杨志刚

18世纪中叶第一个真正的音乐厅出现至今已经快270年了，在音乐厅发展的历史长河中，到底经历过怎样曲折的历程，又泛起过多少美丽的浪花，谁是它的主流，它又有多少个支流，很值得音乐厅设计者（包括建筑师、声学设计师和室内设计师等）去审视和总结。本文从建筑声学的角度，回顾音乐厅波澜壮阔的历史进程，厘清其中脉络，寻找它们的发展共性。

1 音乐厅体型发展史的形象比喻

1748年，第一个真正意义上的音乐厅——英国霍利韦尔音乐厅（Holywell Music Room）建成。这是音乐厅体型长河的开端，“稀里糊涂”却又无比幸运地走在正确的道路上（鞋盒式），欢快地向下流淌并泛起了最壮丽的浪花（音质效果最为理想）。

1891年，第一个享有盛名且音质优良的马蹄形音乐厅——美国卡内基音乐厅（Carnegie Hall）出现了。

1900年，音乐厅体型的长河在行进了约半个世纪后，赛宾发现混响公式，奠定了整个建筑声学的科学基础。此时，混响时间是厅堂声学的唯一指标。也就是说，厅堂声学仅与厅堂容积和吸声量有关，而与体型无关。因此，音乐厅体型不再拘泥于鞋盒式，出现了圆形、椭圆形、扇形、多边形和不规则形等多种体型的音乐厅。于是，许多支流（各种体型）顺着灯塔指引的方向汇入音乐厅的长河向着前方滚滚而去。

1963年，这是个在音乐厅发展史上值得铭记的年份，德国柏林爱乐音乐厅（Konzerthaus Berlin）的建成，开辟了葡萄园式音乐厅的设计思想，并不断地发展壮大。

音乐厅体型发展的长河前进的方向越来越明确，最后逐渐形成两大主流（鞋盒式和葡萄园式）和一个分支（马蹄形）。马蹄形支流汇入了歌剧院体型的长河中，但她一直保持着一颗音乐的“心”，并且逐渐发扬光大。两大主流鞋盒式和葡萄园式音乐厅不断吸收对方的优点，有逐渐融合、携手共进之势。

音乐厅体型发展的长河，虽然总的趋势趋于明朗（图1），但是，由于人们尚未完全搞清楚音乐厅声学设计的理论，依然在不断地摸索前行。

2 音乐厅体型的发展演进

以下本着先主后次的思路，详细介绍一下音乐厅体型的发展史。

在著名声学专家白瑞纳克的《歌剧院和音乐厅》一书中提出，世界上公认的三个A+顶级音乐厅为维也纳金色大厅（Goldener Saal Wiener Musikvereins）、阿姆斯特丹音乐厅（Concertgebouw）、波士顿交响乐大厅（Boston Symphony Orchestra）；七个A级优异音乐厅为瑞士巴塞尔都市俱乐部（Basel， Stadt-Casino）、英国卡迪夫圣大卫音乐廳（Cardiff， St. David's Hall）、美国克利夫兰赛费伦斯音乐厅（Cleveland， Severance Hall）、德国柏林爱乐音乐厅（Konzerthaus Berlin）、美国纽约卡内基音乐厅（New York， Carnegie Hall）、日本东京歌剧城音乐厅（Tokyo Opera City， Concert Hall）、瑞士苏黎世大会堂音乐厅（Zurich， Grosser Tonhallesaal）。

其中七个为鞋盒式，两个是马蹄形，一个是葡萄园式。可以看出，鞋盒式音乐厅的音质效果评价具有压倒性优势，马蹄形和葡萄园式音乐厅也被大家认可。

接下来，介绍两大主流（鞋盒式和葡萄园式）和一个分支（马蹄形）的发展过程，并重点介绍几个具有代表性的音乐厅。

2.1 鞋盒式音乐厅

18世纪的厅堂建筑，由于受到建筑结构技术的约束，跨度都较小，形体也很简单，通常是长方形。又因自然通风需要足够的换气量，增加了厅堂的高度（观众产生的热气通过高侧窗排出室外，而新鲜冷空气则由下部进入厅堂，保持观众厅空气的流通和清新）。由此，自然形成了窄而高的类似“鞋盒”式厅堂，鞋盒式音乐厅由此而来。

这些音乐厅的建造均先于对声学理论的研究，当时的建筑声学仅仅停留在感性认识和实践经验阶段。霍利韦尔音乐厅（图2），可容纳约300人。当时重要的音乐厅基本上都采用鞋盒式，其中多数音乐厅的音质不仅在当时而且至今仍是世界上被公认为音质最佳的音乐厅，如维也纳金色大厅（图3）、阿姆斯特丹音乐厅（图4）和波士顿音乐厅（图5）。

20世纪七八十年代后建设的鞋盒式音乐厅（统称为现代鞋盒式音乐厅），既保留了传统音乐厅的优点，又克服了其缺点，同时融入流畅曲线的时代感（图6～图9），具体特点对比见表1。

以1962年建成的美国大卫·格芬音乐厅（原名费希尔音乐厅）为例，说明尽端式演奏台逐渐被环绕式演奏台所取代是大势所趋。

美国著名声学家白瑞纳克为纽约交响乐大厅的声学设计，根据自己的工作和访问经验写了第一部建筑声学巨著《音乐、声学和建筑》，成为建筑声学的“圣经”，但交响乐厅却失败了。因为音质缺陷严重，不是修修补补可克服的，只能拆掉重建。后费希尔捐款1 050万美元，著名声学家、哥伦比亚大学教授Harris负责设计工作，建筑师完全按照声学设计师的意见进行建造，等声学效果得到观众认可，时间已到了1992年，纽约交响乐音乐厅也变成了费希尔音乐厅。

鞋盒式音乐厅的发展必须要提到Artec顾问公司。Artec顾问公司成立于1970年，致力于利用耦合空间作为可变混响时间的措施。Artec顾问公司设计的音乐厅为了保证音质效果，均采用鞋盒式体型，利用侧墙可开启的门和顶部可升降的吊顶改变观众厅的体积，并利用吸声帘幕改变厅内的吸声量，从而达到调节音乐厅的混响时间和其他音质参量，以满足不同音乐演出的声学效果（甚至可以满足会议的功能）。Artec顾问公司设计的音乐厅声学效果普遍反映较好，最成功的当属瑞士卢塞恩KKL音乐厅（图8）。

KKL音乐厅是著名的卢塞恩音乐节的主场地，经常举办欧洲和北美的主要乐团演出。它的声学特性可以通过耦合空间来调节（7 000 m3的混响室环绕在大厅的四周，用来提高或降低音乐厅的混响时间），可以满足交响乐、声乐、流行乐、爵士、乡村音乐以及各种会议的用途。这个音乐厅之所以获得巨大成功以至于被认为是目前最优秀的现代音乐厅之一，是因为除了完善的、容易操作的声学可调装置外，业主也非常重视发挥其优异的声学特性。音乐厅建成后，业主与声学顾问签订了长期的合同，每年的国际音乐节，声学顾问都要到现场协助声学技术人员调试和控制声学可调装置。数年下来积累了大量的使用经验，针对不同的演出形式、不同的乐团、甚至不同的作品，都有一套录入计算机控制系统的声学装置设置程序。endprint

2.2 葡萄园式音乐厅

德国建筑师夏隆（Hans Scharoun）设计的德国柏林爱乐音乐厅开辟了葡萄园式音乐厅的设计思想，一种崭新的自然景观的模式：观众席环绕演奏台配置，使演员更贴近观众，增加了亲密感。夏隆解释其独特的建筑形式：“从古至今，人们在听到某处响起即兴演奏的音乐时，都会自动地围成一个圈，这并非偶然。这种自然而然的行为，从心理学和音乐的角度看都很容易理解，我们应该把它应用到音乐厅的设计中去。在这里，不管在空间上还是视觉上，音乐都应该处于中心地位。”

但是，任何新事物的出现都不会一帆风顺。该项目声学顾问、德国首屈一指的声学家克莱默就反对此方案，他还邀请美国著名声学家白瑞纳克到柏林与夏隆共商对策，白瑞纳克也认为环绕式音乐厅设计要承担很大风险。其他音乐界人士也充满怀疑，甚至提出了尖锐的批评。最关键的是，柏林爱乐乐团首席指挥卡拉扬对夏隆的理念非常赞赏，葡萄园式音乐厅方案才得以顺利进行。克莱默也只能勉为其难，努力配合建筑师的要求做好环绕式大厅的音质设计。克莱默知道，早期反射声对每位听众都很重要，为此尽可能地将听众席分为若干块“梯田”（类似于莱茵河畔的葡萄园），利用每块侧墙和边墙向听众提供早期反射声，顶棚处理上也充分考虑了声音的反射。柏林人将柏林爱乐音乐厅昵称为“卡拉扬的马戏团”（图10）。

日本三得利音乐厅（图11）最初也想采纳经典的类似于维也纳金色大厅和卡内基音乐厅的鞋盒式或马蹄形。在卡拉扬的个人魅力影响及积极游说下，相对保守的日本建筑界决定以葡萄园式为设计构造，开启了日本第一座使用葡萄园构造的音乐厅。同时，卡拉扬还协助进行了三得利音乐厅内的音响测试。在他致三得利总裁的信中曾说道：我被这个音乐厅里非凡的音响效果深深触动，它简直就是一个声音的珠宝盒。

沃尔特·迪士尼音乐厅由普利兹克建筑奖得主法兰克·盖瑞设计，主厅可容纳2 265席（图12）。这座超现代的大型建筑成为洛杉矶爱乐乐团的新家，同时独特外表引来的关注早已超过音乐厅本身，成为美国第二大城市洛杉矶的新地标。对于其厅内设计，认为欣赏音乐是一种全面体验，并不仅局限于音响效果。因此，大厅设计上，盖瑞充分考虑视觉效果、温度以及座椅等感觉因素，运用丰富的波浪线条设计天花板，以营造出华丽的环形音乐殿堂。

时任洛杉矶爱乐乐团指挥的弗莱施曼先生（Ernest Fleischmann）對厅堂提出了明确要求：“专为音乐设计单一功能的厅堂，音乐家和观众都感觉有像家一样舒适亲切的观演空间，以及丰满温暖而又清晰明澈的声音效果。”声学设计师丰田太久曾推荐建筑师采用类似奥地利维也纳金色大厅和美国波士顿音乐厅的鞋盒式平面布局。为了给厅堂选择最为理想的形态，建筑师团队制作了30个1∶96的音乐厅厅堂模型，由声学设计师利用软件进行声学分析和评价，然后盖瑞再结合自己的空间理想对原有设计进行调整，再交给声学设计师进行分析。

经过建筑与声学相结合的反复修正，迪士尼音乐厅的厅堂呈现出全新的形式——平面轮廓近似于鞋盒形，使厅堂的良好音质有了基本保证；两片连续且外凸的曲线隔墙能为观众提供足够的近次反射声，解决了平面加宽后中间观众的音质问题；弧形隔墙还在后排中部较大的观众区域中有分布，也起到反射早期声能、改善音质效果的作用。另外，厅堂的吊顶高度较低，这样便能使吊顶更多地参与到声音反射中，弥补了宽度过宽所带来的声音反射与扩散不足。因此，迪士尼音乐厅的厅堂设计借用了葡萄园式音乐厅中的声学处理方法，巧妙地打破了鞋盒式音乐厅的规模限制，在保证音质良好和座位舒适的基础上，实现了容纳更多观众的目的。

葡萄园式音乐厅主要有两个特点。

（1）演奏台位于音乐厅的中央位置（近似），观众席围绕着演奏台进行布置，拉近了乐队与听众的距离，演奏人员的围合感比较好。

（2）建立了一个完全“随意”的不规则室形，观众席像葡萄园那样分块高低错落布置，矮墙和栏板面可提供侧向反射声。

2.3 马蹄形音乐厅

在七个A级优异音乐厅中，其中两个是马蹄形，说明马蹄形音乐厅的声学效果还是一流的。现在专业音乐厅已经很少采用这种形式了，但并不代表马蹄形的音乐演奏形式的消失，相反它在歌剧院中得到了发扬光大。在歌剧院演出交响乐相当普遍，只需要在舞台上加设音乐反声罩就能较好地满足交响乐的声学特性，其形式和马蹄形音乐厅基本一致。马蹄形音乐厅和马蹄形歌剧院（加乐罩）的图例见图13～图18。现在国内大型的大剧院，一般都会配置音乐反声罩，在剧院内举行交响乐音乐会十分普遍，甚至比歌剧演出的场次都要多。主要原因一是国内专业的音乐厅还比较少，二是剧院内交响乐音乐会的声学效果还是比较好的。

马蹄形音乐厅主要有三个特点。

（1）演奏人员和观众相互分开（缺点是演奏人员和观众不够亲近）。

（2）观众区类似马蹄形（借鉴了马蹄形歌剧院音质好的优点）。

（3）舞台区域被像音乐反声罩的结构设计所包围（重视舞台乐队之间的相互听闻效果）。

卡内基音乐厅可能是最早的、音质效果良好的马蹄形音乐厅（图13）。著名美国小提琴家艾萨克·斯特恩（Isaac Stern）曾说：“有人说这个音乐厅本身就是一件乐器”，“它能感受到你的一举一动，并将其升华”。乐队在舞台上演奏的声音是柔和的，乐队后面的乐器不像古典鞋盒式音乐厅那样响或有穿透力。

一般来说，相比于专业的马蹄形音乐厅，剧院配置音乐反声罩演出音乐会还是有一定差距的，主要原因有三方面。

（1）剧院以歌剧演出为主，即使配置了音乐反声罩，相对于专业音乐厅混响时间还是短一些，因此，音乐的丰满度略微不足，清晰度相对较高。

（2）剧院配置的音乐反声罩为了搬运和吊装方便，一般都比较轻，如采用纸蜂窝板或铝蜂窝板。因此，低频吸收比较多，如打击乐器听起来感觉力度不足。endprint

（3）剧院一般不设管风琴，一些需要管风琴配乐的交响乐就无法演出了。

剧院也在尝试解决以上缺点，如歌剧院的混响时间设置得长一些，如1.6 s，配上音乐反声罩后，混响时间可提高到1.9 s左右。阿曼的马斯喀特皇家歌剧院则较好地解决了（2）和（3）的缺点。这个剧院可以从1 100座的歌剧院变成850座的鞋盒风格的音乐厅。它设置了500 t重的和观众厅整体装饰风格一致的音乐反声罩（包含一个70栓、4 542根管的管风琴），平时放置在后舞台。音乐会时，可以通过铁轨引导，与观众厅墙面无缝连接，并且乐池升起作为舞台的一部分（图18）。

说完了两大主流和一分支，再来简单浏览一下众多的支流，见图19～图24。

3 音乐厅体型的现状和未来发展趋势

如果把鞋盒式音乐厅比作穿西装的男士，而葡萄园式音乐厅就像时尚的女士，马蹄形音乐厅就像旅居海外但始终拥有一颗“赤子之心”的游子，接下来看一下音乐厅体型的现状和未来发展趋势。

（1）音乐厅在重视声学的同时，越来越重视乐队与听众之间的亲近感和围合感，特别是在乐团有发言权的时候。

戴维格芬音乐厅（David Geffen Hall）位于纽约林肯中心，纽约爱乐乐团的家（图25）。最初被命名为爱乐音乐厅，后改名为埃弗里·费舍尔大厅。近期准备改造，要求外观不变，重新配置空间以满足新的需求，改善大厅的音响效果，并创建一个乐团和观众之间的亲密感和随意性。本来英国福斯特及其合作伙伴赢得了最初的设计竞赛，纽约爱乐乐团新领导上台后渴望改变传统的音乐厅形式，决定征集新的方案。最后选择了伦敦的赫斯威克工作室和多伦多的钻石施密特建筑事务所重新设计，预计2019年开工。

正如管弦乐队的新任领导Matthew VanBesien所说：“如果你不考虑我们的艺术形式、音乐和观众的演变方式，你就不会长期为艺术形式服务。”“我们想要的是一个有着非常出色的音响效果的音乐厅，但要有一种亲近感，一种直接的感觉，一种近乎发自内心的品质。”“有些人会选择一个更正式的音乐会环境，但毫无疑问我们会在自由的环境下进行长期的排演。”

葡萄园式音乐厅的最大特点就是乐队与听众之间良好的亲密感和围合感，乐队和指挥们都比较喜欢与观众的近距离接触和“众星捧月”的包围感，举行音乐会时也显得更有生气，这也许就是葡萄园式音乐厅设计得越来越多的原因。葡萄园式音乐厅为了体现完整的围合效果，往往管风琴露在外面的管子比较少。有的放在舞台后部偏上一些，也有的把管风琴放在侧边。如德国易北爱乐音乐厅做的相当合理，管风琴根本不影响座位的排列（图26）。

鞋盒式音乐厅也逐渐认识到这一点，新设计的鞋盒式音乐厅基本上都会在舞台的侧边和后部设置观众席，如波兰国家广播交响乐团音乐厅。

正是由于马蹄形音乐厅的演奏人员和观众相互分开的固有缺点，使得演奏人员和观众不够亲近，才导致马蹄形的专业音乐厅逐渐消亡，归入马蹄形歌剧院的长河而去。

（2）鞋盒式和葡萄园式音乐厅相互借鉴，有相互融合、共同发展之势。

根据对大量鞋盒式和葡萄园式音乐厅的空场实测，结果表明：

① 距离声源10 m～40 m之间的G值下降量，鞋盒式音乐厅为2 dB～3 dB，而葡萄园式音乐厅则为4 dB～5 dB；

② 厅内各点200 ms内增涨值的最高和最低之差，鞋盒式比葡萄园式音乐厅的小，说明其均匀程度较好；

③ 用检验音质纹理的新技术对这两类大厅许多测点比较后，发现鞋盒式音乐厅中各处差异小于葡萄园式音乐厅。

鞋盒式音乐厅不断改进自己体型“单调古板”的缺点，并吸收葡萄园式音乐厅的“演奏台在中央、分区时尚、形体随意”的优点。葡萄园式音乐厅也认识到自己的不足（宽度太宽、声压级偏低等），并吸收鞋盒式音乐厅音质好的优点。两条主干在前进的道路上不断修正自己的偏离度，逐渐汇集到一起，形成了一种结合体，携手前行。

如英国布里奇沃特音乐厅（Bridgewater Hall）（图27）、日本横滨港未来音乐厅（Yokohama Minato Mirai Hall）（图28）、澳大利亚查茨伍德中央大厅音乐厅（chatswood concourse concert hall）（图29）平面体型都是鞋盒式，但楼座均采用了分区且观众席围绕着演奏台进行布置。

中國最早的两个音乐厅为上海音乐厅（图30）和北京音乐厅（图31），都是由老建筑改造或重建而成，体型均为鞋盒式。国内鞋盒式的音乐厅还有国家大剧院音乐厅（图32）、武汉琴台音乐厅（图33）等。

为了保证足够的座位数，葡萄园式音乐厅一般都是以演奏台为中心在水平方面展开布置座位，如最早的德国柏林爱乐音乐厅、澳大利亚悉尼歌剧院音乐厅、德国加斯泰格交响乐厅等，所以音乐厅的宽度一般都比较大。葡萄园式音乐厅逐渐借鉴鞋盒式音乐厅的优点，尽量减少厅内的宽度，通过增设多层楼座以保证足够的座位数。如美国考夫曼表演艺术中心的赫尔兹伯格大厅（图34）、德国易北爱乐音乐厅（图26）、法国巴黎爱乐音乐厅（图35）等葡萄园式音乐厅。

中国的葡萄园式音乐厅，如广州星海音乐厅、东方艺术中心交响乐厅（图36）、盛京大剧院音乐厅（图37）等。

参考文献：

[1] 白瑞纳克. 音乐厅和歌剧院[M]. 上海：同济大学出版社，2002.

[2] Klaus Gehrke. 柏林爱乐音乐厅：50年非凡历程. 雨涵，译. 德国之声，2013.

[3] https：//en.wikipedia.org/wiki/List_of_concert_halls.endprint