韩雅俐

认识加勇是在2017年5月，参加他在北京的首次个展。初识，印象颇深，一条细长的小辫子扎在脑后，人小而精干。而他的作品却总是以大尺幅展出，让观者体会到一种痛苦与不安、伤痕与溃烂，这种视觉情感的传递或许与他从小的生活环境有关——他成长于贵州遵义的偏远山区，家中贫困，不名一钱。每逢下雨，全家都要端着盆碗在屋檐下接雨水，不仅如此，家里缺衣少吃，有半年的时间都只能吃土豆和红薯。这样的生活经历使他更加坦然地面对现实，直面地去体验生活，去挖掘人性的真实，并对社会现实展开批判与反思。

如今生活得到了改善，但他依旧是节衣缩食、粗茶淡饭，在重庆的一间土屋中生活，在他看来远离城市的喧嚣，远离车水马龙的浮华，远离人来人往的焦躁，才是创作的最好状态。艺术与生活永远是一脉相承、息息相关的，他的情感、他的生命都与绘画相联结，通过画笔与色彩转化成作品，在亚麻的油画布上，尽情挥洒。在我看来，他的作品帶有一种“兀然而醉，豁然而醒”（刘伶《酒德颂>）的豁达，正如他自己所说：画面中会出现神经质的东西，是针对人性、信仰和无厘头的个人精神再现，仿若兀然而醉、沉于其中，而作品的最终结果则是豁然而醒、始料未及。

在他近期的作品《娩》《彼岸花》<待到花开时》《欲之初·隐>等作品中，他大胆地使用纯色，鲜红的画面如花一样灿烂，花开经过了怒放，经过怒放而凋零，这是世间万物必经的过程。他用弧线、色彩、点染绘制画面，充分展现出一种巴洛克的激情，也是狄俄尼索斯的狂热。除了绚烂的色彩外，他还喜爱一种灰度的阴郁。在《毒气弹飞来的清晨》《空欲一八大山人梦系列》《万物生》等作品中，他通过极速运行的刚硬笔触勾勒一种错乱的交替感，笔刷拖扫过画面，汹涌如激流般贯穿其中，偶尔几处细小的刮痕破去章法、松弛有度。

从老老实实注意造型到后来可以笔随心走，再到现在的“始料未及”，他始终力求变化，努力降低画面的主题性，通过色调构建氛围。同时，他抛弃了具象的造型，以意象的方式来捕捉内心不可名状的情感——无论是值得庆幸的喜悦，还是悲天悯人的伤痛，都能在他看似平静的画面中体味到撕裂和破碎，也许这正是一种破茧而出的生命历练。这是“尖锐”与“柔和”的碰撞，他以稀薄的绘画方式直接将情感的写照加以呈现，它们相互矛盾、相互背离、相互冲突，当物性脱离了其原始的物态化层面时，呈现出与人性最为真实的连结。

阅读加勇作品最好的方法，就是去他的山间美术馆坐坐，土质的房间如同北方的窑洞，对于火炉重庆来说，这是一个避暑胜地——背靠山峦，有蛙呜有鸟叫，夜晚还会有几只蝙蝠低空划过。沉浸于他的美术馆中，在建筑的黑白与绘画的色彩之间，观看者可以充分感受到一位青年艺术家的张扬与内敛、速度与寂静，他描绘青春的痛苦，展现对现世的思辨，或是寂静如宇宙般辽阔，或是张扬如鲜血般直流。我常常被他画面的宏大所吞噬，但又无法界定他艺术的情感，似乎每一幅画，都是他的人生哲学。

加勇的这种状态，使我想起了罗杰弗莱在他所撰写的第二次后印象派展览的目录前言中所总结的那样——（塞尚及其同道者）所追求的毕竟不是仅仅苍白地反射自然外貌的东西，而是引起对一种新颖明确的真实性的确认。他们并不力求模仿形式，而是创造形式；不是模仿生活，而是发现等同于生活的东西。就这点而言，加勇和前辈们是相似的。或许，绘画对他来说是一种不可知不可遇的经历，他的创作富有激情却变化无常，充满了不可预期的效果，他的绘画是一种行动，是笔触与情感的碰触，在绘画的造型语言中，他用“推和拉”表现力量，创造力量。

他的作品犹如他的人生充满了惊奇与不可思议，作为加勇的好朋友有幸见证了他的成长与改变。也许只有穿透他的生命表皮、走进他的艺术世界，才能更深刻地体会其魅力所在，期待他不可知的未来，更报以深深的祝福……