曹雪丽

摘要：工笔花鸟画兴起于唐代，成熟于五代，鼎盛于两宋时期，元代文人水墨胜于工笔，明清时期写意、工笔相映生辉，写意画的出现为工笔花鸟画注入了新的生命力，工笔花鸟的创作开始注重写意性和笔墨情怀，自然景物是工笔花鸟画的创作源泉，唐代张璪提出“外师造化，中得心源”，艺术创作来源于生活且高于生活，一件好的工笔花鸟画作品，是要通过写生自然，观察自然等手段使形象得到升华，才能成为真正的具有中国特色的艺术作品。

关键词：工笔;创作;写生

一、工笔花鸟画的表现范围

自然景物千差万别，形态各异，只有体验生活，到大自然中捕捉生动的形象，才能创作出形神兼备的作品，写生的作用主要有两点： 一是用来训练基本功，通过写生了解花鸟动物的造型特征、结构规律、生活习性及周围的环境、气氛等，提高我们的观察力和造型能力，在脑中形成物象记忆，并且通过寫生捕捉自然景物，培育我们热爱生活、热爱自然培养我们的审美水平。二是通过写生更主要的为艺术提供更多的创作素材，通过我们的收集处理成为资料，形成元素，以便后期创作打好基础。

中国画不是直接去描绘自然、刻画物象，而是以自然为依托，通过似像非像的表现形式来表达物象的内在精神，具体是用笔墨表现内心情感，随着人类科技的进步，摄影照片进入了画家的视野，为画家提供了很多创作上的便捷，然而，摄影是一门艺术，他是照搬自然、再现自然的艺术，而绘画则不同，他是表现自然、升华自然的艺术，所以照片只能作为参考借鉴的资料而不能成为创作艺术作品的手段，不能完全依赖照片，不然，你创作的作品是没有生机和活力的。另一种情况是，很多同学在写生中一味地摹写自然、模仿自然，被动的再现自然，缺少主观的自我把握的艺术语言来处理画面，画到最后可能也是一幅写实照片，也没有什么艺术的价值可言，也达不到创作的水准和要求，所以要想把写生升华为创作是需要一定的主观处理和认知的过程的。

工笔花鸟很繁复精细，很多同学以为画的很细致很形象就是工笔花鸟的精髓所在，其实不然，工笔画有一定的写意性和写意精神的，工笔画用线表达本身就具备一定的写意精神的，古人总结线条的十八描，中国工笔花鸟画也讲究意境，实中有虚，画虚求实，虚实相生，计白当黑等要把自己的主观思想加上去的。另外，工笔花鸟着重精细见功夫，要在写生之前高度理解花卉动物等物象的生长规律和结构，比如，我们要写生一株花卉，首先要知道所画的花卉是草本还是木本，根茎有什么特点，叶子是对生还是互生，叶子的形态特点，包括叶筋的走向，花瓣的形状、特点等等，在画的过程中，要紧抓住特征，适当的取舍概括，强调感受，主观处理，决不能被动的描摹，只要是不违背自然规律，适当的夸张，变形是最好的，也可以移花接木、主观取舍来丰富和完善画面。

二、花鸟画的写生是思想意识的转换，情感的转变过程

当众多的花草树木等物象呈现面前的时候，我们首先要感官物象，寻找并抓住能够让你心动的灵魂震撼的景色，你的兴奋点是短暂的，要抓住第一感觉选择景物，你才会更好的表现他们，你喜欢的一草一木，一花一景感染着你，你才能够让你有作画欲望的冲动，想急切的表现它，花草亦有情，要有情感上的相互交流转换，认知他们、了解他们，熟悉植物的生活习性，生长特点，和周围环境。比如兰花，清秀典雅俊美，叶子飘动舒长，色彩清秀艳丽，气质不俗，有君子风范;荷花，出淤泥而不染，花瓣饱满靓丽，花头大气端庄，枝茎挺拔有力，叶子宽阔硕大;牡丹富贵典雅、艳丽茂盛具有富贵吉祥的风度气质;芭蕉雄伟高耸，饱满丰盈等等，这些都是对植物的情感表达，情融心中，才会笔笔生辉，将自然美提升为人性美、内在美、艺术美，你的创作作品才会有情感，有韵味。

三、画面的构成、构图关系

将自然形象进行选择和提炼成为艺术形象，很不容易，这个由视觉思维转换成艺术形象的过程，是需要反复推敲和琢磨的，很多同学不重视画小稿小图，总是急于动笔，可能刚开始的作画冲动和情感还有，等画到一部分的时候就乱了方寸，看到哪里画到哪里，推着画，结果是画到最后一塌糊涂，想转化为创作就很难了，画面已经偏离的最初的想法和情感，要想创作出符合艺术美的画面，构图就至关重要，构图的方法种类很多，从传统到现代，可以根据自己的想法任意选择，但要根据所选景物把控构图的角度构建原则，均衡与对比，节奏和韵律，画眼位置，图形的分布，黑白灰的分布等等寥寥几笔勾画出来草图，为下一步写生创作做好铺垫和经营全局。中国画蕴含着强烈的生命意识，空间意识，时间意识，而这些用过艺术语言特殊处理来表达的，不了解中国画的表现本质和手段、不会整体布局，画到最后充其量只是记录而不是写生，最终无法转换创作。当我们通过写生收集了大量的资料和素材，就可以运用这些元素来进行大创作，根据写生作品构思新的创作内容和题材，对大量的构思草图，写生作品，反复推敲，以及各个元素的精心规划和布置，构成关系等，然后绘制黑白灰稿。

绘画是一个拥有自己独立视觉艺术语言的艺术，点线面，黑白灰如何分布，就是经营位置，也是构图规律，中国画传统的构图法则是“谢赫六法”，而现代中国画构图要有时代的特征，注重多种形式，注重视觉规律和视觉心理，二十世纪中国画大家潘天寿以自己的创作体会对处理远近、虚实、疏密、长短、取舍、边框、空白等方面进行了解释，而叶浅予先生也曾经在中国画构图规律上做了完整的探究。活跃在二十至二十一世纪的当代画家们更是从西化的构图中吸取丰富的经验，并能结合时代的发展，在传统的基础上创作出大量的符合中国审美要求的视觉规律，比如，满构图、屏障型构图、多幅构图等等，现代工笔画构图不仅讲究构图也讲究构成，构图是平面的，构成是平面的也是立体的，现代工笔讲究骨架、边框和位置的分布等，注重研究画面的关系，诸如：黑白灰，点线面，形状、位置、疏密、方向等。

四、设色和技法是工笔花鸟画关键的设计内容和重要的表现语言

中国古代画论谢赫六法中强调“随类赋彩”是中国画传统的设色模式，是指不囿于瞬间光暗变化的固有色为基础，不追求环境和光源色，形成洁净、明快的艺术美感，郭熙《林泉高致》中说，水色，春绿，夏碧、秋青、冬黑，这是水色在不同的季节里呈现的固有色调，中国绘画不求西方绘画讲究光色变化，追求单纯求丰富求对比，多采用平涂和晕染的方法，在一色中求变化即浓淡晕染，适当的晕染交代结构关系足矣，打破环境色的束缚，充分运用色彩的变化和情感性象征性，发挥想象灵活使用色彩。

中国画的笔墨是造型的基本手段，常常以墨为主，以色为辅，古人讲：色不碍墨，墨不碍色。中国绘画的造型结构主要靠墨来完成的，墨是结构之骨干框架，墨色是中国绘画的主体和领导者。墨与色的对比，是中国绘画色彩中基本的对比因素，墨色是中性色，他和任何色彩放在一起都可以调和，任何不调和的色彩只要有他就能调和。

工笔花鸟画，在表现技法上运用了勾勒，晕染，皴擦等，要求明净不薄，浑厚不脏，多层晕染，薄中见厚，工整细致，着眼于结构，以勾线为主，不同的物象不同的勾线方式，比如，花头，枝干等质感不同用线不同，要有对比区别，在创作中不可缺失，这样才能体现中国画的文化特色。

笔墨当随时代，现代绘画创作不断发展与时代同行，要在传统的基础上不断探索和发现研究新的方法，可以从用笔，色彩，技法上不断创新，比如，中国画颜料，水彩，丙烯，水粉，金箔等都可以融入创作中，现代艺术是包容的、开放的，可以借鉴西画造型，来丰富我们的视觉力度和造型语言，也可以借鉴日本，韩国的一些绘画，使用岩彩，弱化线条，强调色彩，材质，装饰的美感，现代绘画讲究独出心裁，特技，与众不同，也充实和丰富了工笔花鸟画的审美内涵。

五、结语

中国花鸟画有着独特的语言魅力和审美价值，我们要在继承传统的同时，在思想上，技法上，题材上不断创新，创作出符合我们时代的艺术品，重视写生，多走进大自然，写生是源泉，是动力，是母体，切忌写生不是单单收集资料，更重要的是写生也是创作，艺术的本质是表现不是再现，只有体会了、观察了、思考了才能把自己的理解和感受融入画面中成为艺术作品;只有深入生活了、感受生活了、融入大自然了，才能创作出有灵魂的艺术作品。