王梦云MENGYUN WANG

时装与舞蹈是本季最值得关注的“合作伙伴”，它们共同定义着人体律动的自由，以及灵魂的表达。

“身体可以传递言语不能表达的。”现代舞的先锋人物Martha Graham曾说道。本季Mario Grozia Chiuri在Dior发布的新系列的灵感来源，就来自Graham与lsadora Duncan、Loie Fuller、Pina Bausch等这些20世纪最伟大的女舞蹈家，她们各自开创的舞蹈技法革命性地推动了现代舞的创新。“她们通过舞蹈来释放自己。”设计师赞赏道。

Chiuri还邀请了以色列编舞家Sharon Eyal特别为时装秀编排了一段新的舞蹈。有趣的是，Eyal之前所在的以色列Batsheva舞團正是Graham在1964年参与创办的。当天，八位舞者身着Chiuri特别设计的连体服在舞台中央表演，穿薄纱芭蕾舞裙、平底芭蕾舞鞋、以嘻哈舞蹈为灵感的廓形丹宁的模特们穿梭其中。“故事源于身体内部”，Eyol解释道。而在设计师看来，舞蹈既极其严谨又极度自由，蕴含着女性的创造力与力量。

就在几个礼拜之前，Gucci在米兰时装周期间邀请英国舞者Michael Clark及舞团在Gucci Hub空间也做了一场舞蹈表演，在部分段落中舞者们还穿上了Gucci最新系列的设计。Acne Studios的创始人JonnyJohansson也曾受邀为瑞典的舞团设计舞服，虽然最终他怕自己专业度不够拒绝了，但这个经历对他本季的设计产生了巨大的影响。从舞者的连体衣、芭蕾舞鞋，到一件饰有“NYC Ballet”的复古T恤、隐喻《天鹅湖》的天鹅图纹以及巴黎歌剧院的印花，都体现了他近期在Instagram上对于舞者的关注。

不只在当下，事实上，舞蹈与时尚渊源颇深。20世纪初期，Coco Chanel就与俄罗斯芭蕾舞团展开合作，展现了当时正在崛起的现代舞与时装愈发简约的设计相结合带给女性身体的解放。之后的爵士年代，Flapper女郎们能够自由跳起最爱的“Charleston”中那些高抬腿的动作，也是仰仗了当时Chanel等先锋设计师倡导的摒弃胸衣，穿裙摆更短的设计才能达成。

Dior时装屋的创始人也热衷于舞蹈，不仅客户里有著名芭蕾舞者Margot Fonteyn（她的婚纱就是Dior设计的），还在1949年秋冬系列中展示了一款名为“Cygne Noir”（黑天鹅）的礼服。而在前一年，法国著名编舞家Roland Petit曾邀请ChristianDior为其芭蕾舞Les TreizeDanses设计舞服。彼时，还未成为好莱坞影星的Leslie Caron是Petit舞团中的成员，她回顾道，即便Dior先生已是享誉全球的高定大师，但他在香榭丽舍剧院或者他位于街对面的高定工坊给舞者们试装时，都会“仔细倾听舞者们的反馈”，“我们会说‘这个太紧或者‘抬不了胳膊。”

到了Jolln Ga…ano掌舵Dior时，时装屋与舞蹈的这种联系又在2003年的秋冬高定系列中重现——从开场的弗拉明戈舞曲伴奏开始，T台上呈现了芭蕾舞、20年代爵士乐、嘻哈等各种舞蹈为灵感的设计。“我想要模特看起来像是连续跳了八天八夜的舞，”设计师在当年《纽约客》的采访中解释说，“我想看到那种汗、污垢，那种筋疲力尽与恐惧、疼痛……我想感受到这些，要去撕裂、扯破、剪裁，直到那种痛苦嵌入裙子中，通过这些我们会创造一个全新的舞蹈。”

Galliano的母亲是西班牙人，从小教他在家里的餐桌上跳弗拉明戈。那大红的传统舞服象征着舞步中的激情与热血，但旋律的背后往往蕴含着痛苦与别离——就在秀的前夕，设计师的父亲刚刚去世，他在后来的采访中坦陈，他们在其葬礼上就跳了弗拉明戈。另一位来自西班牙的设计师Cristóbal Bolenciaga也常常将弗拉明戈浓烈的色彩和夸张的荷叶边注入礼服设计中，而在该时装屋的2013年春夏系列中，当时的掌门人NicolasGhesquiere摒弃了以往的色调，给充满律动的裙摆做了摩登的诠释。

对于舞者本身来说，舞服往往是表演的一种衍生，用来增强舞蹈的表现力。比如MarthaGraham所开创的“Graham”技法试图在舞蹈中展示人生最自然的状态，她的舞服同样讲究简洁的线条。“她会亲自制作自己的舞服，”2 014年“Dance&Fashion”展览的策展人ValerieSteele在之前的采访中说，“她最忠实的粉丝之一是Halston（时装设计师），在她步入晚年后，便开始帮她制作舞服，他会说，‘Martha，告诉我你想要什么，让我来做你的手。”

时装史上最杰出的人物，从Yves Saint Laurent、Ka rlLagerfeld、Christian Lacroix到Valentino Garavani等，也都曾为芭蕾舞团设计过华美的舞服。而更具实验性的案例则是1991年，日本设计师三宅一生在与法兰克福芭蕾舞团的合作中研发出的百褶面料，并在后来直接催生了他于1995年创办PleatsPlease品牌。四年后，曾是Mortlla Graham的徒弟的现代舞蹈大师Merce Cunningham深受川久保玲的1997年春夏系列“Body Meets Dress， Dress Meets Body”启发，编排了一段新舞Scenario，还邀请了设计师来打造舞服和场景。

同为各自行业里的奇才的这次合作打破了以往所有的旧习——川久保玲这一季时装被俗称为“lumps and bumps”系列，因为服装在胸部、胯部、臀部这些的“性感”区域都有奇怪的“肿块”。后来有舞者反映这就像身着一件又热又累赘的棉袄，还要调整舞蹈动作去适应服装。从基础层面，川久保玲就一举颠覆了舞服不应该束缚舞步的这一原则。

在时装秀愈发娱乐化的当下，舞蹈的加入还能帮助一场秀从纯粹的衣服展示上升到表演层面。多年前，AlexanderMcQueen名为“They ShootHorses，Don't They？”的2004年春夏系列就是以1 969年的同名电影为灵感。电影取景于美国经济大萧条的时期，讲述一群孤注一掷的人为了奖金参加一场舞蹈比赛后所引发的悲剧。McQueen在设计中借鉴了30年代的服装轮廓，还让模特们以跳舞的方式来完成整个走秀过程。同样，Viktor&Rolf 2014年春夏高定系列以荷兰国家芭蕾舞团舞者代替模特，用足尖的跃动展示其设计。

其实无论哪个舞种，优美的舞姿和自由的表达背后是对身体的折磨与自律，这样的对立让舞者们在外人眼中永远有某种魔力——舞蹈有时看似飘逸脆弱，但舞者的身体却是强悍而充满力量的。川久保玲在2005年春夏的“Ballerina Motorbike”系列就结合了机车文化与芭蕾舞裙，将芭蕾舞者柔韧的力量与驾驭机车的男性化力量相提并论。同时，在愈发喧嚣的时装界，舞蹈也是最能跨越国度、阶级、文化直入人心的语言。就像Dior秀场门口所写的那句PinaBausch的名言——“跳舞吧，跳舞吧，不然我们将会迷失。”