陈雅馨

莱谢蒂茨基是最著名的钢琴教育家之一，教导了包括安娜·叶西波娃、伊格纳西·帕德雷夫斯基和阿图尔·施纳贝尔等一批钢琴家，他的学生玛丽·普伦特纳根据自己十二年跟随莱谢蒂茨基的学习经历记录了《莱谢蒂茨基钢琴技巧基础原则》，真实和完整地介绍了他在钢琴教学上的一些理念，其中包括了一些基本原理以及训练符合现代钢琴演奏要求的技术的实用方法[1]。共分为两部分，第一部分为技术要点，第二部分为音乐表演要点，第二部分一共包含六个章节，分别是：对于巴赫和亨德尔作品中技术和演奏的研究；节奏；踏板；旋律的处理及其规则；如何练琴以及音乐素养的加强。本文将对后三个章节一一进行分析。

一、旋律及其规则

在钢琴上弹出“歌唱性”的旋律会比在其他乐器上更难一些，因为钢琴的音持续时间比较短，而且不像其他的弦乐和管乐器可以在一个音上做渐强处理。所以想在钢琴上塑造旋律就必须要从乐曲的框架着手，乐句、段落、章节的清晰构建以及音色触键的处理都很重要，另外还要注意伴奏声部的协调，需要配合主旋律的起伏。想要对旋律进行艺术的诠释不仅需要技术熟练的手指，精准掌握不同的触键方法，还需要良好的节奏感和踏板的准确使用。莱谢蒂茨基总结了几点可以正确表达音乐旋律的规则：

（一）弹奏上行的旋律时需做渐强处理，最高音为最突出的重音，反之弹奏下行旋律时做渐弱处理。

（二）两个音符中，音高更高的音需更强。

（三）两个音符中，时值更长的音需更强。

（四）重音的处理一般取决于拍号，大多主要的重音通常在第一拍和第三拍，3拍子时重音在第一拍，六拍子时重音在第一和第四拍等等。

（五）当遇到有重复的音符或乐句，弹奏第二遍时不能使用和第一遍完全相同的触键以及处理。在声音的表达和层次的处理上应该要么逐渐递进或者慢慢减弱，在很多情况下，速度以及力度的处理都可以有变化。这样才会给重复的旋律注入活力以及新的色彩，避免听众觉得枯燥乏味。

当然，以上说的只是相对普遍的情况，在一部分作品中会有不同的情况。例如第2点中说的更高的音更强，但是当左手的低音是和弦的主音时，尽管它音高更低，但也需着重强调。还有些作曲家喜欢在弱拍的音符上加重音，比如贝多芬的奏鸣曲中就经常出现，所以具体的处理方式还需结合上下文具体分析。毕竟在学习和演奏作品时，遵从作曲家的意愿是最重要的准则之一。

二、如何练琴

这一章节是作者认为非常值得研究学习的一部分，练琴对于每一个钢琴学习者以及演奏家都至关重要，贯穿了大家从接触钢琴的第一天直至最后一天，但大部分的钢琴学生其实并不真正“会练琴”，只是一遍遍从头到尾重复，效率并不高，包括作者本人也觉得至今并没有很好的掌握练琴的方式方法，所以对于正确练琴方法的研究很有价值。

首先，一个人能够获取多少的知识并不光取决于花费时间的多少，而取决于真正有效的学习时间有多少，是否充分地利用了每一刻。单纯机械重复的练习不仅会对身体造成伤害，疲惫不堪不说，不科学或者过度的练习甚至还会容易引发腱鞘炎，也会对学习者的心理造成伤害，一些有天赋的学生会因为取得的成果与付出的时间精力不匹配而形成落差感，从而放弃学习。毫无意义地进行重复百遍的练习，无休无止、毫无目的、不科学地演奏曲目和练习曲是不应该的，因为这只会导致身心、肌肉和智力的紧张感。所以，在练习时如何保持专注，以及学会用正确的方法来练习主要部分才是大家真正应该掌握的。

在练习过程中，为了防止注意力的放松，可以缩短练习时间并且分几个时间段练习。首先要对近期的练习有一个大致的规划，然后对练习时间进行明确的分配，规律性的练习一般能够取得最好的成果。如果不是以成为演奏家为目标，一般一天合理地进行四个小时到五个小时的有效练习就可以达到非常良好的效果了。

练琴时，首先，第一部分当然是技术训练，可以先从五指练习以及所有大小调音阶开始，尝试使用不同的力度以及速度，完成这些之后可以再做琶音、和弦、颤音、八度等练习。和弦是最好的训练手指拉伸的练习之一，确实，和弦的弹奏需要手指以及关节的伸展，尤其像七和弦或者九和弦。书中有大量带有保持音的分解和弦练习，莱谢蒂茨基建议需用强有力的触键完成所有的练习，弹奏时需要借助手腕的力量，在每一下弹奏之后手指都应当贴回琴键，且在弹奏过程中手腕应放松并伴随音乐起伏。手腕作为手与手臂之间的连接部位，只有做到放松、游刃有余，才能将手臂的力量毫无阻碍地传递到手指,也就是使用莱谢蒂茨基提倡的“重量演奏法”。练习时，应先从“p”开始，再慢慢加强到“mp””mf”“f”。且为了提高演奏和弦时每个音的均匀度，可以练习和弦的琶音，尤其要注意2、3、4指。在琶音的练习中有两个难点很重要，一是如何做到“legato”，另一个是转指。琶音中的转指比音阶中的转指更难，因为距离和跨度更大。所以书中建议先练习转指部分，把1、3指和1、4指的转换从慢到快、从弱到强进行训练。在连贯性的训练上，书中建议可以把琶音“上行”和“下行”分开练习，每次练习三个八度。为使琶音更连贯，“准备”工作尤为重要。以C大调琶音为例，C、E、G三个音为一组，上行时，在弹完第一组的E时，大拇指就应做好准备从下方穿行，以便弹完G之后能第一时间找到第二组的C。下行同理，3指也应在每一组的E弹完之后提前为下一组的G做准备。对于技术部分的练习要按照适当的顺序进行，循序渐进，一般每天一小时左右，合理的进行时间分配，完成所有的技术部分可能需要几天或者一周，在完成所有之后再重新开始新一轮的练习，但是一定要注意坚持[2]。

在基本功训练做完之后，可以把注意力放在练习曲上，每天也花费一小时左右。在训练阶段中，每一天都必须要做技术练习，坚持几个月之后，尝试在没有做任何基本功练习准备的情况下，弹奏一些练习曲和乐曲中的技术难度片段，尽可能发挥之前所做的所有练习中的技术。这能够训练演奏者的自信心，锻炼自己良好的发挥手上已经掌握的知识。在练习曲的训练中书中建议可以选择车尔尼和克列门蒂的作品，因为这些练习曲不仅为手指提供了很好的锻炼机会，而且也为培养弹奏乐曲的音乐品味做了良好的准备。与乐曲的学习一样，练习曲也必须用心分为乐句学习，指法尤其要仔细斟酌，指法并不是一成不变的，它的选择取决于每个人手指手型的不同。书中有一点建议非常重要：“练习曲最好选择最难的指法，而乐曲最好选择最简单的指法”，在练习曲中使用难的指法可以充分发挥练习曲的训练价值，有效地锻炼我们的手指，而在乐曲中使用简单的指法可以更好地增加乐曲的连贯性和流畅性。

在练习乐曲时，应当首先分手练习，然后再双手练习，配合着节拍器，先慢速练习，再一点点逐渐加快速度，直到达到规定的演奏速度。在慢速时听起来很好的演奏不会因为逐渐过渡到快速而失去它的好音质，除非立即从慢变快，才会破坏它的表达，所以一定不能为了追求速度快而心急。为了在演奏中获得高度的精确性和清晰度，学生应在掌握了手的正确位置和运动后，尝试不看键盘练习难的乐段，不看键盘可以使学生更专注于“听”的过程。作者曾有一个导师就要求所有的曲目在背熟之后需要尝试闭眼演奏，一开始会很艰难，慢板的部分相对较容易，但弹到快板或者技术难度较大的段落时，就总想要睁眼找位置。经过一段时间的训练之后，作者发现闭眼练习的帮助确实很大，不仅仅是可以更好的“听”，也可以更好地提升对于键盘位置的掌握，更重要的是可以非常好地提升演奏时的专注力，可以更集中精力去思考音乐，这一点在演出时更加明显。有时演出、比赛或者音乐会时，一方面会有不可避免的紧张情绪，另一方面是在演出时有时会碰到外界的干扰，例如一些噪音或者观众的走动，如果没有足够的专注难免会受到影响，但是闭眼演奏可以更好地屏蔽外界的干扰，使演奏者能够全身心集中在演奏上，所以闭眼练习是一项很具有意义的练习方式。

在练习曲和乐曲的学习中都必须学会接受最尖锐的自我批评，只有当一次又一次地中断演奏，重新思考所演奏的部分。才能够在脑海中唤起已经演奏过的乐段，注意听辨好的和不好的声音，正如之前所说的关于踏板的使用方法。演奏者的这种内心倾听过程是一项重要的进步，因为这不仅能极大地增强节奏感、踏板的使用和声音的层次感，而且还能增强记忆力，使音符牢牢地记在脑中。此外，习惯性地全神贯注于手指的任务，可以在观众面前（无论是公开还是私下）保护大脑免受紧张的影响。

在练习方法上，还有一种很重要的练习方法是“精神练习”。很多钢琴家都说过自己会进行没有钢琴的“无实物”练习，比如王羽佳就说过由于行程的密集，有时候没有办法随时有钢琴在身边，这时就会拿出谱子看，在脑海里“练琴”。这种练习方法是有很多可借鉴之处的，不要只是一味的专注于琴键上的练习，可以多看看谱子，听一听不同的演奏版本，或是听一听自己演奏的录音，多去思考。

最后，希望学生在拿到一首新曲子时，给自己制定一个学习计划，从一开始的手型、指法的选择、准确的节奏、踏板的使用、停顿及呼吸、内心倾听和自我批评等方面进行一个完整的练习学习流程。

三、音乐素养的提升

在钢琴的学习中，各方面音乐素养的提升也至关重要。本章节中强调了练耳、视奏以及室内乐配合的重要性。

（一）练耳

对于钢琴学习者来说，耳朵的训练不可或缺，尽管对于钢琴的演奏并不需要绝对音感，但在可能的条件下还是要尽量地提高练耳能力。每天留出一点时间有方法有规律地做一些训练。可以先从单音开始，然后学习音程，再到和弦和旋律的训练。长此以往，对于和声的进行，音符的准确率和节奏感都会大有帮助。

（二）视奏

其次，视奏的训练也很重要，在第一遍学习曲子时，应该首先尝试表达它的色彩与特点，配合踏板和节奏，从头到尾不间断地弹奏，就算中间会出错也不要停下来，直到结尾。在识谱的过程中留意哪些是比较难又容易出错的段落，在后续的学习过程中可以重点关注，然后再用快一些的速度再次尝试视奏。在视奏的练习中，首先要注意曲目的选择，可以选择简单一些的曲子，以便给眼睛和大脑思考反应的时间，不需要因为过多的和弦或者升降号而耽误进度。其次，要尽可能地熟悉键盘，训练自己不看键盘的能力。少看或不看键盘弹奏一方面可以大大节省找音的时间，尤其是对于技术难度较大、速度较快的段落，另一方面，当不用看键盘之后，也可以把更多的精力放在“听”上，对于后续的背谱演奏会大有帮助。

（三）室内乐

一名好的钢琴演奏者不仅要能够“单打独斗”，也要学会团队协作。钢琴在室内乐作品中占有重要地位，反之室内乐作品的学习也是钢琴学习者想要提升自己的重要学习部分。一开始可以先接触钢琴的重奏，例如四手联弹、六手联弹和双钢琴作品，然后再学习和声乐、不同器乐的二重奏，最后再尝试三重奏、四重奏、五重奏等，甚至是与交响乐团的合作。通过与他人的配合，演奏者不仅能更好地锻炼自己的节奏感，也能使耳朵对于踏板和和声的使用更加的敏感。室内乐中包含了钢琴艺术里很珍贵的一些瑰宝，与其他乐器一起演奏，不仅能够提升自己的音乐文化素养，还能够加强对于和声、对位和曲式结构的理解，很有学习价值，是每一位钢琴学习者都应该研究的一部分。

本文总结了《莱谢蒂茨基钢琴技巧基础原则》第二部分中的音乐表演要点，要想成为一名好的钢琴演奏者，绝不能仅仅局限于技术的难度，只有真正的全面学习与深入了解作品与作曲家才能演奏出有灵魂的作品。细腻的触键、平稳的节奏以及科学的踏板使用可以使我们的演奏进入到另一个高度；勤奋和有效的练习可以促进学习目标的达成；音乐素养的加持和对音乐的理解是获得最终成功的关键点。

中国钢琴教育无论从理论研究还是演奏与教学实践,都有了一定程度的积累,应整合现有研究力量及成果,构建起中国钢琴教育的学科体系。莱谢蒂茨基除了教学理念还有很多地方值得学习，作为一名教师，莱谢蒂茨基相信“扎实的职业道德是成功的主要标志之一”，他对于学生来说不仅仅是一名教师，更像一名导师、治疗师、父亲、赞助人和总看护人。”他的主要目标是让他的学生成长为全面发展的艺术家。“莱谢蒂茨基教学法”本质上是钢琴教学和生活的整体方法，而不是单纯的技术入门。他这种注重学生个性培养的所谓“无方法”教学体系非常值得借鉴[3]。