宋洁

摘要：在钢琴演奏中，演奏技法是决定钢琴整体演奏风格的关键因素。在浪漫主义时期，钢琴演奏家能够通过钢琴进行情感表达，丰富、多样的演奏技法能够有效地陶冶人们的情操，创造一定的意境美，从而提升人们的审美。本文从钢琴演奏技法的演进出发，从技法革新、音乐创作以及发展进程等方面深入分析。

关键词：浪漫时期  钢琴演奏  演奏技法

中图分类号：J624.1文献标识码：A文章编号：1008-3359（2022）21-0053－04

钢琴为浪漫主义时期的音乐家展现个人情感提供了便利的条件，音乐家更愿意借助钢琴演奏来对自身趣味和情感进行充分表达。该时期的钢琴演奏音乐表现形式以传递情感为主，钢琴制作工艺的深入发展，为钢琴演奏技艺的提升奠定了良好的基础。因此，如果对浪漫主义时期的钢琴演奏技法进行研究，则需要对钢琴演奏技法的前期和后期进行对比，深入分析钢琴演奏技法的艺术性，以提高钢琴演奏技法研究的质量和水平。

一、钢琴演奏技法的演进

（一）早期的演奏技法

早期的演奏技法主要受到了钢琴制作工艺、钢琴本身材质和弹奏击键方式的影响，钢琴生产工艺的日益成熟，使钢琴的音色也开始逐渐统一和完善。同时，在演奏过程中，其对速度和指尖触碰力度的要求也在逐渐提高。钢琴技法也从初期的粗放式发展转为了精细化发展。此外，由于钢琴的整体机械机构相对较为复杂，因此在演奏过程中，其很容易受到传导的影响，这就要求在实际弹奏时，演奏者需要通过不断地改变手指的高度来实现顺利演奏。随时改变手指的高度有利于灵活改变敲击琴键的力度，确保演奏者能够更好地控制钢琴的整体弹奏过程，把控弹奏的节奏。在浪漫主义早期，钢琴的演奏更加重视情感的抒发和表达，因此，那时多采用融入更多音韵的方式来进行弹奏。

（二）配合弹奏角度的改变

随着钢琴演奏形式、研究技法的改进，在实际的钢琴弹奏过程中，浪漫主义时期的钢琴弹奏更注重与其他乐器相融合，因此，该时期的钢琴技法开始向配合弹奏的方向转变。除此之外，在实际的弹奏过程中，弹奏技法的灵活转变能够有效平衡高低音区，更好地表现钢琴声音的丰富性。对于技法高超的钢琴演奏者来说，其会通过最大程度降低低音的敲击力量，来使得钢琴高音区更加雄浑壮丽，低音区更加深沉动人。通过对钢琴技法的有效处理，能够使钢琴弹奏的音色更具特色。钢琴演奏者的演奏技法也并非一蹴而就的，在浪漫主义发展初期阶段，创作者时常会因为钢琴无法表现出浪漫色彩而担忧，钢琴制作工艺的成熟与完善为钢琴技法的提升带来了新的转机，使得该时期的音乐变得更具特色。

（三）钢琴发音的转变

从钢琴发声角度而言，钢琴发音原理的简明解释为对键盘的推力，即通过钢琴机械制导系统，推动毡呢榔头击弦发音。进一步研究后可知，琴槌敲击速度的快慢以及触键力度的不同，就是产生不同音量与音色的主要原因。在总结后可得出下述结论：第一，榔头击弦速度是导致音色变化的主要因素；第二，键盘敲击速度，会对榔头击弦速度产生影响。

二、浪漫主义时期钢琴乐器技法革新

（一）钢琴乐器的革新

为深入对浪漫主义时期钢琴演奏技法的了解，就必须从钢琴乐器的自身变革过程来进行研究。钢琴的出现并非一蹴而就的，从早期使用的管风琴、羽管键琴发展到今天的击弦键盘乐器，其经历了漫长的发展历程。从18世纪开始，更适宜演奏的钢琴出现，这有效解决了木质框架的琴弦张力不稳的问题。随后，钢琴先后经历了琴壳、琴弦、延音踏板的改进，开始能够开展较高难度的演奏。在浪漫主义时期，钢琴研究、作家创作等方面的进一步革新，提高了钢琴的整体演奏水平。

（二）演奏技法革新

尽管钢琴在时代的发展过程中发生了较大的改变，但仍需要注意的是，钢琴的核心依然属于键盘乐器。因此，钢琴的演奏方式与表演方式与键盘乐器有着较大的相似之处。受到工业革命的影响，钢琴材质与内部结构产生了较大的创新，其音色与旋律也因此变得更加动听了起来。在工业革命时期，钢琴的弹奏方式也因此发生了较大的改变，这使得钢琴的彈奏对演奏者的指法有了较高的要求。除此之外，在浪漫主义时期，多数的钢琴作品情感丰富，情绪起伏较大，这需要演奏者具备迅速调整按键力度和角度的能力，从而更加充分表达作品的情感。所以，处于浪漫主义时期的演奏者都需要在通过较长时间的训练之后，才能确保呈现出完美的演奏效果。由于钢琴演奏的效果对作品的传播有着较大的影响，因此，演奏者也更加注重将个人的热情融入到整个演奏过程中，保证情感能够充分涌流。浪漫主义初期阶段，由于钢琴的演奏方式相对较多，多数的演奏者又缺乏有效的弹奏指导，所以形成了演奏方式无法有效统一的状况。之后，随着演奏方式的发展，演奏者通过不断的整合，使得演奏方式变得更加统一了起来，演奏效果得到了明显加强。

随着钢琴制作工艺水平的日益成熟，钢琴能够演奏的音乐作品和风格也开始变得更加多元化，早期的古钢琴作品演奏技巧也得到了有效地传承，在现代钢琴中有了更好的演绎。与古钢琴相比，现代钢琴的琴键更重，如果继续沿用古钢琴的弹奏技法极易造成疲劳问题。因此，越来越多的钢琴演奏者开始对上述问题进行了深入地分析，力求能够有效适应现代钢琴的弹奏。在长期的探索过程中，演奏者逐渐发现，采取抬高手指的方式使得掌关节拱起，再进行琴键的快速敲击，可以使手指长期保持有力状态。除此之外，在实际的弹奏过程中，演奏者还需要提高对手指和手腕肌肉的重视程度，尽量保持两者的放松状态，避免因手部僵硬而导致演奏效果不佳的问题。在浪漫主义时期，钢琴教育流派是手指技能的主要训练形式。因此，为实现钢琴初学者的手型与指法的训练，进一步增强钢琴指法教学，练指机应运而生，其对锻炼手指肌肉能力有着极大的帮助。同时，为保证初学者能够在短时间内掌握钢琴的演奏技能，相关的练习书籍也随之产生，这也对钢琴演奏技艺的提升提供了极大的帮助。除此之外，突出强调指法训练对培养优秀的演奏家有着极大的推动作用。

（三）炫技技术的兴起和发展

在18世纪钢琴诞生之初，受到外界环境和自身条件的限制，钢琴未能得到键盘演奏家和作曲家的重视。在几经波折、反复改良后，钢琴逐渐为人所重视，也因此而成为了主流键盘乐器之一。钢琴在19世纪基本完成了定型，在此阶段，其独特的演奏特性得到了更为广泛的关注，获得了越来越多人的青睐，人们开始对钢琴有了更加深入的认识，同时也更加热衷于对钢琴的学习。与此同时，人们也对拥有高超弹奏技术的演奏家予以了更多的关注，由此而产生了大量优秀的受到人们的追捧和喜爱的钢琴演奏家。在浪漫主义时期的钢琴演奏更加重视内心情感的表达和宣泄，其与适当的演奏方式相结合，能够促使演奏者有效使用不同的演奏技巧，并将其应用于不同的音乐中，对钢琴演奏技法的提高具有积极的作用，推动了钢琴演奏教学体系的完善与优化。所以，钢琴在浪漫主义后期逐渐迎来了炫技的高峰。浪漫主义时期的钢琴演奏是随着钢琴本身的改良和演奏模式的革新而逐步发展与进步的。钢琴乐器的设计与制作有利于钢琴演奏技法的提升，演奏技法的进步离不开优秀曲目的编创。钢琴弹奏训练模式的进步使得演奏技法日益完善和优化，确保了钢琴演奏技法的持续向前。

西方音乐史对世界音乐的影响是巨大的，其发展更离不开浪漫主义音乐的加持，浪漫主义使得西方的音乐更加具有美感。炫技技术的有效发展为浪漫主义音乐的演奏提供了新的内容，得到了当时较多音乐爱好者的追捧。炫技技术的主要特点在于艺术表达的自由，其技巧性更强，可观性也更高。炫技作品的演奏富有激情，能全面地展现作品的基调，对后期的音乐发展产生了积极的指导作用。可以说，浪漫主义时期的炫技技术受到了多方面因素的影响，西方文化更倾向于个人主义，所以炫技也成为了个人的音乐表现，能够充分展现个人魅力。以艺术家的层面来说，该时期一些钢琴演奏大师对炫技技术的利用让人们对浪漫主义音乐有了更新的认识，其实现了全新的自我表达，将内心音乐思想淋漓尽致的进行了外在的表达，升华了音乐作品。炫技技术的发展和乐器的快速发展关系密切，同时，乐器的精细化发展也为炫技技术的应用提供了支持和保障，这有利于炫技效果的提升，展现了丰富的音乐表现力。

三、浪漫主义时期钢琴音乐作品的创作

（一）影响钢琴音乐作品创作的因素

对于钢琴音乐作品创作来说，受到演奏技法及乐器本身的演奏能力的影响，作品风格也开始变得更加多样。首先，西方音乐浪漫主义时期的钢琴演奏技法为钢琴作品提供了新的曲风风格，对音乐赋予了更多的情感，推动了钢琴演奏技法向着更深层次的方向发展。除此之外，浪漫主义思潮的出现又为音乐的艺术创作提供了更加自由的环境，营造了宽松的创作氛围。其确保钢琴作曲者从原有的保守状态中有效地解放了思想，让演奏者能够更加随意地展现个人情感，丰富了音乐的想象力。对于音乐的主题形式来说，浪漫主义逐渐摆脱了传统宫廷式的音乐结构，音乐创作思想和题材更加宽泛和自由，这使得钢琴乐曲题材也变得愈加丰富多样了起来。与此同时，钢琴家更愿意将自身的个性特征通过钢琴演奏技法来进行表达，通过丰富传统演奏技法的方式，实现钢琴演奏技法的深入发展。其次，钢琴本身是钢琴音乐作品创作的重要影响因素，比如：贝多芬在音乐创作中很重视音质的完美性，最初贝多芬选择使用机械联动装置来保证音乐美感能够充分地展现出来，然而机械联动装置钢琴弊端较为明显，这对贝多芬的创作也产生了一定的影响。直到贝多芬拥有音色与音调都更为完美的钢琴的时候，第106号奏鸣曲诞生了，其成为了贝多芬晚期极为重要的作品之一。由于不同的钢琴大师所擅长的演奏技艺并不相同，因此，在实际的创作中，他们也往往也更愿意尝试用不同风格的钢琴，甚至会依据自身要求来对钢琴进行改造和升级。例如，通过加固音板以及更换琴弦等方式来实现对钢琴的改良，从而使作曲家音乐创作的艺术表现力变得更强，音域范围也更广，对音乐作品的创作产生积极的影响。

（二）音乐性演进

钢琴演奏技法在浪漫主义时期主要是一种传统键盘乐器，乐曲弹奏初期，可以在按键过程中发出一定的颤音，这使得钢琴演奏技法更具创新性。与此同时，乐器的更新保证了创作风格和手法的多样性和丰富性，创新性也随之提高，因此早期传统的以手指为主的演奏方式逐渐发展成为了借助手腕和手臂力量来进行演奏的方式。在进行颤音演奏的处理中，浪漫主义初期与后期的表现形式并不相同，前期更侧重颤音演奏快速率的推进，对于节奏相对较慢的音乐乐曲，则注重速度的放慢，确保演奏能够更加具有弹性空间。在实际的演奏过程中，颤音在钢琴音乐作曲中以装饰音的形式出现，无法展现出更多的情感，因此也无法展现意境美。与浪漫主义不同，古典主义时期的颤音演奏快、平稳，而浪漫主义的音乐作曲对音乐情感能展现得更加丰富，颤音也并不仅仅是一种装饰。作为古典主义与浪漫主义之间的桥梁的作曲家贝多芬，在使用颤音方面更加灵活，从上方音入手，为观众带来了相对较为活泼、生动的音乐体验，增强了乐曲的色彩，提高了音色的生动性。

四、浪漫主义时期钢琴演奏技法演进思考

（一）转变钢琴演奏技法教学观念

一方面，相较于古典主义，浪漫主义钢琴乐器创作与演奏变化更为突出，随着乐器本身的完善与优化，演奏技法向着更深层次的方向发展。另一方面，浪漫主义发展到中后期，以肖邦为代表的钢琴演奏家所表現出的歌唱性更加明显，钢琴演奏技法也更具独特性。钢琴演奏的音乐表现力的不断增强，使得钢琴演奏技法教学观念也开始深入发展与革新，在此阶段的钢琴演奏则更加重视弹奏时全身的协调训练，通过对身体协调性的有效训练，能够保证钢琴演奏者的臂膀、躯体实现有机的协调和配合，在实际的训练中不断加强对弹奏力度的重视程度，可以使和弦和大跨度调音的力度随之增强。在此过程中，演奏初学者要通过不断寻找与个人演奏方式相统一的指法技能和身体姿势，来确保自己能够将每一个音符与指法力度准确地展现出来，表现演奏者丰富的内心情感。浪漫主义时期的钢琴教学采用了较为严厉的教学方式，注重弹奏者的指法教学，但对于具有较高音乐天赋的学生来说，他们更愿意在钢琴的实际演奏中积极探索，来摸索出与自身演奏模式相适应的练习方式。摆脱传统的演奏教学方式，进而突破手指的束缚，通过加强手臂、手腕的力量，在增强肢体协调性的基础上，实现对自身指法的实质性提高，可以进一步提高自身的钢琴演奏水平。以钢琴音乐大师肖邦为例，其对相对刻板的演奏方式感到十分厌烦，其作品倾向于对手腕和手臂的有效配合，强调让弹奏者将自己的上肢作为一个统一的整体，并在进行音域跨度较大的弹奏时，采用多样化的触键演奏方式。同时，肖邦的钢琴个性化弹奏更加重视歌唱性的展现，在实际训练中借助钢琴进行唱歌，能够帮助演奏者在聆听过程中学会歌唱，同时通过唱歌来对钢琴作品进行理解。肖邦认为，当演奏者无法通过聆听的方式进行音乐作品的理解时，弹奏将变得毫无意义。音乐作品最终需要符合人们的审美要求，因此，其最终还是需要利用听觉来实现目标。当演奏者自身的乐感不够充分时，即便其拥有更高的演奏技巧，也是无法对音乐所表现的内涵予以深入体会的。在浪漫主义后期，钢琴作曲者对音色的要求较高，钢琴的日常训练不仅需要掌握基础的弹奏技巧，更需要加入听觉训练，来使得演奏者能够更加淋漓尽致的表现情感，从而实现音色的多样化。多数具有先天听觉审美的演奏家，可以完全借助天赋在琴纸上练习日常钢琴演奏。也有部分浪漫主义音乐大师更偏爱在琴键上练习，他们认为该种方式能够更加高效地训练钢琴演奏者的注意力，确保其训练效果。但同时也需要注意到，并非任何一位钢琴初学者都具有良好的听觉审美天赋，能够感悟钢琴的音色美，并在此基础上进行有效的处理。因此，琴纸的训练更适于指法技术相对较为成熟的钢琴演奏者，其能够帮助钢琴演奏者快速地提高训练效果。

（二）重视钢琴演奏综合能力训练

在现代钢琴演奏训练中，钢琴教师逐渐放弃了传统的手指学派教学模式，在此后的发展过程中，其也并沒有形成相对较为固定的教学方式和教学流派。钢琴教师更注重的是对初学者综合能力的训练，解剖生物学与生理学的诞生与出现，为钢琴教学提供了新的方向。解剖生理学派认为，钢琴的训练无须进行长时间的指法机械式训练和学习，利用围绕肢体弹奏的方式能大幅度地提高训练效果。此观点在最大程度上解决了浪漫主义时期因采取较为严苛的方式进行手指训练而导致的训练者手指经常发生伤痛的问题。但实际上，解剖生理学派也存在一定的弊端和问题，和手指派一样，其完全忽略了人的影响因素，对人的具体心理变化和审美缺乏重视程度；所以，相较而言，中枢神经学能够利用人体生理解剖的实际特点，确保钢琴演奏者在实际训练中避免因追求演奏速度而导致肌肉发生劳损的现象，但同时，该学派也并未找到适宜的钢琴演奏技法训练方法；应用心理学派重视听觉意识的训练，这有利于钢琴作品的音乐性得到充分的表达，但该种钢琴演奏教学方式对个人的综合技能有着极高的要求，仅适用于钢琴指法精湛、天赋较高的钢琴家，无法实现全面的普及和推广。在浪漫主义后期，更多的钢琴演奏教学理论与钢琴演奏技法应运而生，使得钢琴演奏逐步走向了正轨。通过对浪漫主义时期的钢琴演奏历程的回顾和探寻可以看出，钢琴演奏观念与技法训练在实际的发展过程中均发生了改革与创新。在此过程中，出现了传统意义中的钢琴演奏技法无法在多年后有效适应钢琴演奏教学，以及部分看似与传统钢琴演奏技巧相违背，但却能与钢琴教学相融合，有利于钢琴演奏者综合能力的提升和强化的情况。因此，现代钢琴的演奏与浪漫主义时期的钢琴教学体系相比较意义并不是很大，人们更注重的是从传统教学模式中选择更具传承性的方式和方法，使得钢琴演奏训练的时效性更强，体系更加完善，确保钢琴演奏技法更具实用性，以便更好地将其理论内容融入到现代钢琴教学中。

五、结语

总而言之，浪漫主义时期的钢琴演奏技法在发展过程中机遇与挑战并存。浪漫主义时期的钢琴演奏融入了更多的情感，更重视音乐家个人的情感表达，音乐家乐于通过钢琴的演奏来实现自我价值的表达。钢琴制作工艺与其他乐器的相继发展和成熟，使得钢琴演奏技法得到了变化和发展。钢琴演奏技法也从初期重视指尖力度的控制，逐渐转为了重视对手臂与手腕的控制。因此，现代钢琴演奏技法在优化完善的过程中，需要积极吸收浪漫主义时期钢琴演奏技法的精华，只有这样，才能在继承优秀传统的基础上，实现对钢琴演奏技法的不断发展和创新。

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