【摘 要】作为一名演奏者，舞台的实践能力是必备的一项技能，通过舞台我们所要表达的音乐、表演、情绪等都会直接地传递给观众。本文从如何在舞台实践中保持良好演奏状态以及平时台下应注意哪些训练两方面来展开个人的理解和阐述。

【关键词】舞台实践；内心音乐

中图分类号：J604.6 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）10-0083-01

音乐是一种声音的艺术。这个“艺术”是抽象的，它没有具体的参照物，是通过时间展开音响构成的各种要素来直接激发听者的情绪、情感和意识。音乐具有旋律性、歌唱性的特点，因此在舞台实践中要把内心旋律的音乐放在第一位。在演奏中经常会碰到紧张造成的肢体僵硬或者大脑瞬间空白导致忘谱现象等，接下来主要分析解决在舞台上出现的上述问题。

一、如何在上台演奏时做到不紧张

每位登过舞台的演奏者都会经历不同程度的紧张状态，因此我们要探索的就是在舞台上怎样适度放松生理心理，确保在一个相对紧张的状态下圆满完成表演或演奏任务。笔者认为：（一）在登台前不要给自己太大压力，也不必有不自信的情绪去否定自己。（二）演奏技术上的障碍。一首完整的器乐作品肯定会有技术上的难点要去克服，在台下训练的时候应该对难点做针对性的强化。日常练习中要遵循科学有效的方法去增加乐曲的熟练度。（三）舞台上肢体动作僵硬。动作僵硬顾名思义就是“放不开”表情不舒展，整体给人感觉就是舞台经验匮乏。肢体动作也是我们传达音乐情绪的手段。譬如：琵琶曲《十面埋伏》中有大幅度的扫弦技法，目的就是加强渲染楚汉相争兵戎相见的厮打场面。因此在此处的扫弦动作演奏者应表现出果断一气呵成；大臂和小臂的动作要一致，有种“提拉向上”且不拖泥带水干净利索的感觉，把乐曲所要表现的张力控制得刚刚好。演奏者举手投足之间流露的是对于音乐的传递和理解，而且要满足大多观众的审美标准。

二、注重内心旋律对舞台实践的影响

（一）内心音乐的塑造。在舞台这个高压坏境下，如何能自如地演奏手中的乐器是至关重要的，舞台演奏不同于平时训练，舞台演奏最终目的是表达音乐。音乐是具有歌唱性旋律性的，是有情感有起伏的乐音而不是单调乏味的音符，因此在演奏时应该明确一个概念——“心手相同”，即“心”是内心音乐的歌唱，“手”是技法的演奏。因此在台下训练，第一，要培养内心的听觉和对音乐的感知。先有“心”再有“手”，先有旋律再有技法，讓双手本能地去选择接下来要进行的音乐。大致整个音乐段落小到一个音符都要让它注满情绪，使之具有生动活泼的灵魂。在演奏时把旋律感放在心中，以此来带动演奏技法，不仅会培养我们良好的音乐乐感，也会帮助我们演奏时音与音之间的连接。在训练中就可以刻意地模拟一遍“舞台情境”，在这一次练习中可以给自己一种舞台心理暗示。譬如适度心理紧张及演奏前气息、肢体状态、演奏中情感表达的调节。第二，内心音乐的塑造非一朝一夕得来，而是从平时训练中日积月累而来。简而言之就是：技术需要训练，情感培养更需要训练。甚至“技术”的训练也是具有美感和情感的。所以无论练习曲还是乐曲都要养成内心音乐塑造的惯性。演奏技法上，我们可以通过勤奋刻苦的训练来逐步达到手指的惯性，在舞台上绝大多数的演奏就是依托于技术上养成的惯性。心理的音乐不用在舞台做夸张的音乐情感处理，也是依靠平时内心音乐训练的惯性去完成的，因此一场余音缭绕成功的音乐会或演出，给人的是一种视听盛宴。在审美上，脱离低俗趣味符合大众对美感的要求。在音乐上，感觉所有的音符都是从演奏者手指尖“飘”出来，有着行云流水信手拈来的感觉，音乐情绪饱满富有感染力。

（二）演奏中气息的调整。音乐中力度的大小和音量的强弱都是由气息决定的。这里的气息有别于生理上的呼吸，这里的呼吸是指演奏中气息的运用和调节。有项较难的技术，譬如弱奏，弱奏是很讲究也很难做到的技法。在一段音乐中旋律走向由高潮激情向舒缓优美的片段递进时，弱奏显得尤为重要。在这里要学会调整好气息尤其是弱奏部分，气息相对比较浅且缓慢，再去指导手里的技法，则“音断气不断”，该弱的地方弱，该强的地方则要瞬间调整气息，把手上的力度推上去。同时，注意乐谱中的力度标记等音乐语言符号及气口等，这都是演奏中气息运用的表现。

三、结语

舞台实践对于演奏者来讲是必经之路，只有经过舞台上的锻炼，才能使我们的演奏技法和心理状态都日趋成熟。笔者认为养成良好的舞台演奏适应能力对个人音乐素养的提高有很大帮助，作为演奏者要反复去实践，慢慢总结经验，才能在舞台上充分展示自己的音乐水平，达到音乐与表演相融合的最高境界。

参考文献：

[1]罗树仙，罗宇佳.音乐表演者专业素养结构探析[J].民族音乐，2012（01）.

[2]田雪婷.音乐表演者的培养与训练[J].大众文艺，2012（14）.

作者简介：

吴美仪（1991-），女，中国民族管弦乐琵琶专业委员会，江苏省音乐家协会琵琶协会会员，南京非物质文化遗产白局音乐伴奏师，南京师范大学音乐学院琵琶硕士。