在对很多艺术家的作品观赏、范例的解读之后似乎艺术也有好坏之分，不管是之前的艺术史还是至今的当代的视觉艺术，我们不能排除有鱼龙混珠的成分，但是总体而言视觉艺术已经走向平民、走向生活的点滴，而不仅局限于重大事件或者历史变革，其更贴近于人们的思维、情绪、感受。我突然就有好喜欢的感觉，再深奥的艺术都该是来源于生活而不是凭空臆造的。泛读之后也只是对这30年艺术发展进程中自己相对了解的领域感受较深，有些例如宗教信仰，科学还有待进一步深读。

整本书八个章节，第一章節算是总体纵向角度的概括，横向分为身份，身体，时间，场所，语言，科学自己精神性七个主题。每个主题所罗列的理论自己艺术家的实践都有种“好神奇，好勇敢，他们真有创造力”的感觉……

身份，很多艺术家创作的主题。有根据艺术史人物肖像、自画像转换形式的再创造、也有根据种族，民族，性别和性的集体性关系、文化的交融衍生身份的驳杂属性、由特定文化和政治环境所建构的后天得到的处境、模仿扮演艺术家或者名人等角度来演绎身份这个主题。

艺术的初学者往往沉湎于自己到底是谁的问题，并在创作中表达这种困惑。这也包含了一些战后艺术家包括杰克逊·波洛克、马克·罗斯科在内，他们认为自我身份在于完整稳定、独特富有意义的内心。同时他们不仅从个体身份同时也从自我的公共身份来认识自己，如詹姆斯·鲁纳，他把自己呈现为一件活生生的艺术品，打破人们认为印第安人已绝迹的印象，揭露西方对美洲原住民的刻板化印象。与鲁纳一样被定义为社群归属的还有批评家露西·利帕德，他们这些艺术家利用各种艺术展来表明集体身份，尤其从人种、种族、性别和性方面来界定身份问题。

对身份问题的探索，最早要追溯到艺术史中的人物肖像画和自画像。例如伦勃朗、梵高、培根、安迪·沃霍尔等，培根的作品展示了艺术家令人惊奇的创作能力还有沃霍尔运用色彩创造知名人物的大众传媒肖像。虽然艺术和身份间的联系始终存在却也受到政治、经济、科技、宗教信仰、人文风俗等因素产生新的发现与阐释。

二战以后独立个体身份的关注逐渐转换为今天的社会和文化身份，如卡丽·梅·维姆斯的《餐桌系列》，简单看去像是普通的肖像作品，纵观整个系列会意识到女主角的身份是被她的性别、劳作阶层、社会历史等表征而得。

当艺术家用某些宽泛的词语来命名自己时往往会产生一定的政治意义。他们会遭到来自其他国家或领域的歧视或被定型，艺术家用抗议、示威、演讲甚至行为艺术等来表示抗议，著名的有“游击队女孩”，一个抗衡父权体制的女性主义组织，她们出现在公共场合时都戴着黑猩猩面具并掩盖身体的服装，并提出：女人是否一定要赤身裸体才有资格进入大都会美术馆？这样直接但呼吁女性群体身份地位的问题。

同样也有一些概念化的身份问题被提出，例如围绕女性的怀孕、生产、月经或者女性承担家务这样女性身份问题，这种比较单一且主题明确，他们主要声明人们不能代表女性来作出关于女性断言，比如女性承担抚养孩子照顾伤病的主张都应被抵制。

来自移民、迁移及接触其他文化带来的持续不断的文化交流和同化带来了身份问题的驳杂性，毕竟信息社会不是与世隔绝的，例如中国艺术家刘虹，早年移民到美国，同时接受着美国文化以及中国的本土文化创作出中国元素的妓女和维多利亚时期精致的西式布景拍摄的影像，这里融合了中国世界观和美国世界观的文化冲突和文化合成。

在这些里印象比较深的有模仿、扮演别人的辛迪·舍恩和森村泰昌，还有作为伊朗妇女身份经流离失所缺失信仰的奈沙特。最为沉迷的是舍曼的摄影作品。一组由69张照片组成的无题和数字编号命名的作品，她用摄影的方式拍摄下每个她想展示的女性身份，让大众深入了解并反观女性的地位，她以自拍的方式显示自己，同时也是千千万万个生活中的我们。我想它珍贵在于她的观念，在于她看似随意却很严肃的态度，贵在人们可以在她的作品里想象任何内心想表达的东西。从她的作品里我能感受到她不羁的艺术风格，不受主流的画面构图、用光、色彩理论的约束，大胆展现她想表达的。因此她的画面里不乏假肢、丝袜、裸露、性和各种形态的真实再现。很多时候考虑过多的构图色彩用光会忽略了你想表达的本意，受到的牵绊越多，越做不了真我。舍曼的观念摄影大多是有隐喻意味的，需要多了解画面，画面里她会精心安排些道具或者背景，每个人都能得到不同的感受。我想这样的艺术才算成功的，不限制读者的想法，一个火花照亮一片夜空。

身份的演绎角度不一、形式不一，在观赏他们的作品时分析画面的各种元素之外还需要结合作者的生活背景而不是仅从类似构图、用色等审美角度，比如《餐桌系列》《无标题电影剧照系列》，看上去只是简单的人物肖像，但纵观作品就会发现并不然。我想这也是我们艺术工作者与观者之间最直接的交流方式，无言之中给人性以最默契的共鸣。

作者简介：

孙海文（1993.08—），女，汉族，江苏淮安人，河南大学艺术学院，15级在读研究生，硕士学位，专业：艺术设计；研究方向：影像与数字媒体。