麻莫久

【摘 要】西方舞蹈从古典芭蕾的产生发展出专业的舞蹈身体训练体系，目的是配合舞蹈表演艺术的需要，培养具有高素质的舞蹈演员。本文从西方芭蕾艺术的产生入手，详细说明舞蹈身体训练的概念与原理，通过阐述古典芭蕾训练产生的背景及其演变发展的过程，突出芭蕾训练体系中技术性与艺术性相结合的原则，旨在体现古典芭蕾训练体系的演变是服务于社会、时代、剧目、观众审美需求的成果。

【关键词】古典芭蕾;训练体系;产生;发展

中图分类号：J732  文献标志码：A              文章编号：1007-0125（2019）32-0090-02

西方舞蹈源远流长，芭蕾作为西方舞蹈艺术上千年传承与融合的产物，在西方舞蹈研究上具有重要的地位与价值，对近现代舞蹈的发展奠定了一定的基础，因此研究芭蕾身体训练的产生与发展的过程，有助于更好地把握现今舞蹈身体训练的方法与体系。

一、芭蕾艺术的产生与发展

芭蕾艺术的真正形成是在17世纪下半叶，在法兰西国王路易十四的大力提倡下，芭蕾在皇室里逐渐兴盛起来，大量的戏剧芭蕾舞剧产生，芭蕾从片段式的“出场”转变为独立的表演形式，形成了以“巴洛克”为主体，逐渐渗进古典主义审美趣味的宫廷演出风格。17世纪末18世纪初，随着芭蕾技术的逐渐成熟，戏剧芭蕾的舞蹈与贵族社交舞会的舞蹈拉开了距离，舞蹈表演者的队伍也产生了改变，宫廷贵夫人不再参加芭蕾演出，让位于专业女演员，芭蕾也从贵族社交礼仪舞蹈转变成了舞台表演性质的舞蹈，这也为今后芭蕾训练奠定了前提条件。“当芭蕾从人本身的自娱自乐、抒情达意的手段转变为舞台表演性质时，它就带着明显人为的功利性质，这是一种自在想自为的转化，舞蹈教师在这次转化中起到了巨大的作用。”①为了规范芭蕾艺术，博尚、波若耶、吕里等一批优秀的舞蹈教师确定了芭蕾美学“外开”的基本原则，规定了脚下的五个位置，并把当时收集到的队形、花样、动作分类整理命名至今的“五个手位脚位”，这使得芭蕾动作更加严谨准确，“对形成中的古典芭蕾起到了规范、奠基的作用，也为今后芭蕾的科学研究工作开辟了道路。”②

二、舞蹈身体训练的概念与原理

（一）舞蹈身体训练的概念

从芭蕾的产生与发展可以总结出：舞蹈身体训练是服务于舞蹈表演的基础训练，其目的是为了提高专业舞者的身体素质。完整的芭蕾训练过程包括：扶把联系、中间练习、adagio、allegro四部分，各部分有严格的程序，在力量、速度、耐力、柔韧度、灵活性、协调性等方面均获得了训练，使舞者在运动过程中更加准确到位地完成动作，达到剧目表演的要求。舞蹈身体训练除了狭义的基本功训练之外，还与舞蹈的表现力和动作的规范性等相关。

（二）舞蹈身体训练的理论实践支撑

舞蹈作为一门以人体作为表现媒介的艺术门类，一方面在注重对身体能力的训练的同时，还要紧扣舞蹈的艺术特性，要求艺术性与技能性相结合。在遵循专业舞蹈艺术规律的基础上，动作设计要尊重人体规律，充分借鉴舞蹈生理学、解剖学、训练学等舞蹈科学理论，将不同舞种风格的训练功能进行优化整合与高位嫁接，淡化其动作风格特点，强调其训练价值。身体训练一定要遵从规范、严谨、循序渐进的原则，要打好牢固的基础，不能急于求成。

（三）早期芭蕾身体训练书籍

1688年米歇尔·德·比尤尔神父出版了《对古今舞剧的看法》，在这本书中讨论了芭蕾舞剧的演出形式以及与话剧之间的差异。除此之外，比尤尔还谈及舞蹈演员应该具备哪些身体素质，例如：拥有良好的体型、力量、正常的听力、手势姿态和典雅的风度，同时还必须善于钻研作者的构思与情节，深入自己扮演的角色性格。”③可见，早在17世纪就已经明文提出舞蹈演員的选材要求。“1701年在巴黎出版的拉乌尔费利耶的著作《舞谱：舞蹈记录的艺术》记录了由皇家舞蹈员制定的外开原则和五种脚位，还列举可转、跳的各种变体以及手臂的动作，并且特别强调的手臂的延展性，‘飞行和跳跃在法国舞台上也不再像原来那样激烈，而是变得优雅。”④由此可见，在法国芭蕾时期，舞者在训练过程中更加注意自身优雅的形态，遵守文雅华贵的风格，在高难技术上没有过分追求。

三、芭蕾美学“开、绷、直、立”四大原则的奠基

“开、绷、直、立”是芭蕾美学的四大原则，这四大原则自1700年同手脚的五个位置以及若干固定舞姿一道形成，一直沿用至今，成为各个时期芭蕾编导和表演家们的审美标准。所谓“开”，指的是芭蕾舞者不分男女，均需要从肩、胸、胯、膝、踝五大关节部位，左右对称地向外打开，尤其是两脚应该向外打开180度，其原因有四个方面。

首先，从舞蹈动作审美上，“开”可以最大限度地延长舞者肢体原有的线条，扩大动作范围，以增强其表现力;其次舞蹈作为一门艺术，为了摆脱实用的功利性目的，致力于全身心地向外打“开”，以达到非职业舞者所不能达到的程度;最后，芭蕾起源于贵族舞蹈，“外开”是为了炫耀贵族气质，在舞台上占有更具高度的位置，带有明显统治者认为的等级观念。从力学角度来说，外开也可以使人体的形态达到最挺拔的状态。从运动科学的角度来看，法国贵族热衷于击剑这项运动，为使与对手接触面积更窄而选择侧立，从踝开始向外打开，便于提高运动时的灵活性以及运动中的平衡能力。芭蕾是一种追求放射性、直线型、理想型的舞蹈，因此不管是动态还是静态动作，都无限追求延长拔高，这种审美追求也与西方人“直线性”的思想方式相辅相成。皮埃尔·拉莫于1725年出版的《舞蹈教师》一书中，最早记载了关于“外开”动作的发展，早期芭蕾舞演员身着厚重的鲸骨裙，双脚不能外露，动作有所限制，随着女性封建思想的解放，女性的社会地位得到了提升，舞者换上了轻便的短裙，从内心到身体得到了解放，对“外开”的标准也从90°逐渐发展成了180°。从文化学的角度来看，“开绷直立”的训练原则，有一部分原因来源于西方的古典艺术。“西方的古典艺术离不开希腊文化和希伯来文化，在古希腊的雕像中，人体具有特别的纯真感与高尚感，其造型具有强烈的理想主义，芭蕾继承了这种优美、纯粹的美感;在希伯来文化中，令人庄严、肃穆的宗教文化和高耸入云的‘哥特式建筑与芭蕾尽力向上，直线式的线条产生了相似的审美体验。”⑤

四、古典芭蕾各阶段发展特征

（一）前浪漫主义芭蕾——芭蕾服饰改革

18世纪以后，男子垄断芭蕾舞剧的局面被打破，才能出众的女芭蕾舞演员登上舞台，受到观众的青睐，而女演员传统的芭蕾服饰是拖地的鲸骨裙、厚重的头饰以及尖头高跟鞋，在表演中极大地限制住了演员的活动。玛丽·卡马戈和玛丽·萨莱这两位18世纪的芭蕾明星为了给技术动作提供方便，将舞裙剪短至脚踝以上，把高跟鞋换成软底鞋。随着女演员小腿的裸露，舞蹈家们为小腿部分设计出了一些灵活、复杂的舞步，训练的重要性陡然增加，打击、跳跃与旋转等技术动作完成的完美程度，成为衡量演员的重要标准。除了露出脚下部分之外，革新的服装也使颈部、肩膀及胸腰间完美的曲线得以显露，“对Epaulement和后背上部的灵活性动作的训练也得到了重视，上身成为除腿脚之外最富表现力的部位之一。”⑥

（二）浪漫主义芭蕾——脚尖功的发展

18、19世纪之交，受浪漫主义影响，艺术家们创作出了极具高贵典雅、严谨规范、轻盈飘逸、情怀浪漫的芭蕾舞剧。这种诗意更浓的表演风格归功于女子脚尖技术的迅速改进。“浪漫芭蕾代表作《仙女》中的舞蹈凸出了脚尖功的技术，确立了垂直向上的动作规范，把芭蕾舞技推到一定高度，加上双臂在臂纱的衬托下缓缓地流动，白色的纱裙在空中翩翩飞舞，成功地塑造了轻盈飘逸，超凡脱俗的仙女形象，极大地提高了女演员的技巧和表现力。”⑦随即脚尖功技术被广泛运用到其后的所有剧目中，长时间站立并在脚尖上行走、跑跳、旋转成为芭蕾身体训练的主要内容，脚尖功成为“女舞蹈家表演不可缺少的部分”⑧。

随着剧目需求、观众需求，社会审美的变化，芭蕾身体训练的重点也处于不断发展中。19世纪的舞剧中，女演员的舞裙再次变短，成为由上身紧身胸衣与腰间的圆盘硬纱构成的仅盖臀线的tutu裙，“形成了芭蕾女演员服装‘趋短化的走势，对其肢体线条和比例日益升级的苛求。”⑨弯曲的膝盖、粗壮的大腿不被观众所接受，因此在视觉感官上要求更加科学、规范、有效的训练体系。

（三）古典芭蕾——俄罗斯芭蕾舞剧创作巅峰

古典芭蕾是芭蕾发展史上的第三个时期，与前两个时期相比，“古典芭蕾”的成就更突出了，“双人舞”和“性格舞”的两大模式历经数百年时间的考验，如今依旧活跃在世界舞台上，形成古典芭蕾的经典程式。“古典芭蕾之父”佩蒂帕与俄国音乐大师柴可夫斯基共同创作了一批经典的芭蕾舞剧，这些舞剧见证了19世纪以来芭蕾艺术的探索与创新，随着芭蕾事业的繁荣发展，芭蕾的身体训练体系也逐渐完善起来，“19世纪末20世纪初，一系列教学理论书籍相继出版，例如阿迪斯的《戏剧舞蹈理论》、切凯蒂体系的《古典戏剧舞蹈理论与实践》与《古典芭蕾中的allegro》，瓦岗诺娃的《古典芭蕾基础》，书中对舞者的头、手臂、上身、腿、脚、表情以及整体的舞姿等方面都做出了规范的整理，形成了一套相对完整的、趋于标准与规范的程式化的训练模式。”⑩

（四）现代芭蕾——精神反叛，追求现实

20世纪后的俄国出现了一批不满现状、锐意革新的芭蕾舞蹈演员，他们受现代舞的影响，反叛传统的古典芭蕾的内容与形式，摒弃固有模式，吸收现代舞的编舞方法与技巧，在传统芭蕾舞剧形式上追求短小多变的作品规模，以适合现代人的生活节奏。在身体训练上，他们在古典芭蕾训练的基础上结合现代舞的體态与技巧，爵士舞、舞厅舞等多种流行舞的元素以及杂技的动律、普拉提训练法等各种动作元素来创作作品。“这些新时代的芭蕾作品打破了许多题材上的禁区，为古典芭蕾的程式化语言补充了大量崭新的动作元素，在动作设计上甚至采用二维造型、内扣腿脚的动作，向唯美的古典芭蕾开战。”在现代芭蕾时期，舞者们不去追求古典芭蕾中唯美、仙化的意境，而是在表演中更加贴切现实生活，用更强烈的情感来表达自己。

五、结语

综上所述，古典芭蕾训练体系的方法与内容不是一成不变的，芭蕾技术随着社会的需求不断发展革新，身体训练作为服务于舞台表演的辅助训练，要时刻与社会需求贴近，与时俱进，同时还要保留发展过程中精华的部分，将其一直延续下去，为芭蕾艺术的发展奠定基础。

注释：

①吕艺生.舞蹈学导论.上海音乐出版社，2003版，105.

②朱立人.西方芭蕾史纲.上海音乐出版社，2000年版，第10页.

③同（2）.

④同（1）.

⑤孙婉婷.浅谈古典芭蕾训练中的五个核心元素，2012.

⑥孙婉婷.古典芭蕾的产生与发展，2012.

⑦朱立人.西方芭蕾史纲.上海音乐出版社，2000年版，第36页.

⑧欧建平.外国舞蹈史及作品鉴赏，2008年版，第77页.

⑨欧建平.外国舞蹈史及作品鉴赏，2008年版，第78页.

⑩同（6）.

参考文献：

[1]孙婉婷.浅谈古典芭蕾训练中的五个核心要素[J].北京舞蹈学院学报，2012（04）：17-20.

[2]孙婉婷.古典芭蕾训练的产生与发展[J].艺术教育，2012（10）：94-95.

[3]朱立人.西方芭蕾史纲[M].上海.上海音乐出版社，2001.

[4]欧建平.外国舞蹈史及作品鉴赏[M].北京.高等教育出版社，2008.

[5]吕艺生.舞蹈学导论[M].上海.上海音乐出版社.2003：105-110.