樊红

（四川音乐学院，四川 成都 610021）

在钢琴演奏中如何自如地表达自己

樊红

（四川音乐学院，四川 成都 610021）

在艺术的发展过程中，音乐是善于表达的艺术，通过音乐能够打动人的内在情感。每一名著名钢琴演奏家的演奏都是情感和理智的统一，通过内心情感的表达来体现他们的思想与音乐的和谐一致。但是很多弹奏者在演奏中过多重视手指的技术问题，却忽略了自身情感的表达，导致弹奏的声音死板，缺少变化和想象力。作为一名演奏者，如果想要通过高超的演奏技巧打动观众，感情的融入实际上才是钢琴演奏的关键所在。怎样在钢琴演奏中表达自己是演奏者对于钢琴演奏预期效果把握的核心，为此，需要注重情感因素在钢琴演奏中的作用，在演奏中将自己对作品的理解和情感融入其中，然后通过手指将这些情感表达出来，使其音乐充满活力，更赋生命力。

钢琴演奏；表达自己；情感

钢琴演奏不仅需要演奏者具备熟练的演奏技法，同时还需要深入了解作品，并且在作品中赋予自己深厚的情感，将自己的内心情感融入到作品当中，将自己的情感和作曲家的情感淋漓尽致地表达出来，才能使听众获得优美的艺术感受。因此，钢琴演奏中自如地表达自己是非常重要的。演奏者需要将情感因素融入到演奏的技巧当中，才能够增强钢琴演奏的艺术表现力，才能够让听众了解作品的同时也可以了解演奏者的内心。

一、情感因素在钢琴演奏中的特点

钢琴演奏中表达自己实际上就是对自己内心情感的表达。这就需要演奏者在演奏时深刻理解作品的故事情节以及人物内心，使自己的内心同作曲家的情感产生共鸣，进而产生演奏者自己的情感，同时能把演奏技巧与情感融合在一起，表达出自己的思想。情感因素在演奏中呈现出独特的艺术特征，主要表现为真实性和动态性两个方面。钢琴演奏者通过不自觉的面部表情以及演奏动作等一系列肢体语言来演绎作品，通过钢琴的旋律释放自己的内心真情实感，使得整个作品的演绎更具有震撼力。钢琴演奏中表现出的高潮、低谷以及悲喜都具有动态性特征，能够使演奏达到感染听众的艺术效果。例如，贝多芬奏鸣曲op.109的演奏中，乐曲的高潮部分由弱音递增逐渐达到强音的顶点来表现，同时又通过逐渐加强到达顶点又突然减弱增强音乐的紧张感。在强音和弱音后面加上点线表示渐进性的表情变化界限。通过这种演奏能够让观众融入其中，感受到音乐的动感。该奏鸣曲当中sf、sfp这些大幅度渐强或者是减弱的表达非常多，演奏者在演奏过程中需要格外注意，才能够起到传神作用，让听众真切感受乐曲中的跌宕起伏。高潮和低谷的表现将听众带入乐曲的故事当中，体现创作者的悲喜人生，从而更加深入了解创作者的思想感情，进而了解演奏者想要表达的思想。

二、钢琴演奏中情感表达的重要性

（一）有助于展现作品的主体思想

在钢琴演奏中，作品主体思想的展示是非常重要的内容，一个音乐作品的主体思想就是作品的核心内容，没有主体思想的作品将会是支离破碎的乐曲。如果将音乐作品比作一座大楼，作品的主体思想就是大楼的骨架，没有稳固的结构骨架，大楼的安全性就会受到威胁。音乐主体思想的情感内涵往往是通过音乐形式来表现的，但是仅仅有音乐形式是不够的，音乐作为一种艺术，是需要具有灵魂的，这就需要演奏者在演奏过程中感受作曲家在作品中所表达的对生活的思考，从而把握作曲家的丰富精神世界，只有这样，才能够将整个作品完美地表达出来。

（二）有助于让听众感受音乐美

演奏者投入地演奏能够增强听众的审美，让听众感受到音乐美。知音一词就是源于音乐演奏者和听众之间的故事，在《列子汤问》中有记载，“伯牙善鼓琴，钟子期善听。伯牙鼓琴，志在高山。钟子期曰：善哉？峨峨兮若泰山！”由此说明，演奏者投入地演奏能够让听众感受到音乐中的丰富情感，同时也能表达音乐的鲜明形象。听众对乐曲的感悟可以拉近他们同演奏者之间的距离，也能让自己的心灵感受到音乐的美感。从演奏者的演奏当中能够让听众得到审美体验，感受到乐曲的欢乐悲伤，在音乐的熏陶下，他们也可以感受到生活的美好。

（三）有助于演奏者情感的升华和展示

钢琴演奏中，从演奏者的角度来说，投入的演奏就是根据作品的情感内涵需要，以演奏者的情感体验为出发点，将自身的情感融入到作品中，实现自身情感的升华，将乐曲所要表达的情感和自身的情感相融合，以此来感染受众。在此过程中，演奏者需要完全浸入其中，将钢琴作为艺术的梭子，用精致的手艺编织出自己满意的画面。听众面对一份乐谱时，是难以从乐谱中获得审美体验的。为此，演奏者需要通过表演的形式将乐曲表达出来。一方面，是将乐谱中的音乐符号通过演奏的方式表现出来，另一方面，要将乐曲的情感内涵以及演奏者自身的情感通过不同的奏法表达出来。音乐作品主要是通过乐谱来记录的，乐谱又是由若干的音乐符号所构成的。乐谱是死的，演奏者必须把乐谱准确有意思，有想象力地诠释出来，使音乐产生活力。首先，需要分析乐谱的形式结构，其次，需要对乐谱上的表情术语进行研究，从而展现出乐曲的自然完整性。音乐作品的演奏同时也被称为二次创作，一次创作是作曲家自身的情感体验，二次创作则是演奏者把乐谱读懂，在技巧完善的前提下将自己的情感融入其中。

三、钢琴演奏中表达自己的途径和方法

（一）熟练掌握手指触键的技巧

众所周知，歌唱家能够通过自己的声音来抒情达意，钢琴演奏同唱歌有着异曲同工之妙，演奏者可以通过手指触动钢琴的力度和速度，借助钢琴这个乐器来表达感情。每一首乐曲都有着独立的运动形式，通过大脑给手指传达一个意思使其发出不同的声音来变化音色和形象。例如，演奏中的跳音可以用来表达欢快的情绪，而通过连奏的方式能够表达优美流畅的音乐线条。此外，手臂的重量在钢琴演奏中也具有重要的作用。演奏者不仅需要具备敏捷的反应能力，同时还要有良好的空间感，还要培养自身对音乐音质的分辨能力以及音乐情感的表达能力，在掌握这些技巧的基础上，才能够更好地通过手指的技巧表达自己内心的情感。演奏者可以根据情感的需要将注意力集中在内心想表达的声音上，然后随着音乐情绪的变化来调整自己触键的感觉，有效把握手指的用力程度，仔细分辨声音的圆润度，通过灵活的触键将各种声音细腻地表达出来，使之成为自己独特的情感体验。

例如，贝多芬于1830年完成的作品《黎明奏鸣曲》，通过欢快、清雅又富于激情的音乐，表达自己对革命胜利的欢呼以及对新时代带来的欣喜。此外，其创作的《悲怆奏鸣曲》表达了青年时代的贝多芬对受到镇压的年代不满，他自己却没有与之抗衡的力量，因此常常陷入悲伤的情绪当中。这两种音乐所表达的感情不同，在弹奏技巧方面自然也存在差异，通过对触键进行灵活地调整，可以使作品中所要表达的情绪充分地展现出来。

（二）把握作品的音色和自身的情感

音色主要是指声音的感觉特性。声音的产生来源于发声物体的振动，因此，可将其分为两种类别，其中一种是泛音，还有一种是基音。不同的泛音决定声音的音色不同，所有能够发声的物体除了具有独特的基音之外，还伴随着不同频率的泛音，这些泛音则决定了物体有不同的音色，是其区别于其他物体的关键所在。有人喜欢一个音乐家的演奏，往往记住的是音乐家的演奏音色，在钢琴演奏中，这种音色则是钢琴家的情感音色，是钢琴家在了解相关作品之后用适当地演奏方法体现作品的内涵和风格。因此，处理好作品的音色和自身的情感可以在演奏中自如地表达自己。音色的控制需要注意以下几个方面的内容。

首先，控制音色依赖于人敏锐的听觉。在乐曲演奏中，对于乐曲的音高、时值、音量以及变化的音色需要进行辨别，通过大脑控制演奏者手指的活动。为此，演奏者的听觉是非常重要的，只有演奏者通过耳朵聆听自己演奏的乐曲横向旋律和纵向和声的优美与否，纵横结合的复调融合状况，才能够判断弹出的音色是否能够表达自己的情感。

其次，音色的调控依赖于触键方法。不同的触键方法自然会带来不同的音色效果。演奏者通过对作品的深入了解以及对乐曲的基本把握，重要的就是将想投入的情感通过手指表达出来，因此，情感因素的技巧化是非常重要的内容，触键则是表达演奏者情感的帮手。明亮的音色能够透出欢快的情绪，这时的触键就需要将手指快速触键，采用垂直触键的方式更为稳妥；在弹奏一些圆润的音色时，手指就要紧贴琴键，慢而深地送下去。若需要弹奏出一些洪亮的音色时，就需要演奏者浑身发力，通过手指猛击琴键，将全身的力量注入乐曲中，弹奏出刚劲有力的声响。情感处理不同，触键方式的选择自然也会不同，一首作品中通常需要综合运用几种触键方式，才能够体现出作品的风格和演奏者的情感。

此外，音乐的控制还需要依赖于踏板的合理运用。钢琴一般有三个踏板，按照从左到右的顺序依次为弱音踏板、中踏板和延音踏板。其中，使用较多的是弱音踏板和延音踏板，尤其是对延音踏板的使用比较广泛。乐谱上有着同样的踏板标记，演奏者在作品演奏之前需要了解不同时期作品作曲家在踏板使用方面的特点和方法，同时还需要掌握风格不同的乐曲中踏板的使用，只有这样，才能够合理使用踏板，从而达到最好地演奏效果。一般演奏节奏性较强的乐曲时，需要使用同音踏板，这种踏板同音融合在一起，能够体现鲜明的乐曲节奏；在抒情乐段的演奏中则需要采用音后踏板（切分踏板），能够确保演奏旋律的流畅性和连贯性；在气势磅礴的乐段演奏中，同音踏板以及音后踏板都可以使用。

（三）树立个性化的演奏风格

旋律是作品当中最具音乐表现力的部分，要想表现好旋律，首先应该理解旋律，找到旋律的动向、规律以及形态。这对演奏者也提出了更高的要求，作为演奏者，需要认真读谱，结合作曲家的生活背景体会他们创作的意图和风格，从中找出作曲家需要表达的思想感情，预想可以弹奏出的理想音色。然后将自己的情感融入其中，灵活自如地表达自己的内心。要想达到如此境界，就需要依靠自己专注的力量，不断练习，慢慢体会和推敲，才能够在演奏中真诚地表达出自己的感情世界。每一个个体都是独特的存在，对同一段旋律有着不同的感受和理解，在演奏中表达的情感自然也是风格各异。音乐作品通过钢琴演奏实际上就是对作品的二次创作，这就需要演奏者对作品的风格进行诠释，实际上也是演奏者对自己风格的诠释。演奏者既要尊重作曲家的风格，也要不断地创造出自己的个性。只有将自己的演奏风格融入到作品创作背景之中，准确把握不同时期钢琴作品的特征和作曲家的风格，才能够在钢琴演奏中自如地表达自我。

（四）灵活运用肢体语言表达自己的情感

良好的肢体动作在钢琴演奏中具有重要的作用，不仅可以帮助观众深入地理解音乐，感受音乐，还能够达到视觉和听觉的统一，给人们带来音乐美的享受。演奏者要想通过演奏钢琴表达自己，肢体语言是关键要素，也是表达的基础部分。演奏者的每一个动作、表情以及弹奏的音符都是对生活的演绎，是情感交流的必要方式，肢体语言能够将演奏者同乐曲内容产生的情感共鸣传达给听众。肢体语言的完美演绎不仅是演奏者自我演绎的诠释，同时也是一位成熟演奏者自身修养的体现。钢琴演奏中除了掌握演奏技术之外，还需要领会作曲家的意图，演奏者通过肢体语言和自身的人生经历累积，才能够将乐曲完美地表达出来。正确的坐姿可以为良好的演奏做准备，手型的支撑也会影响到钢琴的弹奏速度，是演奏者需要重点把握的一部分。在演奏中，演奏者的身体和头部应该保持整体性，从而确保肢体的整体运行，通过整个身体的配合，才能够将力量和重心传达到指尖，实现整个演奏中力量的传递。

四、结束语

钢琴演奏在整个音乐演绎中非常特殊，它是和声乐器，是唯一能够传达出像乐队演奏的一样乐器。演奏者通过表达自己的情感来展现音乐艺术的灵魂。情感表达是一项塑造音乐形象的创造性活动，同时也是揭示音乐作品内涵的过程。钢琴演奏作为音乐的二次创作，演奏者起到关键作用，不仅需要演奏者准确把握曲目风格，更要注重感情投入，投入自己的情感意识和创作热情，才能够增强钢琴的艺术感染力，才能让听众感受到音乐的魅力。演奏者还要树立个性化的演奏风格，将作曲家的意识和自己的内心感受融入到一起，既有共性，也有个性，这样才能让听者真正的体会到自己的内心感受。

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