刘雨琳

单色画的油画特性是用黑白色来调颜色深浅，它强调色彩关系，可以表达冷暖甚至情感。单色画的创作过程受到创作者自己的思想观念和主观情感的支配。历史的变迁和时代的发展以及审美观念的革新使越来越多的艺术家关注单色画。单色画相较传统油画色彩更能表达个人的思想观念，并且单色画奇特的视觉体验能带给创作者和欣赏者别具一格的内心感受。以格哈德·里希特、严培明、毛焰的单色画作品为例，对单色画进行分析，探析单色画中的创作精神和审美、情感等。

一、单色画的发展脉络概述

从中西方色彩的纵向发展脉络来考查，有利于我们了解单色画的起源和历史进程，帮助我们更好地理解当代单色画的审美意蕴。

（一）中国水墨画

从中国的单色画历史来说，从古到今水墨画是中国的代表单色画，其体现了中国艺术的博大精深。中国人对单色画有如此情结是受道家、儒家思想的影响。老子认为“五色令人目盲”，正如他提倡的道法自然的哲学思想。孔子的儒学思想主张朴素，倡导中庸之道的美学思想。这些思想潜移默化地影响着文人画家们的艺术思想和审美取向。提到中国的水墨画就不得不提起玄色。何谓玄色？在哲学概念上，老子在《道德经》中说：“玄牝之根，是谓天地根。”“道学”称之为“玄学”，所以这里的“玄”等同于“道”。在颜色上，古人把“玄”与“阴”联系在一起，在解释《易·坤·文言》中“天玄”的含义时说：“天者阴，始于东北，故玄色。”推导出“玄色”即“黑色”或“墨色”。关于“墨色”，中国画家提出“墨分六彩”。六彩指的是从浓到淡、从干到湿、从黑到白等多种绘画语言层次。中国水墨画家受到古代哲学观念的影响，执着于对黑白两色的研究。《老子》中提道：“知其白，守其黑。”概括出传统水墨画中的黑白之道，落墨为实，留白为虚。文人士大夫认为朴素纯粹的单色画最适合体现他们的典雅、超脱、淡泊之情，所以大多文人士大夫认为彩色绘画媚俗，单色画能更好地表现其高尚情操和文化素养，只有少数民间画家和平民百姓喜欢彩色绘画。

（二）西方单色画

从西方单色画的历史发展来看，单色画最早出现在古希腊时期的黑绘式和红绘式陶器上，还有法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。油画颜料的出现是从19 世纪中叶亨利·派肯发现合成颜料木槿紫开始。公元3~4 世纪，由于基督教文化中光和色彩象征着上帝的伟大力量，因而在科学领域和美术领域把对光和色彩的研究当成一桩伟大的事业，色彩逐渐丰富。西方油画从宗教画中分离出来之后，长期受到宗教的影响，颜色上以庄重肃穆的单色固有色为主，以棕色色调呈现。例如，西方古典油画代表画家达·芬奇的作品更关注明暗变化，无鲜明色彩对比，因此艺术家们削弱了对自然界色彩的探索，也阻碍了色彩张力的发展，直到印象主义的出现，人们才把目光转移到自然界中探索更多的色彩可能性。

二、走进当代单色画的审美情境

当代油画单色画是从1913 年卡西米尔·马列维奇《白底上的黑色方块》作品的诞生开始，它也标志着至上主义的诞生。《白底上的黑色方块》作品是在一张白纸上画了一个被均匀涂黑的正方形，作品在展出时引起了巨大的轰动，他的绝对主义无疑是对绘画群的反叛。马列维奇运用朴素的形式和纯粹的色彩进行艺术变革，这一崭新的艺术形式为当代单色画的发展开辟了道路。之后的伊夫·克莱因再次将单色画发扬光大。伊夫·克莱因受到禅宗思想影响，在绘画创作的表达方式上重精神、轻物质，想体现纯粹精神的观念达到无形之境。为了体现纯粹精神境界，伊夫·克莱因认为唯有单色画极度的单纯性才能让他体会到与空间同化的感觉，他才是真正自由的。综上所述，艺术家认为单色画比传统绘画更能直接表达出画面的内容和创作者的艺术精神，比起丰富的色彩更能直接引起欣赏者情感的共鸣，领会与传统绘画不一样的审美意境。

三、当代单色画作品审美意蕴解析

（一）格哈德·里希特的图像灰色画

摄影技术的出现使绘画受到强烈的冲击，绘画的地位受到威胁，但格哈德·里希特始终是架上绘画的坚守者，他不是要在传统绘画和现代绘画之外另立门派，而是探索更多传统绘画的可能性。格哈德·里希特从20 世纪60 年代开始创作了大量的灰色画，他的图像灰色画创作持续了很长一段时间。首先，格哈德·里希特是灰色单色画的伟大实践者，他把灰色发挥到极致，他画中的灰色并不是单调的灰而是层次丰富的灰，并且他尝试搭配不同的灰，例如青色、土色系等，再通过他独创的模糊性笔触，给人失焦的照片感或模模糊糊的感觉。就像格哈德·里希特所说他不是在临摹照片而是制造照片。其次，即使格哈德·里希特努力在绘画中强调客观和中性的立场，不能否定的是他在画和“二战”相关的作品时所带入的感情，经历过“二战”的格哈德·里希特搜集了许多纳粹残酷暴行的照片并进行创作。最后，格哈德·里希特选择单色进行创作与他的反形而上观念有关——隐藏的物性观念。与马列维奇的艺术观不同，格哈德·里希特是个唯物主义者，他认为只有单色画才能直接传达绘画的物质性，绘画本身就构成一个自然，所以格哈德·里希特在创作中弱化色彩和模糊笔触是为了突出另一种存在，即绘画自身的实体形象。

（二）严培明“这样死，这样活”

严培明，1960 年生于上海，以一系列巨幅单色肖像引起中西方瞩目。2014 年，严培明在北京天安时间当代艺术中心举办“这样死，这样活”新作展，这是他在国内举办的第四次个展。在“这样死，这样活”个展中，严培明首次涉及母亲、静物等主题，还描绘了动物、自然风景等，从物象入手探讨了“生”与“死”。走进法籍华裔著名画家严培明的绘画艺术，最具有标志性的色彩便是黑与白，“这样死，这样活”个展中的两幅作品《我跪着》和《妈妈·我》都是巨幅黑白画像，巨大的画面刺激观众的视觉，令观众感到震撼，惯有的黑白风格使这两幅画显得格外沉重和悲怆，强烈的黑白冲突以及充满力度感甚至狂放的笔触营造出具有生命感的画面。值得一提的是这两幅作品独特的呈现方式：跪着的画家肖像正对着他的母亲肖像，体现了严培明本人跪在母亲面前的虔诚之心。严培明在他的所有黑白作品中把黑白两色发挥到极致，他并不想表达美好，他把悲伤之感和某种说不清、道不明的情感透过作品这面“镜子”让观众体会到这种情感并产生共鸣。严培明曾说他的绘画并不纠结死，而在于探索活着的意义，对于他来说，死并不能逃避，所以要更加热爱生命，思考活着的价值。

（三）毛焰的托马斯肖像

从1999 年起，毛焰开始画托马斯肖像，坚持了十多年，创作了上百幅托马斯肖像。为何画一个白人形象这么多年？毛焰认为托马斯形象能够避开一切绘画中的意义指向，他把托马斯当作是一个无关紧要的形象。正是因为托马斯不具备任何目的指向，毛焰对待托马斯就如同莫兰迪对待静物，可以心无旁骛地投入创作中。首先，毛焰的作品在内容上无情节，无主题，无任何中国符号，这种无符号更容易让他通过画面把自己的情绪传达给观众。其次，毛焰是具有古典情结的人，他十分敬佩古典主义绘画大师德拉克洛瓦、丢勒等人，古典主义大师的艺术思想就是他艺术观的航标，从毛焰的作品构图上明显可以看出承袭了古典主义衣钵，他的作品透露出浓浓的古典味。最后，毛焰在单色画形式象征上形成了自己独一无二的风格：混沌的灰色，微妙的色彩变化，笔触的晕染感，颜料与松节油的稀释结合，具有水墨画的意蕴。此外，毛焰还尤其强调艺术家自我个性在绘画中的体现，因而托马斯肖像系列只是他思想的一个载体，是他个性的投射。细细品味毛焰的单色画作品，能观察到他把握人物精神气质的精准，感受到画面的意境，仿佛画出人物的灵魂，也好似注入了自己的灵魂，被虚化的形体仿佛被抽离的背景，颇有虚实相生、传神写照的中国绘画精髓。

四、小结

概而观之，油画单色画的审美意蕴可以概括为两点：第一，在感性表达上，单色画比起传统绘画来说创作者和接受者对作品的感触更直接、更单纯；第二，在理性观念上，创作者可以把单色画当作主体画家与客体宇宙生命的载体等精神层面的衍生。当代单色画的出现除了带给艺术家更多的选择，也带给观众多样的艺术体验。本文把当代单色画当作透镜，也是为了证明艺术的革新与思想的进步并不代表着艺术家只有两条路可走，即完全抛弃传统创立新的艺术或者完全投靠现代主义，还有另一条路，那就是在传统基础上的革新，革新成功的关键在于艺术家一往无前的探索精神。