“Humble God”，这是施展回国之后的第二次个展，对于这位生于80末的年轻艺术家来说，这样的进程显然不算太快。他在很小的时候便有着一种笃信自己将会成为艺术家的信念，并且在成长的很长一段时间里，都把“成为画家”当成一种信仰来追逐，从罗马美术学院到德国杜塞尔多夫，他从未停止追逐的脚步。但在回国之后，他忽然停笔了一阵子，最终意识到，他与绘画的关系改变了，从追逐到依赖，变成证明自己存在的一种本能，变成了身体上的一个器官。从那一刻开始，他必须创作下去。

对施展来说，绘画的过程并不是在创造灵感，而更像是在创造捕捉灵感的陷阱。随着绘画技艺的娴熟，会变成熟练的猎人，愈发敏感地感知到在什么地方会有美妙的事情发生，那更像是一个即兴演奏的过程，所有的念头积累到恰到好处的时机，大的结构与框架已经布下，只需静待灵感喷薄的那一刻，演奏就开始了。他用颜料肆意挥洒、实践、破坏、依赖直觉与身体行为，去完成画面最精华的部分。

“绘画虽然古老，但它让我着迷的地方，是它能够兼容传统和现在所发生的事情，不断吸纳并且生发出新的视觉体验。”施展的绘画具有一种音乐性，像是迷幻的电子乐，无论是极满的似乎要溢出的画面，还是色彩饱和、对比鲜明的颜色，都极具实验性。在德国杜塞尔多夫留学期间，施展有更多机会沉浸在他喜欢的电子音乐上，从发电站乐团到Botticelli baby，逐渐，那些抽象的音符通感成为一些意味不明的画面。在德国，他结识了街头艺术家Ferdinand，从高速公路到废弃建筑，一起涂鸦喷绘。施展从一开始抵触鲜亮霓虹涂鸦色彩的廉价感，到后来将鲜明、高饱和度的颜色融入绘画当中，这不仅是在技法上的一次突破，也是他为自己寻找到了一个情绪的出口。在过去10年漫长时间的体制内传统绘画教育中，他的画面构成与色彩都是情绪消极、情感压抑的，而德国成为了一个转折点，完成了施展一次个人风格的重大转变，让以往的消极情绪得以在色彩中爆发，变为一种充满叛逆、荒诞、讽刺感力量的画面。

施展的用色具有野兽派的气质，受到德国表现主义的影响，大胆鲜艳，同时又具有一些千禧年游戏的颜色特质，比如在《蛋糕人》《闸门》《谦逊的上帝》中反复出现的一个高饱和度的溢出色块，就像是地质学上地质构造图一般的用色。这块用模型漆喷涂上去的色块破坏掉了油画整体原有的笔触和质感，借此，施展完成了两个方向上的探索——专注打破传统的图像视觉，利用新的材质创造出新的体验，以及在情绪的表达上，他将这一块比喻成“伤疤”，具有一种热量，一种溶解或者消解绘画经验的能量。

无论是照片，或是电影，或是生活中的一些片段，都像碎片一样被施展所捕捉，保留在潜意识中，逐渐在创作中无意识地释放。影像作用于大脑，通过大脑发生作用，依靠既有的经验，传递直观的信息。绘画是与感觉相关的可感形式，它即刻作用于属于肉体的神经系统。绘画能直接地传递一种感觉，很多时候并不需要大脑的逻辑介入，身体的感官已经给出了最直接的反映。作为观者，通过进入绘画而体验感觉，通过接近感知和被感知的统一而体验感觉。感觉就在身体之内，而感觉也正是被绘制出来的东西，那不是一种对既有世界的再现和再创作，而是直观地邀请观者进入创作者的世界来体验。正如施展在绘画中经常呈现的日常事物一样，榨汁机、龙虾、汉堡、雪糕，这些事物是观者已有认知、非常熟悉的东西。观者对事物本身也有着自己的理解，但再次通过施展的私人视角进入，用真实回归神经系统的剧烈方式， 获得非日常的体验。

施展用大量的时间观察身边的人，观察他们的表情和情绪，观察他们所相信的东西。到目前为止，他的结论停留在“我不认识任何一个人，他的精神状态是十分健全，十分健康的。大部分的人，都会用社会附加给他们的比较完美的标准去表演，表演也许是不自觉的，真实的想法也无从展示。但当我看进他们的内心深处，那里都隐藏着怪兽。”

施展作品中所呈现的人物都让人联想起卡夫卡的《变形记》中的主人公，一位在物质生活极其丰裕、人情却淡薄如纱的时代里，被社会挤压变形成甲虫的年轻人。他的画作中充满着各种变异的男人，拥有着或是豹子，或是异形，或是其他说不清道不明的怪兽头颅。他们还拥有着相对正常状态的身体，或在沙发上，或在浴缸中。但精神却通过头部的诡异器官形成的出口逃逸出去了，整个画面呈现出一种矛盾无法被化解的荒诞。

他试图呈现我们所生活时代的异化与荒诞，人类对存在的定义似乎与以前——在虚拟世界被开发出来以前——有所不同。人类被科技的发展所裹挟，被社交媒体所支配;越来越多的朋友似乎只是存在于虚拟世界中，拥有社交媒体账号的数字虚拟人的出现则彻底模糊了存在的边界;而元宇宙将要引导人类走向一个极为困惑的未来，试图将人类的脑袋放到机器里，享受无限的娱乐，变成“缸中之脑”。这些强烈的“存在性焦虑”，其实一直在叩问着每个人关于我们存在的本质：我们到底是谁，而我们又要去向何方？