徐善来

1.设计师Diane Von Furstenberg在纽约的公寓中，墙上悬挂着AndyWarhol为其创作的肖像画。Von Furstenberg回忆道：“我们都爱玩，Warhol会参加我的派对，我也常聚在他的Factory（工厂）吃午饭。那时他无处不在。”摄影：Horst P.Horst，美国版Vogue 1976年7月刊。

2.1984年的Jean-Charles de Castelbaiac秀场上，模特身穿类似电影胶片造型的连衣裙，反映了好莱坞电影对时装设计的影响。

3.活跃于60年代的英国模特Twiggy，梳着叛逆的短发、无辜中又带着些古灵精怪的眼神，成为诠释波普艺术精神重要的面孔之一。摄影：Bert Stern，美国版Vogue 1967年11月刊。

4.1967年，设计师Mary Quant（坐于前排中央）与模特们展示她的最新设计，背景中缤纷的简笔雏菊图案由平面设计师Tom Wolsey创作，成为Mary Ouant鲜明的品牌标志。

5.意大利设计师Elio Fiorucci（前）与助理Cristina Bagnoli。上世纪六七十年代，Elio Fiorucci将波普元素从英国带回意大利，并融入个人品牌的设计，带动了波普艺术的流行。

6.Mary katrantzou 2016秋冬秀场以Andy Warhol的“银色工厂”为灵感，将T台场地包裹成了银色的世界。

波普（Pop），这一来自“大众化”（popular）的词汇，从上世纪60年代开始重新定义了何为流行文化，并渗透到艺术、设计与哲学议题中，成为半个多世纪以来不断被讨论的话题。

二战后的英国，因为经济实力的弱势，致使设计领域的发展不足。1960年后，随着英国整体复苏，年轻一代更加追求设计的品质，面对当时本土设计的陈旧过时，赶超同期的现代主义设计显得不切实际，新一代的艺术家和设计师们希望“自立门户”，从视觉差异入手，采用大胆强烈的色彩，突破传统造型的束缚，甚至刻意寻求标新立异，以此向世界强调英国艺术设计的存在感。

彼时组成英国波普设计主力群体的，大多是刚刚毕业的艺术院校学生，其中又以时装设计、平面设计领域较为突出：强调个性主张的展现，不再墨守成规。时装上的离经叛道，是对社会标准的安全的隐性背离。

“好品位已经死了，通俗审美才有生命。”波普时装的代表、设计师Mary Quant毫不掩饰自己对于颠覆时尚风格的渴望，在她的前卫观念下，短到不能再短的迷你裙、极富冲击力的色彩搭配与醒目的线条，在当时保守的英国时装界刮起一场旋风。

虽然这场从英国兴起的艺术运动旨在与现代设计划清界线，但实际上，美国二战后迅速崛起与消费主义文化的盛行，是推动这场文化发展的重要基础。好莱坞星光熠熠的明星矩阵，娱乐业的蓬勃发展，令美国的波普艺术多了几分纸醉金迷的意味。如果说英国的波普艺术是年轻人个性反叛的产物，那么美国则为这项“光鲜”的艺术加入了更多商业性、现代性的要素。

“我想利用商业复制的技术，彻底使用那些人们已经有了概念的图像。”美国艺术家Andy Warhol一语道出美式波普的创作理念。在Warhol的创意世界中，可乐罐、罐头包装、明星肖像……看似与高端艺术格格不入的流行文化碎片，被他排列重组，赋予不同的色彩方案，令来自生活的素材走進艺术的语境。

不过正如波普艺术在视觉上给人们带来的即时冲击，这种除了“个性”而无法用更多动机来解释的艺术风格，规模随着60年代的结束而快速萎缩，并逐渐与更多商业化的合作、联名相关。或许正是因为这种对色彩、线条、客观事物纯粹的创作冲动，让波普艺术成为时装设计界屡试不爽的灵感来源，继续启发着当下设计师们的创作思维。

在2021早秋系列中，大量与波普文化相关的符号意象重现，将我们带回了半个世纪前那个狂热的时代。首当其冲的便是Dior女装创意总监Maria Grazia Chiuri，她直截了当地表示希望回到刚刚入行时，意大利波普时装设计的Elio Fiorucci所传递的趣味风格中去。Louis Vuitton女装创意总监Nicolas Ghesquiere则希望从波普艺术中汲取“活力”的元素，点亮那些适合日常穿着的风衣、马甲和打底衫。而当我们看到Alessandro DellAcqaua打造的新季No.21造型时，很难不联想到Marilyn Monroe的形象，也许设计师在创作时，脑海中正畅想着这样一幅画面：现身Studio 54的Monroe，应该身穿怎样的时装纵情狂欢呢？