为了凸显女性的柔美，就没有显露出笔触的痕迹[5]。而荷兰画家哈尔斯的《吉普赛女郎》中，哈尔斯用明快的色彩和流畅奔放的笔触，生动让画作充满了生命气息和乐观自信的精神。

（二）色彩与笔触灵动结合

还是以哈尔斯的《吉普赛女郎》（如图1）为例，哈尔斯通过自己敏锐的观察力，准确地把握住了画中女郎转头一笑的美丽模样。在色彩的选用上，整幅画作哈尔斯延续了自己豪迈的创作风格，采用黑白两种色块来凸显中间色调。对于人物的勾勒，哈尔斯采用饱满的暖色调进行排列，人物色彩明暗过渡自然，将吉尔赛女郎的丰富生命力和乐观精神充分展现给了世人。对于笔触的使用，对于人物的头发，哈尔斯采用细腻弯曲的笔触进行勾勒，而在人物的衣物上，哈尔斯奔放的笔触手法得到淋漓尽致的展现。无论是色彩还是笔触，都恰到好处，把吉普赛女郎的积极善良的状态活灵活现地透过时空进行传递。

图1 哈尔斯《吉尔赛女郎》

图2 梵高《星月夜》

（三）色彩和笔触增强画作效果

以梵高的《星月夜》（如图2）为例，它并没有直接用黑色来表现夜晚，而是以深蓝色为基调来彰显夜的黑暗，深绿和棕色的柏树也衬托了夜的来临。画中的星星采用了黄色和米白色，这是黑暗中的一点光明。对于天空，梵高采用的是曲线笔触，短促浓厚的冷色调笔触，构成了弯曲的线条，漩涡似的天空体现出流转的灵动；画中的小镇却采用了水平线笔触，彰显出一副平和稳定的景象；不同笔触的使用，再搭配颜色的对比，两者形成了强烈的对比。通过《星月夜》，可以看到无论是笔触的对比，还是颜色的反差，都对画作整体增强起到了重要作用。

（四）色彩和笔触的结合塑造形体画面

油画一般是在纸或木板等物体的表面进行创作，由于二维平面的局限性，创作者想要把人物或者风景的立体感得到充分体现，既要用色彩和笔触来进行增强。对于写实类油画而言，层次感和立体感是必不可少的。在针对不同的面时，要选用不同的笔触来进行创作，不同的笔触搭配不同的颜色，这样就会具有层次感。在塑造物体的时候，要注意亮部和暗部的变化，选用不同的笔触和色彩进行绘画，让物体具有真实的立体感。

四、色彩和笔触对油画发展的影响

古典油画起源于欧洲，最早与宗教活动息息相关，对于色彩和笔触的技巧和使用还没有形成统一的认识，以达·芬奇的作品《岩间圣母》为代表，古典油画尤其注重明暗关系。直到17世纪以后，随着世界各国对油画的深入研究，从油画的色彩、笔触等多方面进行了深入论述和探索。自此以后，油画进入飞速发展时期。现代油画，越来越注重情感的表达，色彩方面有了更贴近自然的选择，而在具体创作时，也加入了具有鲜明个人特色的笔触。在现代油画中，笔触和色彩成为油画艺术中重要的影响因素。

结语

色彩和笔触作为油画创作的两个重要因素，对于创作者而言，要确保画作蕴含个人情感的基础上保持色彩和笔触的统一性，让油画能够拥有自己的灵魂。而对于鉴赏者而言，对油画的色彩和笔触进行了解，是欣赏油画的基本要求。画作的色彩冷暖是时代的背景，而狂放或飘逸的笔触是创作者在创作时的无声呐喊。油画的一次次进步，离不开创作者和鉴赏者两者意识上的和谐统一，画作的整体美是画家技巧的体现，而画作的细节美，则是艺术的灵魂所在。