杨晨

摘要：钢琴源于17世纪的西方，现已成为大众熟知的“乐器之王”。钢琴演奏技巧复杂且困难，涵盖内容广，需要手、脑、眼、脚、手腕、手臂等共同配合。随着时代的变更和发展，钢琴演奏技巧也在不断改进和优化。演奏者想要高质量地完成一首钢琴曲，单凭技巧是远远不够的，自身丰富的音乐素养同样重要。因此，笔者从分析钢琴演奏现状出发，就如何提升演奏水平提出一些对策。

关键词：钢琴演奏  技巧  音乐素养  对策

中图分类号：J624.1文献标识码：A文章编号：1008-3359（2023）03-0185－04

一、钢琴演奏中出现的问题

（一）弹奏技巧不扎实

“万丈高楼平地起”，任何乐器的演奏都需要表演者具备扎实的基本功技巧，钢琴这种复杂乐器就更不例外，小到指法的运用，大到手指的控制能力，都需要经过严格的训练，不然呈现出来的作品一定经不起推敲。演奏中常见的问题有：演奏者手指跑动不清晰、提速困难、和弦发力不正确、身体手臂僵硬、手腕发紧等，而这些问题的出现都反映了教师的不规范教学以及学生不科学练习。教师指导学生弹奏时，一部分人把精力放在了纠正错音和节奏方面，有些甚至只顾作品是否能从头到尾演奏，根本不注重技巧训练。学生在不规范的指导下又反反复复地错误练习，结果可想而知。

（二）心理素质极差

“演奏”这个词语对于乐器来说是再恰当不过了。演奏者学习钢琴除了为自我欣赏，更多的是为了将来能在观众面前进行“演”示。每位上台的演奏者最完美的状态应该就是精神饱满而又自信充足，但实际情况是，大部分人在上舞台时都表现出紧张，这是一种正常现象，包括世界著名钢琴家郎朗，他曾说过，虽然已经开过上百上千次音乐会，但依旧避免不了刚上台的紧张情绪。郎朗的紧张与很多学生紧张不一样，他是由于兴奋，而这种兴奋能帮助他呈现出一场完美的演出；但很多学生表现出的是害怕、怯场、双手发抖、越弹越快、忘谱等，甚至不能流畅地弹下去，如果不能及时调节紧张情绪，那结果是非常糟糕的。笔者分析，有以下几点原因可导致学生心理素质差：第一，上台经验太少，平时只顾闷头练习，缺乏舞台演奏经历；第二，曲目准备不充分，这种情况包括节奏错误、多处错音、没有解决乐曲中的难点之处、练习时间不够等等。

（三）指导教师专业能力不达标

学生学习钢琴，找对老师是重中之重。优秀的钢琴教师能帮助学生打好地基，让学生能够在音乐的海洋中自由翱翔。笔者认为，合格的钢琴教师最重要的一点是，既会教技术又会教音乐，音乐与技术并重，并不会只强调其中某一方面，这就要求教师必须具备扎实的音乐功底。据笔者了解，现阶段一部分钢琴教师并不是科班出身，他们当中有些不是音乐专业毕业，整体专业素质不高，没有扎实的基本功技巧，没有接受过正规的钢琴教育，有些还缺乏音乐理论知识。有些教师在给学生讲解乐曲时只顾所谓的“标准手型”，不重视技巧训练，甚至不能亲自示范，学生无法得到系统的教学，弹出来的音乐一定是呆板、没有生机的。

（四）音乐理论知识薄弱

“乐理”即音乐理论基础，是所有器乐、声乐的前提。乐理知识面广，涉及知识点丰富，是我们学习钢琴的学生必须掌握的一门课程。放到钢琴上来说，就有五线谱、节奏、音高、调式调性、音阶、琶音、和弦等相关知识点。理论是演奏的基础，如果不能准确识别音高，就无法正确拍打节奏，那呈现出来的作品就是漏洞百出的。所以就有“学乐器，先学乐理”这样的说法。实际上很大一部分学生乐理知识是非常薄弱的，多数体现在识谱慢、识谱错误多、节奏感差、节奏把握不到位等方面。而教师在平时教学中也不重视理论知识，尤其是节奏节拍的训练，导致学生弹错节奏而不自知，后期想要改正难上加难。

（五）盲目追求考级，拔苗助长

乐器考级是检验学生学习成果的方式之一，但不是学习目的。编者在制定、编排每一级别的考级曲目时，都遵循着由易到难、由浅到深的原则。拿钢琴考级来说，每一级都涵盖了乐曲、练习曲和复调三大作品类型，曲目无论是从篇幅大小或是技术难度都在逐步增大，音乐性就更不用说，中高级别的曲目有大量浪漫派时期的作品，这些作品不仅要求学生有精湛的手指功底，还需要表达出复杂的情感。这对于大部分低年龄段的学生来说是相当困难的，因为他们没有丰富的人生经历来帮助他们理解、感知作品的内涵。所以，如果盲目“跳级”，很大可能会导致演奏者因为技术不到位或者不能把握作品的音乐性而造成不能从容应对考试，甚至考试不合格的结果。现阶段，越来越多的家长选择培养自己的孩子学习一门乐器，希望孩子学习两三年甚至更短时间达到“高级”的标准，加上一部分培训班教师也迫切完成教学任务，在孩子基本功还欠缺的基础上大量练习难度很大的曲目，磨灭了孩子学习音乐的兴趣，有些学生甚至因为不规范的练习造成手指机能不可逆的损伤。所以，笔者在此建议，合理对待考级，遵从孩子身心发展规律，让他们能够自信、稳健走好每一步。

（六）过分注重技巧，忽略音乐性

在“钢琴之王”李斯特的年代，钢琴技巧发展到了前所未有的高度。李斯特那一双能跨十几度的大手，仿佛能够轻松驾驭世界上所有超难度的作品。但凡他举办个人音乐会，整个大厅座无虚席。那时候的人们都想要目睹李斯特超炫的技巧，感叹钢琴这样的庞然大物竟还可以这样“玩”。从那时起乃至今日，仍有一大部分人认为演奏钢琴就是演奏技术。我国很多钢琴教师都非常严格地纠正手型，花大把时间训练孩子手指的独立性，要求跑动快速清晰。所以放眼全世界钢琴大赛，中国选手永远都拥有完美的技巧，甚至有些评委的评价是中国学生的技术让他折服。但同时也表示，完美得像一台机器。在他们看来，优秀的钢琴演奏家一定不是不会犯错的机器，而是能真正打动观众的活生生的具有丰富情感的人，这就意味着技术没有音樂重要？当然不是，没有好的技巧怎能从容、优雅地表达心中的情感？钢琴教师应该认识到技术是服务于音乐的，技术也是音乐的基础，技术与音乐相辅相成。因此，教师在讲解钢琴技巧的同时，还要带领学生感受每一个音、每一个乐句的起伏变化，将内心所感通过手指充分表达出来。

二、提升钢琴演奏水平的策略

（一）技巧训练

钢琴技巧复杂，涵盖面广，如手指独立性、跑动、八度、音阶、琶音、和弦等技巧。训练过程漫长，枯燥无味，且一定要有正确、科学的练习方法，否则就是事倍功半，浪费时间。笔者根据自己多年的演奏和教学经验，总结出以下几点技巧训练方法。

1.重量训练

重量训练就是手臂自然重量训练，是弹奏曲目的前提。如果学生学琴之初不能很好地掌握，后期弹奏曲目时可能会出现手臂、手腕酸痛等情况。所谓自然重量，就是指在有了良好的坐姿和手型后，习琴者整个手臂（后臂带动前臂）從离键盘上方一定的高度自然落下，最后以手指的三个关节作为支撑，防止手腕下压。这个过程看似容易，但对于初学者尤其是年龄较小的琴童来说理解和掌握起来较困难。他们往往会出现以下几种情况：手臂抬得过高；身体僵硬无法将手臂抬起；手臂抬起后，在落下的过程中后臂将重量“夹”住了；落下后手指、手掌没有撑住，导致手腕下压；将“重量”和“力量”混淆。为了让初学者更好地体会手臂自然重量，教师可将“大猩猩手臂”这一形象概念融入训练中。其一，让学生观看大猩猩图片，描述其有一双粗壮的手臂；其二，让学生想象自己就是大猩猩，在教师的带领下做“手臂捞月”的动作：身体前倾，将手臂自然下垂，接着将重重的手臂慢慢举高，最后自然落下来。全程教师可托住学生的手臂，检查他们动作是否规范。这样反复练习之后，可加入音符进行训练，从落单音到落双音到落和弦。

2.手指、掌关节训练

我们每个人的五根手指长短不一，灵活性也不一，大多数情况下，四五指是最“笨”的。那是由于四五指连着一根筋，互相牵扯，很难独立自如地“工作”。不仅四五指，钢琴学习者的每一根手指都要进行严格的独立性训练。最常用的方法是高抬指练习，即在掌关节支撑良好之后，五根手指分别占位不同的琴键，1指（大指）像剪刀一样打开、落下，抬2指（食指）时，可将后三根（3、4、5指）一起抬起，但落下只落2指；抬3指（中指），四五指帮忙一起抬起，落3指；抬4指（无名指），5指帮忙抬起，落4指；5指（小指）可独立抬起。这种方法需要注意的问题是：第一，掌关节支撑良好是前提；第二：手指不可抬得过高，手掌形成自然的弧形即可，避免手指过度紧张；第三，由于后三根手指独立性很差，需要互相帮忙，不然容易拉伤肌肉；第四，落手指时让手指自然落下，而不是另外施加压力；第五，落键应迅速果断，接触琴键后要放松。此方法虽然看似为手指活动，实则是训练我们的手掌关节。教师可将此方法形容成大老虎，掌关节即是大老虎的血盆大口，老虎张开嘴巴后，牙齿（即手指）快速咬下去。笔者需要提醒大家注意的是，高抬指训练不是唯一训练手指的方式，要根据不同学生进行量身打造，年纪太小的学生不建议使用。且此方法仅适合日常活动手指或者练习某些片段，不作为最后演奏音乐的手段。

3.跑动训练

当学生学会运用自然重量及手指有了一定的功底之后，教师就需要让手指从“走路”学会“跑步”。所谓“跑步”，即连续弹奏快速的音符，这就要求手指具备耐力性和灵活性。常用的训练方法是音阶训练。音阶在某种意义上是考验演奏者基本功底的一大手段。不仅要求演奏者熟悉24个大小调的调式调性，还要求弹奏时清晰、快速、均匀等。拿《哈农》中的音阶练习来说，要将一条跨度4个八度的音阶在一定速度内准确无误地弹奏下来，对学生来说也是不小的考验。首先是手指的耐力性训练，在最初接触音阶时，建议先分段进行练习，即一个八度音阶练习。这时可利用节拍器将速度调到中速，一拍一音进行弹奏。再将音阶扩张到两个八度，这时跟节拍器从一拍一音变成一拍两音。接着进行三个八度弹奏，一拍三音，最后一拍四音弹完整的四个八度。这一方法的好处是让学生无论是心理或是手指都有一个缓冲的过程，在此过程中慢慢提高手指的耐力性。需要提醒的是，在慢速练习时，可利用高抬指进行弹奏，但在逐步加速后便可将手指放下来，因为在快速弹奏时我们无法在短时间内还进行高抬动作，且音阶弹奏不只是手指的动作，还需配合手臂和手腕进行，不然会使得手腕手指僵硬紧张。

4.手腕训练

某种意义上说，演奏钢琴是“全身的运动”。在演奏时，演奏者不单单是运用自己的手指，更多的是需要手臂、手腕等相互配合。如果手腕不能积极地运动，光靠手指会造成音乐句子的死板、不流动。现阶段一部分教师强调手腕的平稳，但被误读为手腕被锁住不动。拿前文提到的音阶来说，上下行如果光靠手指运动很容易导致弹奏不流畅，速度起不来。这时候可利用手腕带动手指，具体来说，右手在弹奏上行音阶时，手腕走在手指前方，像自行车的车把手一样，向右带动我们的手指进行运动。需要说明的是，这个过程手臂也要积极参与，手腕手臂手指共同运作。再拿乐曲中的“落提”来说，最后的“提”指的就是手腕。手腕把尾音自然地“提”起来，这样得出来的声音便具有圆润的效果，不然就是呆板、生硬的。

总体来说，钢琴演奏是身体各部位的协调、整合运作过程。针对钢琴演奏的手指技巧而言，其可以直接用手指触碰钢琴的每个音键，这就需要钢琴学习者对手掌的伸展力和支撑力进行一定训练，尤其是钢琴演奏所需的四个手指。在训练过程中要充分克服每个手指的弱点，增强手指灵活性。对于手腕技巧的训练，钢琴学习者在平时音乐练习中要注意手腕的力量和摇动范围，以及与音乐的旋律和节奏的匹配，要有针对性地对手腕的上下、左右摆动相应训练。在训练过程中，还要有意识地注意手腕的灵活性，避免手腕过于僵硬而造成麻木或疲劳。对于手臂技能的训练，钢琴学习者需要在练习过程中充分发挥手臂的力量，利用手臂的力量带动每个手指正确地落在琴键上。特别是在日常进行八度和弦时的演奏练习时，钢琴学习者需最大程度地发挥出自身大臂的力量作用，且在一些曲子的连贯处和乐曲转角处都需运用大臂力量，从而配合乐曲演奏。

（二）提升音乐素养

1.加强音乐理论基础

理论是实践的基础。在现阶段钢琴教学中，仍有大部分教师忽略对学生理论知识的教授，认为理论是枯燥且用处不大的。而事实恰恰相反，一场成功的演奏应是理论和实践的统一结合。不能准确分析乐曲结构、和声、调式等音乐元素，对音乐风格把握不到位，那演奏出来的作品必然是偏离正轨的。在平时钢琴学习中，教师应引入和声、音阶、大小调等重要乐理知识概念。拿和声来说，学生应熟悉各个调的每一级和弦，包括其原位和转位，这对于最初接触和弦的学生来说是抽象且困难的。教师可以拿简单的无调号C大调、a小调举例子，利用五线谱本子画出每一级和弦的构成，让学生找出不同类型和弦的共同点及不同点，引导他们找出其中的规律。这里要格外注意的是，就算是学习理论知识也是有“窍门”的，切记不要一味死记硬背。当学生有了对和弦的最基本了解后，可以就目前正在练习的曲子进行分析，包括和弦的类型、和声的走向等等，为之后的演奏打下扎实基础。再举一例，针对拍号的学习中，教师要让学生明白不同拍号有着不同的强弱关系。比如，四三拍，以四分音符为一拍，每小节三拍，即“强-弱-弱”，这种拍号在圆舞曲、小步舞曲里最为常见。所以，在弹奏此类作品时，重点是把握“强-弱-弱”的拍子特点，这样弹出来的乐曲才有韵律感，而不是单纯地将三个音弹出来。而四四拍的作品特点是“强-弱-次强-弱”，跟三拍子还是有明显区别的。

2.学习音乐史

在钢琴学习过程中，学生会接触不同时期、不同作曲家、不同风格的作品，如果对即将演奏的作品背景没有大致了解，那演奏效果会大打折扣。教师应首先具备深厚的音乐史功底，熟悉不同时期的重要作曲家、代表作品、创作特点等等。比如，教师给学生布置巴赫的二部创意曲时，可以引入“巴洛克音乐”的特点，讲讲巴赫的大家族，以及巴洛克时期另外两个著名音乐家亨德尔和斯卡拉蒂。更重要的是，在弹奏之前，教师可以先向学生展示巴洛克时期的管风琴、羽管键琴的图片，让学生观察那个时期的乐器跟现代钢琴有什么不同之处。此时，教师再讲解现代钢琴的构造相比于古钢琴有什么变化，所以我们在演奏时，为了“还原”古钢琴的音响效果，触键、踏板的运用等都要仔细斟酌。在学习维也纳古典乐派的作品时，教师可以向学生讲述贝多芬是个怎样性格暴躁的天才，他的作品节奏是如此严谨，不可“随心所欲”，他的学生车尔尼写了大量练习曲的目的是大家以后能弹好他老师的作品打好基本功，顺带强调了车尔尼练习曲的重要性。作为贝多芬的老师，这个被称作“交响乐之父”的伟大作曲家-海顿，他的钢琴作品跟交响乐密不可分，弹奏他的作品好像在指挥整个乐队，我们的双手要“扮演”好各种乐器。而莫扎特的钢琴作品随时渗透着歌剧元素，因此，要想弹好莫扎特，首先得先学习“歌唱”。在弹奏浪漫派作品时，教师可以给学生讲述“亡国奴”-肖邦在异国他乡的悲苦人生经历，他的作品是那么具有诗意性和戏剧性，要想弹好肖邦，“rubato”是必修课。而肖邦的好朋友李斯特又是另一种神一样的存在，他的作品是辉煌灿烂技巧的体现。如果没有扎实的手指基本功，是绝不可能轻松驾驭的。

3.培养音乐思辨能力

现在很大一部分学生在弹奏时，只是一味遵循老师的意见，像背课文一样把老师的观点“复制”到演奏中去，这样机械的演奏很难和观众产生共鸣，对提升个人演奏水平效果甚微。所以，在平时教学中，教师应引导学生多思考作品的音乐性，并且让学生明白，音乐性是主观的情感表现，每个人都可以有不一样的表达，没有对错之分；教师可以让学生聆听大师的弹奏，鼓励他们发表自己的“听后感”，耐心听取他们对相同作品不同处理的看法。再让他们把自己的想法带到实际弹奏中，找到不足之处，并加之改进，但要避免有些学生只是单纯地“模仿”大师弹奏。总之，一定要尊重并正确引导学生的主观情感，培养他们思考音乐、辨别音乐的能力。

三、结语

本文分析了现阶段钢琴演奏的现状，包括演奏者手指基本功、心理素质、音乐理论知识、演奏缺乏音乐性等方面。针对基本功欠缺的情况，笔者根据多年演奏經验，总结了自然重量训练、手指训练、跑动训练、手腕训练等方法；还提出加强乐理基础，学习和了解音乐史，提高思辨音乐的能力也是提升演奏能力的重要途径。

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