马文婷

 《面包》  尤恩·厄格罗  布面油画  34.8×79.5cm  1981-1983年

“格物致知”作为中国古代儒家思想中的一个重要概念，其真正意涵，已成为儒学思想史上的千古之谜，沿用至今，经历史演变发展出了很多观点，现今具有权威与广泛认知的释义为：研究事物的原理，从而获得知识。而用作本次展览标题的“格物致知”，其核心意涵更贴近朱熹对“知”的认识，艺术家在探究事物存在本质的过程中，从而获得智慧、心得感悟与知识。从展览的题目，已提示出本次展览的观看视角：从对大师原作的观赏中，回望我们对美术经典的历史想象;从对当代艺术家静物画的凝视中，追溯与探讨从古典到当代，从西方至东方，静物画创作的源流与走向。

专栏主持：传统与当代，继承和创新，本土与全球，发展与融合。或许，这些都是我们想要传达的。原湖北美术馆馆长

展览与观看

“格物致知——从古典到当代的静物画”是艺元空间成立十周年之际特别策划的一次展览。本次展览以“静物”为画题和研究线索，展出的16件作品分别来自19世纪末至当下的12位代表性艺术家。正如该展览概况中所提到的“从塞尚到厄格罗、从再现到表现、从欧洲到武汉，展览尝试呈现西方静物画演变过程中的部分特征，并探讨塞尚的静物画对其后艺术风格和流派的重要影响。反观不同时代中西文化差异下的‘物与主观知性的微妙关系。”

从塞尚、毕加索到莫兰迪，这些出现在美术史教科书中的名字，每一位的单独出场，都足以让一个被视为小画种的静物画展览得到专业内外观众的热切关注。这種关注更多源自于人们对于一睹大师原作的渴望和一探究竟的好奇心，无论是普通观众，还是具备一定美术史知识储备的爱好者，亦或是相关专业观者，在展览现场的观看中，会不自觉地回望自己脑海中对于美术大师经典作品的历史想象，并试图从眼前大师原作的整体氛围、细节笔触中找寻艺术经典之所以成为经典流传的奥义。

 《两个桃子》  尤恩·厄格罗  木板油画  17.8×25.1cm  1992年

荷兰画家杨·博加茨（1878-1962年）的《有铜盆的静物》（1937年作），向我们展现了古典主义时期的静物画风格：画面有如老照片一般，试图再现现实，看不到一点笔触痕迹。木桌上内壁生出绿色锈痕的铜盆，在室内昏暗的光线中，通过铜器表面的两处光泽，充分表现出描绘对象的材质与形体。表面凹凸不平、氧化发黑的汤匙，斑驳破损的墙面以及发黄破旧的海报，将平常的日用器物入画，画中虽无人，但处处留有人的气息与痕迹，一切看似寂静无声，却无一不在提醒着我们一段漫长岁月的生活故事，洋溢出时间经久安定平静的氛围。

保罗·塞尚（1839—1906年）的《两个水果》（约1885年作）是这次展览最令人瞩目的作品之一。有别于古典主义具有象征意义的静物画，塞尚的静物画创作追求绘画的形式语言美感，其大部分作品的创作都需要几年时间，每一处画痕都经过深思熟虑，笔下的静物可以让人看到事物最本质的形状、色彩、结构等形式美感，启迪了西方现代艺术追求形式创新的新艺术方向，影响了毕加索、莫兰迪等20世纪的许多艺术家。他惯用圆柱体、球体和圆锥体来处理繁复的自然，将画中的每一事物都视为各种几何形体的组合，设置在合理的透视之中，认为自然的深度更甚于其广度，由此需要引入光线的振颤，常以红色和黄色来表现。此处的《两个水果》就是以黄色和绿色的两个水果为主要对象，黄色柠檬与前方绿色水果、后面深色背景的交接处以几笔红色来表现空间关系及光线的变化。两个水果也好似两个球体，表面被不同方向排列的色块塑造出结实的形体。

  《汤匙》  阿维格多·阿利卡  铜版画  18×13cm  1975年版数 3/27

本次展出的还有毕加索和莫兰迪的静物画，他们在不同时期都深受塞尚的影响。毕加索（1881-1973年）的《杯子、水壶和奶罐》是作于1906年的一件水彩画稿，以最简明直观的方式向观众展现了画家艺术创作的表现手法：静物画背景直接以画纸上两种颜色的色块区分出不同的空间景深，水壶用单色涂抹的深浅色块来表现器物在光源下产生的明暗关系，简单数笔便将静物的结构体积表达出来，瓶口一侧以锐利而肯定的轮廓线，拉开与背景的前后空间。

莫兰迪（1890-1964年）作为一位以静物画出圈的艺术家，出现在本次展览上似乎是一件理所应然的事情。由他开创的“莫兰迪色系”已经成为时尚和品味的代名词，被广泛应用到时装、家居、饰品等各类生活用品，即使是对这位艺术家不太了解的人，也会对“莫兰迪色系”这个词耳熟能详。除了布面油画的静物作品，蚀刻版画静物在莫兰迪的创作中也占有非常重要的比重和影响。观看本次展出的两幅蚀刻版画《花瓶、贝壳、吉他与静物》（1921年作）、《有咖啡壶的大幅静物》（1934年作），让人不禁为其版画作品中纤细工整的线条惊叹：莫兰迪的版画可以清晰地看到每一根整齐排列的线条，以不同方向和密度的线条来表现不同物件的形体和光影。1934年创作的这件《有咖啡壶的大幅静物》更能体现艺术家贯穿创作生涯的探索与追求：表现光线在不同材质器皿上出现的轨迹，探究不同器皿之间颜色的微妙差别，寻求一种精微的和谐与平衡状态。纵览莫兰迪的作品，我们不难发现其长时间都在用同样的静物进行着不同的排列组合和艺术阐释。画中的静物也不是单纯的再现现实，画家不厌其烦地在不同绘画作品中呈现不同构图，不同组合，不同色调的瓶瓶罐罐，这种观察和感知的探索似乎有着永无止尽的魅力。

  《无题》  曾梵志  布面油画  60×60cm  2020年

法国籍艺术家阿利卡（1929-2010年）和英国籍艺术家厄格罗（1932-2000年），同样以生活中的普通物品为对象创作了大量静物画作品，这些作品具有写实的特点却更多保留着对客观事物本质的思考与绘画的痕迹，为静物画发展提示出另一种可能的方向。

从厄格罗的《面包》（1981-1983年作）、《马丁的花瓶》（1982年作）、《两个桃子》 （1992年作）画面上，我们能看到物体的造型都非常准确，具有清晰的边缘线，面包和桃子的塑造以非常微妙的色块排列，画中还能看到许多或长或短横向和纵向的线条标记，记录着艺术家的思考和作画过程。这些参照点是画家为遵循物体的比例，试图精准绘制物体的外部形状与内部结构，进行观察思考的标记，连接这些点就能以最为精确的结构表现物象在空间中最为接近视觉真实的比例关系。这种保留绘画痕迹的手法让他的写实画作中呈现出许多几何图案和色彩切面，有一种理性、严谨、坚实、单纯的古典气息，同时又呈现出十足的当代感。

此外，展览还展出了曾梵志、魏光庆、陈勇劲等国内艺术家的静物画作品。

魏光庆1981年创作的这幅《静物》让我们看到了作者“文化波普”系列作品之外的油画创作面貌。曾梵志2020年创作的静物《无题》也给我们提供了一个了解艺术家的新窗口。作者以写实的手法描绘了被置放于黑暗环境的鸡蛋和水果，通过客观静物的描绘营造和表达人的主观情感，使复杂趋向单纯，当躁动和噪杂的背景隐没，一切便趋向理智和冷静，变得清晰。

 《两个水果》  保罗·塞尚  布面油画  19×23.2cm  约1885年

《石榴（L）》   上田义彦  摄影  25.3×30.4cm  2015年  版数 1/10

  《静物》  魏光庆  纸本水粉  53×65cm  1981年

 《静物》  方少华  纸本水粉  25×34.5cm  1992年

 《有铜盆的静物》  杨·博加茨  布面油画  31.5×36cm  1937年

 《静物》  陈勇劲   纸本水彩  51×73cm  2010年

陈勇劲的《静物》（ 2010年作）从画面构图到表现手法都有别于传统水彩画的面貌，画中的瓷器、陶器、画像砖、水果、鲜花是经常出现在作者静物画作品中的对象，与莫兰迪各种排列组合的瓶瓶罐罐看似有些异曲同工之妙，却因差异的文化背景和审美诉求，走向了两种不同的艺术探索之路。陶瓷、画像砖都是具有浓厚东方文化的载体，瓷器更是经过千百年的锤炼而产生，无论从造型还是纹样都具有永恒经典的审美特征，采用现代手法的抽象或其它形式去表现固然可以，但要想达到瓷器本身完美的境界，具象写实的效果是有明显优势的。古典具象写实技法更有利于细致、深入刻画物体本身的质地、光泽，且造型严谨准确。画中的陶瓷器皿、鲜花、水果与背景里方正的几何图形光影产生空间的对比，将方圆曲直的虚实对比，控制在尊重现实的合理范围，营造出庄重、稳定、淡雅、精致的氛围。

 《一管颜料》  阿维格多·阿利卡  纸本水彩  13.5×20cm  1975年

艺术空间与公共性 

“艺元空间”作为武汉的一家专业性画廊，致力于展示并推进中国当代艺术，自2011年创办至今的十年间，已推出四十余个展览。单从展览这一功能上来看，画廊与美术馆的展览空间都是观众欣赏美术作品的艺术空间，不论所在建筑实体空间权属为国有还是个人，自持还是租用，在其面向社会公开陈列展览的时候，就实现了艺术空间的公共性。

 《杯子、水壶和奶罐》  巴勃罗·毕加索  纸本水彩  35×28cm  1906年

本次“格物致知”展览的策划，以静物画为主题，用小而精的方式，有针对性地汇聚国际范围艺术大咖的原作，与国内及武汉本地艺术家的静物画作品同台展示。作为城市艺术文化发展中的一例个案样本，本次展览亦值得我们关注与审视：它既为展览主办方实现了艺术家、藏家、批评家、艺术机构之间具有国际视野的交流对话平台的作用，也为参观展览的普通市民、学生、艺术爱好者、相關行业从业者提供了一次难得的欣赏大师原作的机会，丰富和活跃了武汉这座城市的艺术生态环境。

责任编辑  陈   俊