杨雪莹

（信阳农林学院 规划与设计学院，河南 信阳 464000）

1 写意中国画的释义

从汉代起，人们绘画的作品称为中国画，也称为丹青，大多画在绢、宣纸、帛上。中国画最为独特的是使用中国独有的毛笔、水墨和颜料，是根据长期形成的表现形式、艺术法则和作者个人特质创作出的绘画形式。中国画按表现方法，可分为工笔和写意。写意画即用简练的笔法描绘景物，多画在生宣上，纵笔拌酒、墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。写意画注重用墨和个人的自我发挥，是融诗、书法、印为一体的艺术形式。写意画讲究传神和超脱物外的精神，无论是画人物还是画风景，都在一张纸上追求精气神，注重对意蕴的感受与情感的表达，具有独特的意象美[1]。

2 写意中国画对现代服装设计的意义

2.1 写意中国画在现代服装设计中的审美价值

写意画的色彩、图形、轮廓、流畅度都让人们产生一种洒脱、磅礴而又有神韵的感觉。所以，现代服装设计可以结合写意画中的色彩、图形等创造出既有现代气息、又有古代意蕴的服装，将艺术形式通过服装展现出来，加强现代人对写意画的了解，也通过写意画的艺术转换提高大众审美。

2.2 写意中国画在现代服装设计中的人文价值

现代服装形式多样，是民族大融合的产物。人们通过对历史的研究，推断出当时的审美，也反映出不同朝代对人们服饰的影响。现在，很多电视剧都在追求从服装的形制上展现出朝代特点。因为有漫长的文化积淀，服装才足够多元化。例如很多人喜欢汉服并勇敢地穿上出行，汉服行业逐渐火热起来。现在还有很多的古风展、旗袍秀等，体现出人们对着装的宽容，也是对文化的一种融合与认同。通过现代服装展示传统文化与艺术，是一种继承，更是一种传播。

2.3 写意中国画在现代服装设计中的经济价值

服装设计是一种“追时间”的职业，需要设计师及时掌握潮流动向并选择正确的设计方向，只有顺兴历史、顺应民意的作品才容易被接受。现在，一股复兴热还在持续发酵，青花瓷的餐具、飘逸的古装、民族图腾等大受欢迎，展现出较强的经济价值。这也要求设计师懂得取舍、顺应民意、敢于创新，才能不断推进市场的转型。

3 写意中国画在现代服装中的应用

3.1 写意中国画的特点

写意作为传统国画的一种画法，有着非常鲜明的特征，着重刻画物象神韵与内在，通过精简的笔墨手法表现出一气呵成、意境深远的水墨画。写意手法重神态与气韵的表达，注重情趣的抒发，不苛求笔墨的细腻严谨，形简而意丰，同时强调局部与整体的统一，关注虚实协调。因此，服装设计要抓住整体轮廓，从整体上把握设计方向；在服装设计中，根据调研结果思考服装的大致风格，再利用元素与服装设计手法进行变换，形成丰富的整体设计。对于某些细节也要仔细对比与摸索，将精气神的部分抓住。在服装设计中，对点、线、面等元素进行合理的选择，展现出中华古典写意之美。所以以水墨丹青为主题的服装展示，在整体上呈现统一，但是又因为服装造型与所用元素不同而区分开来，让每件衣服仿佛都有自己的灵魂，也能符合更多人的审美。

3.2 写意中国画意境的美与应用

写意画注重画面构图，讲究一气呵成，重在表达“意”，也就有了意境、意蕴、意像等词汇。从意蕴上来看，国画唯有气韵并重，才可打动人，而服装设计兼具艺术性与实用性，也应展现出气韵结合的形象与意象之美感。古代不仅只有画讲究意境，彩陶、刺绣、家具设计都讲究实实虚虚，通过画面表达神韵。通过“虚”的表现方式，画面具有模糊和流动的特点，因此具有更强的可塑性。通过虚实对比，画面形成深奥的内涵，具有巧妙的表现效果，也是一种令人赞叹的艺术形式[2]。写意的最高要求是，一笔一画都是有生命的，都是生命的一次轮回。因此，以写意为精神的中国造型艺术大境界就是省略细节，关注生命的要害，直追形象之外的元神。这也就要求设计师充分分析空间，通过笔尖的虚实勾勒整体轮廓，就是在设计时要根据服装样式选择不同的元素，给人想象的空间。例如旗袍的设计，旗袍的面料应该与主题表达一致，体现时尚名流的可采用较为华贵的绸缎面，通过其光滑度与光泽感展现距离感；因为旗袍展现人体的美，所以不可大面积使用图案，应是画龙点睛，找到旗袍最凸显的部位进行设计填充，实现整体意境的升华。若是体现田园之风，要不拘小节，图案所占面积可以大，但是不应该超过整体服装的1/2，像传统的留白手法一样，体现随性又不失格调。张彦远在《历代名画记》中论顾恺之画“意存笔先，画尽意在”，服装设计也是如此，得其意而忘其形，不该被所谓的传统元素形状束缚，降低“形”在设计中的地位，只有重视“意”的表达，才能以形化意，增加灵感与设计方式。

3.3 写意中国画创作形式在服装设计中的应用

写意画往往笔触简单，浓墨重彩，讲究明暗与对比。下笔轻重缓急、虚虚实实，勾勒出层次感，在空间中增加神韵，选取角度构成新的图形。这也是现代服装应该借鉴的，在创作形式上要化繁为简，通过点线面的空间布局展现传统写意的特点。通过设计师独特的想象空间与视野进行奇巧的布局，不拘泥于形式，引导人们通过图形感受意蕴之美。写意画创作看似随意，其实要求绘画者能够合理分割画布，选择合适的色彩，掌握墨迹与轻重，从笔尖流露出绘画者的感情。写意画中的线条与同种色彩的明暗对比展现出浓烈、刚毅、柔美或者粗狂，也只有变化才能构成有呼吸感的画面，可以将其运用到服装设计线条勾勒与图案层次当中。例如简单的T恤衫，讲究上身的线条感，因为薄，所以要有清透感；图案也应该有延展空间，色彩较淡。对于较为繁复的服饰，应当先划分区域，可以通过图形的叠加与色彩的对比达到“近看成林、远看成山”的效果，打破视觉上对形式的固定审美，通过模糊轮廓，强调主题元素本身达到形与神的融合，从视觉上引导人们，通过平面设计展现立体空间。这也启示服装设计不能拘泥于形式，也不能只以单一形式设计服装，而是要会将线条通过不同形式的组合达到“天人合一”的境界，突破形式与所谓的传统意境的束缚，添加现代元素，通过泼墨、扎染、转印等技术设计出别具一格的服装。

3.4 写意中国画在服装设计色彩中的应用

色彩是构成服装的三要素之一，人们在购买服装时首先看到的就是色彩，也会因为色彩不满意而放弃购买。所以在设计时要考虑适应人群，只有调查其对色彩的喜好，才能在设计时游刃有余、胸有成竹。中国画注重笔墨的运用、色彩的搭配，有金碧、大小青绿、没骨、泼彩、淡彩、浅绛等色彩。主要运用线条和墨色的变化，有钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法[3]。色彩通常讲究对比、融合，通过色彩表达一种情感。写意画注重运笔，通过运笔将色彩的搭配组合与深浅表达出来。例如墨荷图，在色彩较为统一时，形成实物本体的区分，而色彩的明暗显示光影，从而显示出墨荷媚而不妖的特点，也有的通过色彩的对比展现荷花冰清玉洁、出淤泥而不染的特点。火红的荷花孤立于墨色之上，美得耀眼，也表现出画者孤高、不愿意随波逐流的品质。色彩作为重要的绘画元素，赋予了国画强大的生命力。在服装设计中，色彩也是灵魂，可以借鉴先祖们在色彩上的处理手法，强烈对比或者有机融合，通过细节的色彩层次变化表现出强烈的视觉效果，引导人们挖掘服装的深刻含义。

4 结语

写意重在“意”，但是也不能忽视创作技巧，要通过对写意中国画的揣摩形成自己独特的理解，再通过构图、创作手法、色彩的搭配，表达自己对服装设计、对人生的感悟。注入情感的作品是有灵魂的。现在，服装样式丰富，面料也随时代更新，制作工艺更是不同，所以对于写意中国画要有意境的升华，要将意蕴融于现代的新材料、新技术当中，实现服装的传承与创新。