袁广福

【摘要】通过对当代经典舞台艺术作品的分析，探讨写实性舞台美术中运用光影元素创造写意空间的技巧。

【关键词】灯光设计；写实；光影；写意；舞台空间；舞台美术

当下，随着舞美精细化分工的日益明确，以及观念、意识、理论和技术的不断更新进步，舞美这门综合艺术焕发出前所未有的光彩。舞台空间从单纯的“想象可见”过渡到实景，而实景又从传统的布景、装置、道具、照明的静态布局，演变到数字化、智能化的灯光、音响、视频、机械的动态形式。舞美的角色也从旧有被动的、对表演内容的陪衬功能，发展到现代主动的、对表演内容的直接参与的主体地位，甚至有时能够成为独树一帜的舞台呈现环节。

那么，舞美艺术如何能够充分发挥自己的功能，为舞台艺术作品增光添彩呢？这是一个浩大的命题，本文试从一个较小的角度切人，结合对当代几部经典舞台艺术作品的解读，分析写实性舞台美术如何通过光影实现写意表达，从而为提升整个艺术作品的品质和内涵服务。

1 “纱窗日落渐黄昏”——室内写实性舞台中光影的写意表达

老舍先生的《茶馆>是北京人民艺术剧院（北京人艺）的经典话剧，室内舞台写实空间的搭建也堪称中国话剧艺术的典范。在一个年代感彰显的环境里，舞台前区和中区几套普普通通的八仙桌和条凳略显凌乱地错落安置，而由楼、柱、门、窗、格、檐等传统建筑符号构成的立体空间完整地占据了舞台背景，体现出老北京旧式茶馆的特色。这是话剧《茶馆》（《茶馆》重排版本，導演：林兆华，舞美设计：易立明，演出时间：1999年）的舞台给观众的第一印象。

这样一个写实的、静态的舞台空间，如何体现出动态的写意呢？显然，答案就在那几扇可开可闭的门窗上。通过光和影的变换，门外与窗格上不断呈现出各样明暗色彩的变化，而不同的景物也随着剧情相继变换。它们简练婉约，于无声处时隐时现，正如“纱窗日落渐黄昏”，貌似不露声色，却无时无刻不体现出暗含的寓意。通过开关闭合、明暗转承，将时空的变迁、岁月的流痕、人物心理的嬗变都以极致的、动态的写意淋漓地呈送给观众。

对于写实技法下相对静止的舞台空间设计，设计者必须保持对这种“润物细无声”式写意的追求。高度写实手法毋宁是非常细腻的，虽然貌似平淡，却隐含着大工夫。因为，具象的设计若是没有明暗、曲直、断续、取舍、离合，若只是对日落黄昏的单纯描绘，那会显得多么僵硬无趣。而透过那层光影飘忽、诗意灵动的窗纱去看忽隐忽现的夕阳，我们追求的“意”便不期而至、自然到场了。

北京人艺的《坏话一条街》（导演：孟京辉，舞美设计：严龙，演出时间：1998年）。是一部偏于冷幽默的现代荒诞话剧，与《茶馆》舞台设计相似，它的背景空间采用了北京人艺一贯的写实搭建风格。舞台前区中间偏左侧，摆放了一套八仙桌和方凳，右侧则安置了一个小型的电话亭。有别于《茶馆》完全写实的背景风格， 《坏话一条街》的写实背景，没有完整呈现建筑的全貌，而采用了局部夸张的手法。一个体量巨大的中式屋顶，瓦片叠叠，从宽度上占据了中后部舞台的整个台面。屋檐自舞台地面开始，并通过一定角度，倾斜着向上，屋脊则延伸到背景天幕的下半部分。演员们通过在舞台台面、屋瓦斜面、屋顶平面的位置变化，自然而然地完成了近区、中区、远区的不同空间转换，从而巧妙地解决了近低远高的视觉高度落差。这个体量巨大的灰瓦屋顶，带给了观众强烈的视觉冲击。尽管看上去它是极为熟悉、家常的，那些普普通通的瓦片，灰色、人字脊、一字梁，都是北京胡同文化特色的高度概括。可它又不是全须全尾的建筑，可以说是对经典的传统写实舞台空间设计的突破或者抽象。

屋顶下的市井沧桑让观众充满臆想与回忆，这种夸张从局部出发，制造了一个“犹抱琵琶”的写意空间，更能令人升起“打开窗户说亮话”的意愿。虽然，整个设计没有纱窗，甚至没有一扇窗户，没有更多可以直视解读的细节，但这个设计对经典写实空间的突破，仍然满含着“纱窗日落渐黄昏”的诗意。那层窗纱更是以虚拟的方式，整体出现于观众的心理空间。

随着剧情转为荒诞和嘲讽，光影的写意功能开始发挥作用。舞台左侧电话亭在脚光的照射下，其影子被夸张地升高拉长，超越那个巨大的屋顶，投射于天幕之上，从而形成一个特定的、有着非常力度的场景。这个被灯光作用后变形巨大的剪影，恰恰深化了故事情节，给演员诠释的内容增加了非凡的力度。它不只是夸大一个道具的存在，而是将一个相对封闭的空间，从局部的实景延伸到高大甚至是开放的光影，这大大加强了视觉冲击，并且为人物对话的内容做出了情绪上的导向，同时给予观众非常强烈的想象暗示。这种由光影变化传导的暗示正是创作者要强烈表达的“写意”动机。

“不着一字，尽得风流”。自古及今，中国人的灵感、情怀、主张、品格、风骨、意志等，往往以隐晦或曲折的方式融入到艺术作品中，或者说中国人更习惯于以写意的方式来诠释艺术。写实舞台的空间塑造一定要充满美感，无论是平铺直叙，还是含蓄迂回，又或直人人心，都应该有写意的节奏与律动，要呈现出精致、跳跃、灵动之美，要呈现出在简易语境里描述大故事的能力，这才是有着中国艺术精髓的空间设计。

“纱窗日落渐黄昏”。作为一个有着内敛含蓄的文化传统的民族，一个日落无需直面，只从窗纸上即可感知，这层薄纱般的窗纸往往只要一抹灵动的光影便有了无尽的诗意。

2 “犹有清风借四邻”——室外写实性舞台中光影的写意表达

就中国文化而言， “意”才应该是那个至善至美的不变的终极追求。经典需要传承，同时也需要不断发展突破，传统与现代的审美正是在彼此的突破中走向结合与融通。应该思考的是，尽管现实中我们能接触到的主要舞台艺术理论大多来自现代，可是我们应该如何更为得当地运用，使传统不是妨碍限制中国现代风格舞台艺术的表现力，而是从理论到实践，通过艺术的相通性，将现代与传统不断对应而非对立地融合统一起来。

2010年上海世博会期间，在上海朱家角课植园演出的中国首部实景园林昆曲《牡丹亭>就是将现代与传统融通的精彩之作。它将一部戏的观者、演者、舞台、看台，乃至整个剧情，完全融入一个真实的古典园林之中。光与影，在这场融通之中发挥了至关重要的作用。飞檐下，亭柱间，竹帘三面垂落地面，光影内透，犹遮犹空，送出杜丽娘咿呀作唱的身段；檐台枫桥，廊埠人舟，或得灯晕点化，倒映镜水成梦像，或因光彩烘托，衬于远景成剪影，一切亦幻亦真。坐在对岸榭宇观戏，演者、观者、声乐、光影，无不在景中，景又无不在情中。戏中唱的当然是人鬼情未了，听者却无不以为天上仙乐落人间。

光是一切事物可见的前提，色彩即是景物对色光的反射。对演出而言，从演员的身形、扮相、动作、服装，到舞台的布景、道具、装置，从整体到局部的视觉美感都有赖于灯光的呈现。光通过自身的角度、色彩、色温、强弱、缩放，可以改变观众对同一具体对象的认知。比如：对于多色彩的布景投射不同色光，就能获得完全不同的效果，从而改变舞台的时空感觉。而在同一舞台空间中，对不同局部投射强弱不同的光，就能改变或迅速转化舞台空间，起到引导观众视觉的作用。这种种技巧，在实景园林昆曲《牡丹亭》的演出中都得到了很好的运用。

既然光是景像可见的前提，那么对于舞台而言，光与演出之间一定是密不可分的。光本身有着自己的规律，有着自己的呼吸、情感、性格。灯光师需要思考的是，如何深层发掘光的能量，利用其特性，更好地配合剧情进行抒情和演绎，为创作者表达创作的主观“写意”动机，提升作品的艺术表现力和感染力。

“大处借景”与“小处借影”是中国古代建筑和园林艺术常用的手法，這种手法在当今诸多室外实景演出中被充分利用。 “印象”系列是为风景名胜区量身打造的旅游实景演出，这个系列不但是中国旅游产业化的重要一环，而且成为了中国文化中实景演出的名片。置身《印象西湖》的演出，就是置身西湖山水园林的妙景胜境：镜花水月、秀木飞雀、漫堤闲舟、风荷曲桥，一幕幕人间悲喜剧与天然景色交融在一起，真可谓相得益彰一一这是“大处借景”。苏堤上的水杉与垂柳刚柔相济，它们不只是呈现出景观造型，配合剧情的发展，洗墙灯做出色彩的变化，水杉与垂柳的色彩也随之不断变换；近处廊桥被逆光勾画成剪影，展示着其规整而不失灵秀的骨感；远处山峦则连绵起伏，保椒塔影影绰绰独立其间楚楚动人——这是“小处借影”。通过对古典建筑和园林艺术手法的借鉴，在很大程度上实现了室外写实舞台的写意表达。

如果说《印象·西湖》是一颗人文景观的珍珠，那么《印象·大红袍》则是一块自然景观的碧玉。与前者不同，后者是一场360°的环绕全景实景演出。 “景在四方，人在中央”，整个演出过程，观众席每隔5分钟就能够完成一次360°旋转。视频屏幕错落于真山真水之中，光影的表现则更为多样而写意。既有对成片林区整体普照的大色块，也有对树梢枝头飘逸的描绘，更有多重色光勾勒局部三两株树木的细腻。总之，向美轮美奂的自然借景，向简练灵动的光影借“意”，其产生的视觉震撼和心理感受，当然是丰富而厚重的了。

3小结

“纱窗日落渐黄昏，金屋无人见泪痕。寂寞空庭春欲晚，梨花满地不开门。”唐人刘方平的《春怨》原本是描写女儿心思的宫怨诗，笔者以为，其对光影变幻与色彩变化的诠释十分精妙，用来比拟光影在舞台写意表达中的作用亦未尝不可。以上从室内写实性舞台与室外写实性舞台两种类型人手，结合具体的文艺作品，分析了如何巧妙地运用光影的变幻，实现写实性舞台的写意表达，从而在演出过程中更好地渲染氛围、深化主题、营造意境、抒发诗意，为进一步提升作品的艺术表现力和感染力发挥重要的作用。对室内写实性舞台而言，光影的变幻如同神来的点睛之笔，精巧而精致，简约而婉约，在含蓄蕴藉间就达到了“刹那即是永恒”的艺术效果。对室外写实性舞台而言，光影的变幻需要“大处借景”和“小处借影”，因观众的视觉容易被太多的因素干扰而分散，所以光影的变化要格外注意整体、层次、空间，要让光影的“写意”被观众捕捉和感知，让创作者的主观动机和观赏者的审美体验同步呼应。

北宋画家郭熙在《林泉高致》中提出，山水画创作和鉴赏中有“可行可望”与“可居可游”两种层次，指出“意”才是山水画的灵魂所在。而光影之于舞台，更像写意山水之于水墨画，优雅意境之于现实生活。对于现代舞台而言，灯光的作用早已远远超出了当初简单照明的手段。观众首先入于视觉体验，之后因视觉反应产生感情，再通过思维评判形成想象与审美。作为舞美设计人员，这种由感官体验而情感认同，由情感认同而审美判断的过程，无疑具有相当的哲学意义。虽然，演出舞台的视觉转换过程有时可能是瞬间完成的，但是灯光师一定要认真思考，如何把握运用舞台的每个细节，如何让光影于无形中完成对表演风格的配合，满足演出内在意义的需要，而不显唐突或孱弱。这就要合理分配光与影的强弱，合理安排其明示与暗示效果，掌握断、续、曲、直等复杂的表现手法，从而使光影表现出独特的功能和韵昧，进而达到“纱窗日落渐黄昏”和“犹有清风借四邻”的诗意和意境。