周 密（湖南女子学院 艺术表演系，湖南 长沙 410004）

走出初学歌唱的误区

周 密
（湖南女子学院 艺术表演系，湖南 长沙 410004）

随着声乐艺术教育的不断发展，学习歌唱的人也越来越多，但感叹声乐难学的人也不在少数。文章探讨了大多数歌唱的初学者容易走进的几个误区，并提出一些建议，旨在帮助他（她）们在学习中少走弯路。

歌唱；初学者；误区

声乐是研究歌唱方法的学科，随着声乐艺术教育的不断发展，想提高唱歌水平学习歌唱的人也越来越多，但学习的人大多感叹声乐难学。对于初学歌唱的人，只有走出歌唱学习的几个误区，才能避免在歌唱学习中走入歧途。

一 盲目定位唱法

自 1986年中央电视台举办的全国青年歌手大赛采纳“三种唱法”以来，美、民、通三种唱法的划分已经深入人心，2006年青歌赛纳入原生态唱法后，又有了“四种唱法”。随着我国声乐事业的发展，学术界对于划分“唱法”科学性的质疑也越来越多，“唱法”的划分在声乐的人才培养、音乐创作、审美倾向等方面的禁锢也日渐凸显出来。很多声乐专家纷纷提出：不存在唱法之分，只有声乐作品风格之分，并呼吁中央电视台和各地的声乐比赛的组织者尽快改变比赛分类方式，即以“唱法的不同”改为以“歌曲作品的不同内容”来划分比赛类别，唱法只有一种，那就是“科学的唱法”。科学的唱法应该是符合人声发声的生理和科学规律，各发声器官之间相互高度协调统一，使人声能够自如地为表达声乐作品需要的技术总和。一名优秀的歌唱家或者歌手都应具有演唱不同风格、不同类别作品的能力。特别是对于初学声乐的人来说，发声器官还没有得到系统的训练，声区也不统一，每个人特有的音色还没有被充分挖掘出来，盲目定位唱法进行声乐学习，很可能会埋没自身的特点，非常不利于个性化发展。所以，初学歌唱者应该在经过一段较长时间的声音基本训练之后，配合老师找到自己的声音特点，再演唱适合自己的作品，从而发展自己的演唱风格，不要在刚刚开始学习是就盲目给自己定位唱法。教师也应该打破“三种唱法”分门别类的教学模式，让学生提升演唱能力，培养出具有时代性的综合演唱能力和艺术修养的人才。

二 重“音量”轻“音质”

《卡鲁索的发声方法》中提到，完美的声音有三个必要条件：响亮度、音质、音量，它们联合形成一个壮实、美丽、有共鸣的声音。歌唱中美的“音质”也就是丰满的、圆润的、有高质量的泛音的声音。音质自然有好坏之分，每个人天生的发声器官的构成（胖瘦高矮、声带的长短厚薄、共鸣腔体的大小）是不可改变的，但后天的发声训练对音质有很大的可塑性。科学的练声能增强声音的美感效果，从而达到改善音质的目的，为声情并茂的声乐演唱创造美的音质条件。完美的声音中的“音量”是指在正确的歌唱状态下的声音响亮，它是衡量歌唱技术的标准之一。但歌者必须明白的是：自己听起来有“音量”的声音，并不一定是有“音质”的声音。他们往往忽略了这样一个事实：自己听到的声音越多，别人听到的就越少；自己听到的声音越少，别人听到的就越多。现在很多考生为了考学，在高考前像吃快餐一样突击学习一首或几首声乐曲目，常常陶醉在自己强迫用嗓而获得所谓“洪亮的声音”，盲目追求“音量”，自己被震得发懵，距离远一点却根本听不到声音。这样的声音包在嘴里，窝在喉咙里，造成喉肌过分紧张，失去自然音色，高音上不去低音也下不来，声音听起来生硬，没有表现力、穿透力。笔者在长期的声乐教学中，经常会遇到很多这样的学生，尤其在一年级的新生中表现更加突出。这既对正常的歌唱训练造成阻碍，也对歌唱器官造成人为的破坏，长此以往可能引发许多声带病变，如声带水肿、充血、声带小结等等，后悔莫及。所以，歌唱初学者应该在老师的指导下对自己的音量重新建立正确的认识，训练中重视把握“音质”，在有“音质”的前提下再慢慢加强“音量”的训练。

三 重“大作品”轻“小作品”

我们知道，声乐教材一般会根据声乐作品的难易程度分为几个阶段，适合初学者的歌唱的作品通常旋律简单，音域不宽，结构短小，也就是我们说的“小作品”。歌唱初学者往往呼吸浅、声音位置不高、缺乏稳定的歌唱意识和歌唱状态，练唱比较简单的“小作品”时，由于技术难度较小，可以将更多的注意力放在呼吸、喉位的稳定、声带的调节上，更快的建立正确的歌唱状态。可是有很多嗓音条件不错的初学者认为，“小作品”太简单，还没有达到自己的音域极限，有很多好听又喜欢的歌都不给唱，而且产生很强的抵触情绪。笔者碰到的一个大一新生，每次布置作业就问：“老师，这首歌好像没什么高音。”在她的意识里，自己喊也能喊道的高音不让唱会很不舒服，有高音的“大作品”也是可以唱的。所谓的“大作品”通常是相对“小作品”而言的，“大作品”的旋律相对比较复杂，音域较宽，结构较长，常会有大跳音程的出现等，它要求演唱者有更深的呼吸和更稳定的歌唱状态。初学者一味求“大”舍“小”，虽然能喊一两个高音，但整体的歌唱效果会大打折扣，最糟糕的是，歌唱状态不容易稳定，进步不快，长时间用嗓过度还可能会出现声带病变，得不偿失。严格意义上来说，作品无论大小，都有自己的风格和特色，只有将每个作品都放在同等的位置，将它唱精致，唱出特色和韵味，才是歌唱最高的境界。

四 重“声音”轻“咬字”

由于是初学者，歌唱者没有形成稳定的发声习惯和状

态，正在着重一些基本的声音训练，这往往会导致过分的关注歌唱声音的状态（如腔体的打开、呼吸的深浅、喉位的高低等），从而忽视歌唱中的咬字吐字，歌词语义含糊，不知所云。其实，我国传统音乐中历来都强调“以字行腔、字正腔圆”，这说明咬字在歌唱中的重要性，在歌唱训练中“没有掌握正确的咬字......永远都不可能达到完美的境地”。著名的花腔女高音歌唱家迪丽拜尔就主张“让字落在腔体里”，

这也是歌唱时的咬字与生活中的咬字最根本的区别。歌唱时的咬字不仅要清楚、传得远，还要符合歌唱发声的规律，要在“统一的位置上”，这种对日常生活中的说话习惯的颠覆，

使得初学者们很难将练声中找到的发声状态放在歌词的演

唱中，他（她）们就会在演唱作品时，无意识的带上日常生活中的说话习惯，不能将行腔与咬字很好的结合起来，声音听起来很不统一，不在一个位置上。殊不知，声音训练的目的就是为了歌唱，歌唱必然离不开歌词，歌词唱不清楚，歌唱的表演毫无意义，将生活中的咬字习惯变成歌唱中的咬字习惯需要时间，更需要初学者的高度重视。有机的打开腔体才能在歌唱时做到咬字的连贯和统一，正确的发声是“花”，吐字咬字是“叶”，对于初学歌唱的人来说，注重声音的训练固然是必要的，但也不能忽视咬字的全面系统的训练。

五 本末倒置

很多初学声乐的人在学习过程中会有这样的苦恼：我是在认真的学，也是按照老师的方法在练习，怎么就是进步不大呢？这就要反思一下学习中是不是出现了本末倒置的现象。其一、拿“结果”当“手段”，就是将要达到的歌唱状态当做一种训练的手段。例如，老师说歌唱时的气息要沉下来，并会给学生示范气息下沉时腰腹部的状态。有些初学者没有明白肚子的鼓出是由于歌唱深吸气时横膈膜肌下降与腹肌产生对抗的“结果”，而不是让歌唱气息稳定的“手段”，错拿“结果”当“手段”，在自己歌唱前先将肚子鼓出来，这不但对歌唱的呼吸没有帮助，反而导致身体的僵硬和不协调。其二、拿“手段”当“目的”。由于歌唱发声的声带看不见摸不着，教师采用的教学方法普遍都采用心理和生理结合的调节方法来教学，即“找感觉，找位置”，教师教授时采用的方式多种多样，有很多帮助找“感觉的”语言和动作，歌唱初学者往往记住老师的各种“手段”，生搬硬套过来，反而忘记做这些动作要达到的“目的”。例如，针对双肩过于紧张的歌者，老师会让他（她）甩动双肩来达到放松的目的，如果仅仅记住了这个动作，唱歌时从头到尾一直甩肩，反而会养成一个不好的歌唱习惯，适得其反。又如，有些学生表演时没有表情和动作，老师会让她做一些适当的肢体语言，有些学生就会记住哪句话手要抬高，眼睛向哪看等等，依葫芦画瓢，结果不尽人意。要清楚的是，动作是增强歌唱表现力的一种“手段”，是情感的自然抒发，但是如果将做动作当作“目的”，不仅起不到好的效果，反而增添笑料。

六 盲目模仿

任何能在艺术史上留下自己贡献的大师都是因为自己在表演上的个性获得了大家的认可，在声乐艺术的道路上但凡有些成就的，都有自己独特的风格特色。想学歌唱的人往往是因为对某些歌唱家或歌手的崇拜，而激发了学习歌唱的欲望，所以在自己学唱的过程中会潜意识的模仿自己喜欢或者崇拜偶像的音色、作品处理、表演风格等等。要知道，每个人的音色和音量在一定范围内都是相对固定的，学习歌唱的目的就是为了将原有的嗓音的潜能科学的开发出来，而不是做出某种声音。初学歌唱的人还没有对自身的嗓音条件了解透彻，也还没有对自己音色、音域正确的认识，建立正确的声音概念，一味的模仿偶像的演唱自然会带来很多的问题。歌唱家之所以被广大人民群众喜爱，与其精湛的技艺、良好的艺术修养、多年持之以恒的训练是分不开的。虽然，有很多模仿者在模仿的过程中找到自信，但是歌唱初学者根基很浅、没有稳定的歌唱意识和歌唱状态，在学习中对于偶像的模仿，更要力所能及理性的去选择，否者会把自己放到一个“学什么都不象，又丢失了自己的个性特色”的尴尬境地。

总而言之，声乐的学习是一个很漫长而复杂的过程，在学习的过程中我们会遇到这样或那样的问题，它需要我们有足够的耐心和勇气去面对将会出现的一切困难。初学歌唱的人更要要在老师的指导和帮助下，走出学习的误区，掌握科学的发声方法，用自己的努力不断向声乐艺术殿堂迈进！

J61

A

1673-2219（2011）07-0199-02

2011―05―17

周密（1978－），女，湖南常德人，湖南女子学院艺术表演系讲师，硕士，研究方向为声乐教育。

（责任编校：周欣）