摘要：水彩画是一种色彩明快、艺术性强的绘画门类，虽是西洋画种，但兼具中国画的笔墨韵味。水彩艺术表现的核心在于水与色的运用。本文主要分析水色在水彩艺术中对视觉表达的重要性。

关键词：水彩艺术 水色 视觉传达

一、水彩艺术在视觉表达方面的局限性

水彩艺术作为独立的绘画门类存在只有100多年，是一个较为年轻的画种，由此也少了一些规则和固定模式。但就其视觉表达方面而言，水彩依旧具有局限性。以其本体语言来讲，水彩以轻快、明亮见长，所以水彩缺乏视觉冲击力和震撼力，并难以与油画、粉画相抗衡。以其表现内涵来看，水彩的笔意洒脱，画面灵动等特点也与中华民族的审美相契合，但就内涵来分析，与水墨画的神韵相比，还稍显逊色。水彩画的工具材料从某种程度来说也限制了篇幅和材质，给水彩创作带来了一定的难度。

二、水色在水彩艺术中对视觉表达的重要性

（一）水色和水彩画的关系

水彩画是一种明快、轻灵、艺术性强，使用范畴较广的画种。作为一门独立的绘画门类，水彩画以其独有的艺术语言表达洒脱、空灵的诗意审美内涵。水与色的相互融合，形成了以清、透、薄等为特点的视觉艺术形态。吴冠中曾说：“水彩、水、彩。其特点就在水与彩。”而水与色作为水彩区别于其他画种的本体语言，因发挥其以水为魂，以色为核，并兼具中国的笔意和西方的造型，贯通中西，形成水彩画独有的艺术魅力。

（二）水彩画的水色之道

水彩画讲究水色的运用，没有水色水彩画也就无从谈起。水彩艺术对水的特性进行充分利用和探索。这些都构成了其他画种无法轻易达到的水色韵味。水在水彩画中给予色生命，使色明快，具有活力。而色作為水的显现，让水的清、薄特点发挥得淋漓尽致。画家借由水的流淌、漫延、扩散，色在其中碰撞、交织。水或积或散，色或深或浅，形或现或隐，表达出独有个性和感受。“水色”不仅是一个简单的名词，在中国画中，我们更习惯称其“韵”。韵，在中国古典美学中代表着一种超凡脱俗的精神境界和言近旨远的审美意趣。《潜溪诗眼》中的范温讲道：“韵者，美之极。”韵的本意指的是和谐的声音，但后期作为一种抒发作者主观情感令观者回味无穷的艺术境界。撰写出《古画品录》的谢赫将“气韵生动”列为“六法”之首。

水彩画的“韵”，离不开重要的媒介——水。水流动和轻快的特点，赋予水彩画不确定性，使画面构图的章法、节奏更具有一种产生于音乐的韵律美，故有“小夜曲”的美称。水彩画的韵，更表现在由其不确定性和水色交融后产生的无穷变化，由此达到作者的创作意图，观者则获得“言有尽而意无穷”的审美趣味。画家徘徊在无形、有形、似与不似、生与灭、轻与重状态下的趣味中，体会到一种“惚兮恍兮，其中有象，恍兮惚兮，其中有物”的境界。而这正是水彩画家所追求的一种境界。透纳则是其中佼佼者，从他的作品里，可以充分感受到一种近乎完美的水色结合所体现的水色淋漓。在透纳的水彩画里，经常可以看到犹如舞台剧的戏曲冲击感，同时还伴随着一种永恒的力量感。这种独特的审美境界，正是由于水色的优势。水，在画家手里并不温顺，画家只能探索规律，尝试运用却无法控制。利用好这一特点，画家可以通过水的流动性来捕捉下意识的美。这种美不是刻意营造出来的，而是从自然美中寻找到的必然美。

至于用色之道，水彩画作为西方画种，并没有脱离油画的色彩体系。水彩画还是强调光色关系，由此，画面才会具有色彩的感染力。所以水彩画用色关键还是在于画家对色彩的提炼，要准确感受对象在自然光下微妙的色彩关系与整体的色调。而对象的冷暖倾向变化，则是画面各个部分统筹区分的关键。画面中整体色彩是优先于对象之间的相互关系，对整体的观察和对细节的比较，更是“色”的基础。如果依旧按照国画中“固有色、随类赋彩”，水彩画寡淡生硬的问题也就无从改正了。另外，还要拥有用水彩色调出自己感觉的色彩能力，既要保留某些色彩的明度，也要注意中性色的使用。要用补色相调、高明度色相调、同类色相调，浓色、深色在使用时注意不要过厚，上色时要尽量一步到位。在调色的过程中，避免调“死”。有些时候，水色一碰甚至可以直接在画面中调色，让水色在纸面上交融，使画面更为生动。用色之道还有更为重要的一条，即透明性。在水彩画中纸的白发挥着极其重要的作用，但绝不是处处透明，而是充分发挥感觉的透明，不避讳画面重色。只有对比才能更显透明，画面也因为颜色多次叠加的层次而具有丰富性。水彩画也因水色拥有了与其他绘画门类相区别的绘画语言。

三、结语

当代水彩艺术正处于一个最佳的成长时期，这为水彩艺术提供了广阔的天地。水彩艺术应该立足于自身“水色”语言，吸收中西方绘画特色，丰富水彩艺术内核，以寻求新的绘画模式以及艺术语言，达到视觉表达的效果。

参考文献：

[1][美]约瑟夫·阿尔伯斯.色彩构成[M].李敏敏，译.重庆：重庆大学出版社，2012.

[2]盛忠谊.色彩构成[M].长沙：湖南美术出版社，2002.

（作者简介：金上钰，女，本科在读，宝鸡文理学院，研究方向：水彩）（责任编辑 徐参文）