韦嘉晨 （河南大学美术学院 475000）

水彩画对于光影的捕捉很大程度上来源于其形成初期对于写生的重视，但这种重视却又不同于油画写生，因为其种类的特点，在很多时候被视为油画创作的“小稿”。发展至18世纪，地志学和制图术的进步给英国水彩画的形成起到了积极的作用，到了19世纪中叶后，它得以迅猛发展，逐渐成为了一个独立的绘画门类，同时也确立了英国水彩画在世界美术史上的重要地位。这种独特的艺术语言也在自身不断发展的同时传播到了更多的地域，20世纪时，它成为了世界性的画种，在中西文化交流时，它便与中国悠久的文化历史、艺术史相结合，在中国的绘画领域内不断发展壮大。

水彩画中题材的选择范围之广，也为该画种丰富了创作的思路。作为大学生，如何在创作初期寻找素材、如何通过水彩技法来表现出自己的艺术情怀，都是不可避免的问题。在新媒体发展迅猛的今天，每个人都可以方便快捷地找到诸多不同风格的画家、不同流派的作品，可以充分沉浸其中汲取足够的养分，但是如何形成自己的创作思路，这是每一位美术专业的大学生在进行艺术创作时都要认真思考的问题。

一、形成对于水彩画的正确认识

水彩画是源于西方的画种，虽然进入中国后在一定程度上受到了中国文化的影响，越来越多的中国画家也可以用富于变化的手笔来描绘华夏大地上土生土长的风景，但是在当代水彩画的发展环境中，仍然要在一开始就保持一种灵敏、灵活的思维方式。中国画的水墨淡彩对我们的影响是潜移默化的，但这并非是指在绘画过程中画者要将两者趋同。所谓正确的认识，该是在掌握了水彩画正确的基础理论、必要技法之后，在其与中国传统艺术形式的接壤处达到融会贯通，从理性的角度走进去，从感知的世界走出来。这种正确的认识当然也离不开个人的绘画实践，当画面语言与个人思维碰撞时，更多意想不到的效果就会由此产生，这也就要求画者应当在创作过程中不断进行反思，总结经验，植根于中华文化的沃土，感受世界艺术的魅力。

二、选择合适的水彩画题材

不管任何画种，对于创作题材的选择都是至关重要的。在大学生进行水彩画创作的开始，往往会面临不清楚如何选择合适的题材、不清楚题材是否精彩、出众等一系列问题，虽然在借鉴了其他画家的水彩作品后，都大致形成了自己的思路，但是又无法紧紧抓住题材内容中的关键点进行创作素材的收集。结合水彩画的发展历程，在当下环境中，水彩画的创作仍然以选择现实类的题材为主，特别是在校生在学习、创作阶段，其艺术经历并不丰富，抽象语言也无法准确运用，这就要求画者应当有足够细致的素材收集、分类，不能拘泥于某一种固定的模式，结合以上内容，提出几点题材选择的建议。

1.结合时代，反应当下生活

“艺术源于生活”这句话是对艺术创作中题材选择的最直接概括，各地不同的风土人情、城市变迁、民族特色等内容已无数次出现在各大展览中，这是画家对于平凡生活最直观的感受也是最准确的把握，这源于他们对环境的思考，这种思考是值得大学生在选择题材时借鉴的，但是又不同于画家们的敏锐，大学生的想法、笔法中均透露出的拙气、稚气是无法轻易改变的，而这一点也恰巧是在题材选择时的一个亮点，如何用自己的眼睛去观察正在经历的生活，用自己的心灵去感受现在这个时代，而不是假借他人之眼的观察，通过他人的想法思考自己的作品。

2.追其本源，发掘心中热爱

对艺术创作的热爱是每一位画者在对待自己的作品时的不竭动力，它来源于画者的生活感受、认知、思考等各个方面，不仅涵盖了有形的自然界实体，也囊括了无形的情感等诸多方面。对于大学生来说，已有的生活经验可以清楚的把不同的领域分出相应的层次，这就是发掘自己内心深处热爱事物的最直接的手段，但却也容易出现这样的情况：由于对生活环境的习惯而忽略了身边的景色，比如对这座城市的观察、对楼下老街道的记忆，虽然他们始终都是画者热爱的一部分，却因为司空见惯而被忽视。在每一次艺术创作开始前，都应认真的思考一下：这个作品最终要传达些什么？因为不论我们采取何种形式，最后画面呈现出的，都将是画者内心深处最沉寂的那份热爱。

3.升华感受，展现生命美好

当有了一定的理论知识储备和较为丰富的水彩绘画实践后，画者会更加关注个人意趣的表现，这就会上升到对艺术真谛的探讨和对生命本体的歌颂。在大学阶段，如何准确表现出对生命的感悟需要认真地构思作品，要用“四两拨千斤”的巧劲来传达自己绘画的内涵。

三、营造曼妙的水彩画画面氛围

1.对构图的设计

抛开大家都熟识的S型构图、三角形构图，把水彩画的画面形式分为两类：平面和纵深。对于平面型的构图，要注意画面上的空气感、流动感，不能简单的将作品处理为照片一般的纯粹写实。至于有纵深感的构图，则更应该让光线在作品上有跳动感，让它可以带领着观者一步步走进画者的世界里，同时应当注意，不能在纵深的尽头把光的感觉堵住，这样会让人感觉自己像是走进了一个“死胡同”。

2.对光影的捕捉

不论选择怎样的构图形式，水彩画中对光影的表现总是重要的一部分，在收集素材时就应充分考虑到画面的光感如何安排。在风景画的创作中，若需要实地拍摄，则应选择在光线充足的条件下，这样拍出的照片中物体的肌理感会更加凸显，有利于后期的艺术创作。

3.对空间的呈现

与中国传统绘画中的“散点透视”截然不同，在水彩画写实作品中，“空间”即“透视”，正确的透视关系是处理空间深度、远度的重点，但空间的表现又不局限于透视，还有色彩的变化带给人景物的前后、远近等关系的变化，光影的重叠带给人画面关系的律动，最后，画面中物体的塑造程度也会进一步明确出景别所呈现的空间感。

4.对冷暖的分配

光线能够带给人色彩的感受，在一幅水彩画作品中，颜色的冷暖则是相较而言的，如在不同时间段的光线照射下，物体的亮部和暗部的色彩倾向不同，又如在同一光线照射下的大面积暗部中，更需要采用冷暖对比的方式来区分出层次或质感。当然，画面中出现的大面积同色系时，在局部要巧妙运用其补色来进行补充，以增加作品的灵动感。

5.对整体的把控

在创作构思时就应当明确作品最后要得出怎样的效果，不能用模棱两可的态度往下走，这就要求画者在收集来的大量的素材中进行合理的取舍、替换、补充，在画面丰富的同时考虑整体，在细节变化的同时力求统一，让所有的景色都为画面的效果服务。

四、整体调整画面

在学生学习的阶段容易因陷入局部刻画而让画面产生僵硬、死板的感觉，因此在每一步进行的同时都应从大关系上进行规整，当画面塑造完成后，更需要对画面整体进行适当的调整，此时应当重视作品的大感觉，应当从以下几点进行分析。

1.作品暗部是否统一

画者可选择将作品放置于远处并微眯双眼观察作品，看作品的亮部与暗部之间的对比程度是否合适，以及暗部是否整体，同时应当注意在画面中出现的重色是否具有明确的色彩倾向。

2.作品色调是否统一

当参考某一照片进行创作时，会不自觉地倾向于使用该照片本身的颜色，但这并不一定是作品要追求的效果。因此在某些特定情况下，画者可选择将作品统一刷上某种颜色，但此时应细心留出画面中原有的空白之处，与此同时让画面趋于和谐一致。

3.作品细节是否深入

当画面的大关系、大效果处理统整后，应当再次关注画面中的精彩之处，即“画眼”，让观者有一种把景色看进去的感觉，这就要求画者具有一定的塑造能力，会用合适的方法处理画面中的点睛之笔。

以上提及的这三个方面，是整体调整中最为基础的部分，三个方面应当相互交融，彼此渗透，反复进行，不可孤立的对待，直至最终调整出较为满意的作品效果。

五、结论

水彩画的创作过程并非一蹴而就，它需要在日积月累的练习中去理解、去感受。大学生在进行水彩画创作的同时，要有扎实的理论基础和一定的专业绘画技能，同时还应保持对艺术创作的敏感。在水与彩的结合中，仍有许多新奇的地方等待人们去发现，水彩画的创作也还有很大的空间值得探究，不论是美术专业的大学生或是普通的水彩画爱好者，都应把理论与实际结合，提升自己眼界的同时，手上功夫也会水涨船高。