王英

山东省临沂市蒙阴县文化馆 山东 临沂 276200

一、当代工笔重彩花鸟画概述

1.传统工笔重彩花鸟画的历史渊源

中国画有着非常悠久的历史，历代画家的艺术结晶代代相传，给今天的人们留下了丰富的艺术财富。各个画派像山泉的汩汩支流一样发展起来，融汇成一条艺术之河，而工笔画是其中较为壮大的一条支流。中国画包含“水墨”“丹青”两种绘画设计风格。古时，东汉至魏晋时期，美术领域的主流绘画形式是以匠人为主的绘画者绘制的壁画，工笔重彩绘画发展兴盛。传统式工笔重彩花鸟画产生于南北朝时期，在盛唐、五代至两宋的几百年间，在朝野的大力支持和参与下，众多名家层出迭见，宋朝是工笔重彩花鸟画发展的艺术高峰，“黄荃富贵、徐熙野趣”这一句说的就是黄筌、徐熙二位工笔重彩花鸟画大家，黄筌的画雍容丰满，有富贵相；徐熙的画清秀飘逸，有隐士风范。由元、明、清三朝直到今天，因为文人画的迅速发展，工笔重彩花鸟画的重要地位慢慢被取代，到了近现代，工笔花鸟画的发展开始日渐迟延。

2.当代工笔重彩花鸟画的概况

当今的工笔重彩花鸟画本身就渊源有自，其一直与传统工笔画重彩画密不可分。现如今，人们的生活水平在不断上升，对绘画的艺术审美追求也在提高，那么工笔重彩花鸟画的创作也要跟上时代的发展。蒋采苹曾说过：“传统是一个过程，它不应当是凝固的，我们今天所创造的正是明天的传统。”今天的中国工笔画在传统的基础上迈出了新的步伐，在西方绘画技法的影响下，正逐步从传统绘画模式向现代绘画模式转变。

在新的表现形式的影响下，当今中国工笔重彩花鸟画的色彩特征发生了很大的变化，色彩作为绘画的重要语言元素，给大家带来了更大的视觉冲击。中国传统工笔画的“随类赋彩”和日本绘画的色彩表现，在工笔重彩山水画的运用上表现得淋漓尽致。发展到如今，工笔重彩花鸟画不仅继承了传统的色彩设置，还融入了西方艺术对色彩的运用方法，比如，油画中对风景的布局技巧和静物的构图就对工笔重彩花鸟画的画面影响很大。总之，当下的工笔重彩花鸟画注重色彩的丰富和变化。为了能使画面产生美感，画家将传统色彩和现代色彩紧密地结合在一起进行运用，增强了画面色彩的表现力与沉浸感。

3.当代工笔重彩花鸟画的影响

新中国成立后，在“文艺作品要为人民服务”的新时代背景下，人物画大行其道，而花鸟画却门庭冷落。著名花鸟画家潘天寿也曾一度改画人物画。然而，有志之士同舟共济，为工笔重彩花鸟画的发展开辟了新的安全航道。目前的艺术市场中，新的市场经济体制的推动加上新起之秀受到西方国家一些现代绘画思想的不良影响，艺术创造的风向走偏，出现了一些浮躁、粗糙的艺术创作。这个时候，就需要引入传统之风，对艺术创作进行导正。传统的工笔重彩花鸟画以其严肃、细致的创作风格，正好能够抵制艺术市场冒芽的乱象，并正确地利用新接纳的艺术理论，在原本的创作基础上释放出新的活力。这样创作出来的工笔重彩花鸟画，在国内外都很受欢迎。工笔重彩花鸟画作为一种传统的绘画样式，有着悠久的历史，在经历了长期的艺术变革之后，我们应该努力使它重新屹立于画坛，赋予它更蓬勃的生命力。

在当代工笔画的继承和发展过程中，我们应该特别感谢新中国成立之初的那一代工笔画家，他们致力于新中国工笔画和花鸟画的创作，画出了许多具有不同艺术风格和文化追求的工笔画和花鸟画。蒋采苹，一个具有多重身份的艺术大师。她的艺术创作有两个关键阶段，第一个是20世纪八九十年代，第二个是21世纪，她为当今工笔重彩花鸟画的发展做出了巨大贡献。她在自己的创作和绘画练习中也注重使用传统的绘画语言表达方式，这使得她的画作在不失传统的前提下更加自成一体，生动活泼。

二、创作来源

1.蒋采苹工笔重彩花鸟画作品分析

蒋采苹的作品主要是人物画和花鸟画，花卉作品《筛月》(图1)和《金芭蕉》(图2)是她的代表作。这两个作品都表现了老年之美：《筛月》的画面中的荷叶在慢慢变老，绝大多数叶柄暴露出来，像蜘蛛丝一样，与正中间完整的叶片一起组成了画面主体，色彩从蓝到黑，丰富了对比画面的层次感，也是美的一种主要表现。《金芭蕉》中金黄的芭蕉叶不再旺盛地向上生长，而是自然下坠，这是季节进入金秋的体现。蒋采苹的这两张图，全绘制了物象的一部分让人近距离地赏析，画面构图饱满，背景空间余留很少，她的绘画方式为当今工笔重彩花鸟画的新发展提供了更多可能。

图1 《筛月》

图2 《金芭蕉》

进行特殊的图像处理的最主要的目的是营造新的意趣，给创建新的绘画形式提供便利，表述画家与众不同的精神追求。《筛月》在此方面尤其特别，突出了荷花具有独创性的勾染方法。她以简约的工笔白描和速写来构建画面，同时表现出色彩本身纯粹的魅力。她开发和设计了新的材料。这种材料的使用为她的作品增添了许多别处少见的光彩，使她的画面所表达的诗意更加鲜明，令人眼前一亮。正如刘曦林的点评：“蒋采苹的《筛月》因其特有的设计构思和绚烂的色彩引发了许多观众的共鸣，苍老的美隐藏着另一种生命的光彩，在艺术家心里的情感被勾起，伴随着年龄的增长而变老的同构性联想。此后，这成了她挥之不去的感情，后来创作了一系列的老芭蕉或新芭蕉。在芭蕉的对照作品中，她发展和丰富了以物比兴、物我两忘的传统的芭蕉样子被提炼为抽象化的构造和语汇，丰富的色彩被归纳为纯色，例如黄调如金，白调如银，红得热火，蓝得深湛，感情倾向性根据色彩不同的视觉感应来突显。对工笔花鸟画的现代性尝试作出了成功的回应。”

2.创作题材的选择

艺术创造的前提条件是创意，而实行创意的艺术家必须具有高度的审美意识的艺术眼光。只有拥有高度的审美意识眼光，才可以有选择地看待客观性的形象，并铭记于心。画家可以通过内心的感受关联到如何选择物象的精神，从理念到物象本质的理解的精粹，随后将设计风格应用到绘画中，进而创作出兼容并蓄的艺术作品。画家笔下的艺术品是描绘自己内心感受的。伴随着时代的不断发展和艺术观念和思想观念的升级，艺术主题和表达形式的多元性越来越强，我国工笔重彩花鸟画得到了新一轮的兴盛。当今的工笔重彩花鸟画出现了从未有过的转变，其主题更为广泛，内容更为丰富多彩，构图更为圆润，色彩更为理性，艺术手法更为多样。画家在自己创作中通过对天然材料的运用，对艺术色彩进行提炼和归纳，并在此基础上进一步进行浮夸或写实性的构建。画家通过对色彩的提炼和概括，用充满感情的色彩来传递艺术，创造出有新颖性的画面。

笔者的有关创作，或许持续了作为学生时一些想法，可是在表现方式上面也是有一些改变的。以前大多是模仿一些著作，或是在照片前绘画，非常少有机会出来写生，因此仅仅把内心束缚在复制环节。有一次笔者在云南多地区写生时，被云南丰富多样的植被覆盖，当看到当地的植物各式各样，绮丽绚烂，有种马上要用绘画来把特殊的情感表现出来的心情，因此本人觉得创作灵感来源于对客观现实的真实的体会。特别是观赏色彩鲜艳的花，如金莲花、姜黄、文殊兰、鸡蛋花等。这丰富多彩的人文环境生活增添了很多的创作资源和素材，也增添了创作的灵感。比如，金莲花的黄色是那么的强烈，以至于花底下枯萎的花瓣也不会凋落。自然地遍布在花的周边，与花的姿态产生明显的比照，让花朵看起来更为美观大方，大片的绿叶子让画面看起来更加丰富，栩栩如生。

三、创作分析

1.作品的设色

这些年来，中国美术领域一直很注重对颜色的运用。彩色陶瓷的色彩十分复杂，比如盛唐早期敦煌地区的色彩就很漂亮。黄荃父子俩的花鸟画绚丽夺目。传统的工笔花鸟画，在颜色上都遵循着“随类赋彩”的规律，而山水画的画家则多以速写来描绘山水，即所谓的现实主义，这种理念使绘画者只能很好地再现事物的本来颜色。当代工笔画作品是继承和发展中国传统画学的基本原理，以其基本原理为依据进行了艺术创作。对重彩花卉的再认识与探索，全面地探讨其颜色的应用。新中国成立后，中国画逐步地将西方绘画的颜色方法消化、吸纳，使其颜色逐步发展和演变。随类赋彩是中国传统绘画的基本颜色学原理。谢赫六法论中的“随类赋彩”、宗炳的《画山水序》中都有“以色貌色”的表述，而刘道醇在《宋朝名画评》中则有“彩绘有泽”一说。现代文人工笔花鸟不再仅仅是以原始的颜色来呈现，或简单地描绘自然对象的颜色。为能注意到天然风景的特点，有时可以在特殊情况下，将原来的颜色变化，以便表达出界面的艺术表达方式和主题。就像齐白石在画牡丹时，用墨汁和大红色的颜料，把花朵的美丽和精致表现得淋漓尽致。人们不会因为改变了原来的色彩而感到虚幻。今天的工笔花卉也是一样。只要能让人产生一种真正的感动，让人产生一种愉悦的感觉，那就是一件好的艺术品。

颜色在艺术创作中占有重要地位，是画家都非常认同的。“七十二种颜色”是中国画中颜色的一种反映。特别是在细致的工作中。花鸟画的创造，是大自然给它们的五颜六色。例如，画家要怎样选取和表现每个人所看到的色彩，这是一个很关键的步骤。色彩的深浅很难搭配，但是画家还是要努力为自己所想要表现的画面寻找合适的颜色分布，使整体画面显得协调和逼真。作画时所用的颜色不是因为画家对色彩的喜好而定，而是为了色彩的和谐，为了画面让人看起来栩栩如生。蒋采苹，江宏伟，苏百钧等工笔花鸟画艺术家，将丰富多样的颜色融入了他的绘画作品中，从而创造出了属于自身的独特的颜色构成。尤其是蒋采苹，她对当今工笔花鸟画的发展具有了至关重要的作用。蒋采苹不但为美术绘画语言带来了新的表达的可能性，还充分利用了色彩的本质，通过更具有创造力的课堂教学展示了当代工笔重彩花鸟画发展的方式和途径。她的作品《忆版纳》(图3)和《银珊瑚》(图4)表述了画家对造型艺术的完美追求。蒋采苹在这些画作中主观性地了解了物象的自然形态，构建出超现实主义的空间意境。她的《忆版纳》作品全是单一色调的。假如交错密集的纹理产生一幅画面，丰富多彩的变化便会主要表现为类似版画的简单处理和复原。空间的层级，进而减弱不一样物象的纹理基本特征，那也是她工笔花鸟画的特性，个性化的大胆实践。

图3 《银珊瑚》蒋采苹

图4 《忆版纳》蒋采苹

2.作品的语言表达

作为一种艺术实践，绘画在进行时，画家需要按照一定的因循标准，用线条和色彩来描绘对象的外观，并通过色彩来传达自己的情感。完成一幅作品，不仅是完成一种表现形式，更重要的是展示绘画的色彩内容还有风格。组成绘画的有三个要素：技巧、形式和内容。只有这三个要素彼此巧妙地融合，才能让作品内容显得更丰富，所体现的效果更加震撼人心。情感是创作者用自己独特的绘画语言在画面上表现出来的。创作者自身的艺术感染力越强，其创作的作品就越有特色。作为一个艺术家，创作的起初肯定是从模仿开始的，但是等迈上正轨之后就不能再拙劣地仿冒别人了，这个时候创作的重心要转移到表达自己的内心感受上来。让作品的创作成为自己的作品。在画所有的东西之前，画家必须有强烈的表达愿望，否则成果会适得其反，只能算得上是在消磨时间。只有浓缩了情感，画才能活起来。如果画家想让作品的色彩和其他细节都充满活力，就必须把每一个想法和感觉传递到画面里，让它凝聚在画笔末端，使画面更加丰富多彩。

艺术画的创作来自画家自己的生活，所以中国画家一直坚持从艺术创作中学习。唐代韩干所绘制的马栩栩如生，因为他画的马的形象都是通过观察生活中的具体事物得到的。五代的荆浩经常进入大自然中去观察和感受，所以他能画出千姿百态的松树。即使是大画家，在准备创作时也是在一定的个人经验基础上，结合灵感的火花还有对现实世界细致入微地体察来进行的。无论是花鸟画、山水画还是人物画的创作，画家在表现对象和色彩时，要有所取舍，勇于进行艺术夸张和创新。

结语

画家要结合自身的艺术实践与别人的艺术实践，总结色彩、技法、构图，要尽力使得自己的作品既简洁也精细，既雅致又奔放，继承传统的写意精神中的精华，开创自身的绘画技艺。这种自由的艺术形式为工笔重彩画的创作提供了更多的发展空间，就让每个从事艺术的人都有了自己的花鸟画风格。画家在作画时可以采用多种方法，如速写、拓印、喷洒、贴箔、打磨等。其他技法运用，则是以工笔花卉为主体，钻研如何表现更完美的视觉效果。在现代，人们对颜色的认识大大提高，尤其是云南的重彩绘画，而云南省有“七彩云南”之称，其植物种类繁多、茂盛，仅靠传统的颜料着色是无法做到的。所以，许多画师都是在画面底部加粗，画面内容绚丽多彩。这个绘画模式在艺术上是很有价值的。只有运用大量的技巧和素材，充分表达画家的感情，才能让一张画感动人。

每一个时代艺术家都在寻找传统与当代的联系，多少艺术老前辈点燃了指路明灯，给大家留下了弥足珍贵的艺术财富。在艺术的道路上，现在的艺术家应该做各种各样尝试和探索，先要了解自己，提升艺术涵养，用心创作把花鸟画的艺术表达推向一个更深层次的领域，要用一个新的艺术意识来再次思考传统，从这当中找寻含有当代要素的东西，从这当中寻找艺术新路。