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“Starry Starry night， paint your palette blue and grey...”用这首“文森特”来作为《至爱梵高》的片尾曲，实在是太贴切了，莫名的悲伤，伴随着梵高最后的自画像，渐渐逝去。这并非是种巧合，当年唐·麦克林创作这首民谣时，就是在梵高的《星夜》面前有感而发，用整整一篇歌词，来为孤独的天才送上了迟到的悼念。电影《至爱梵高》同样也是一首挽歌，一幅幅梵高画作连起的挽歌，观众随着不甘心小鲁林的脚步，重新回到梵高流连忘返的景致中，寻找一个纠结了近百年的问题：他为什么要自杀？

“模仿”着的“梵高之死”

这个孤寂的荷兰人，在麦田里用一把手枪结束了自己的生命，死时年仅37岁，寂寂无名。在时人眼中他是不幸的，画了800多幅画，生前只卖出了一张，不得不靠弟弟提奥的接济过活；在今人眼中他又是幸运的，作为后印象派的代表人物，如今每一个作品都能卖出天价，知名度早已跨越了艺术圈，成为了公众熟知的传奇人物。即便是未曾经过艺术熏陶的普通人，没听说过高更和马蒂斯为何许人，也知道在《星夜》前陶醉，在《向日葵》前赞叹。梵高因为作品的普及，身世的曲折，在這个视觉传播的年代里，超越了莫奈和毕加索，成为人们最为熟悉的现当代艺术家，连同他那只割下的耳朵一起，被一再模仿、消费。

《至爱梵高》说到底也是在用一种模仿的笔触，试图探索梵高的内心世界，通过对他100多幅代表作的“再生”，串起他从出生荷兰，漂泊巴黎，最终留在阿尔勒阳光下的短暂一生。

波兰导演科比拉同时也是粉丝，片中化身为梵高笔下的阿尔芒·鲁林，一身黄衣去采访每个曾与梵高有过交集的人，他爹约瑟夫·鲁林，唐吉老爹，加谢父女，阿黛琳·拉芙，以及那个传言中真正杀死梵高的人，从他们口中勾勒出关于梵高的回忆，他生命中的散落时间点，真假勿论，都有油画作证就够了。

手绘5万多幅油画的惊人壮举

梵高太有名了，关于他的传记就有20多部，其中包括法国大导演莫里斯·皮亚拉的《梵高》，以及日本大师黑泽明的《梦》等段落，勾画出一个敏感，神经质的艺术家人设。

假如《至爱梵高》又是一部真人饰演的传记片，继续采用访问和闪回的机构，靠几幅静态的梵高画作来点缀，难免失之沉闷。科比拉的想象力和执行力就在于，整部影片都是梵高的视觉风格，100多名画家历时3年，手绘了56800幅油画，除了把120张原画重绘，还把800多封家书的内容也融合进去，串起了时间线。

热爱梵高作品的艺术爱好者，会对片中的场景、人物如数家珍，放大到几十倍的银幕上看，《星夜》《房间》《露天咖啡馆》，视觉冲击强烈而兴奋。静态的油画“流动”了起来，增添的时间效应，也扩展了诗意。不仅仅是人物在背景中运动，还有镜头和视角的变换，哪怕只有12帧/秒，但在视听上更接近于一部用镜头实拍的电影。盖因影片的制作过程并非直接手绘，而是先有真人表演，再有艺术家用画笔完成绘制。

梵高生前喜爱画风景和人物肖像，《至爱梵高》里大部分场景都秉承了梵高式的粗粝笔触，具体到人物脸部表情时，则显得格外生动，笔触也变得精细多了。尤其是“男主角”鲁林在大全景中运动时，还是会有种“人在画中”的突现感，切换到近景的对话中就不再明显，这也是“先演后画”流程带来的差异。

多少还是有些遗憾

《至爱梵高》对“梵高画风”的模仿相当到位，大部分场景都是那种浓烈的，鲜艳的色调，只有当人物陷入回忆时，就会使用黑白画面来呈现，更加细腻、温柔，写实的笔触，接近于面包擦拭的碳精条素描。

其实闪回的交代更关键，“文森特”的由来，母亲对他童年的影响，与弟弟的关系，对女性的纠葛，每一名出现在梵高笔下的故人都开口说话，他们零星的回忆拼凑出一个敏感的外乡人，当他终于在阿尔勒的田野上展开画板时，世人还不知道现代艺术的面貌将被深深改变。

如果说影片还有什么遗憾的话，那恰恰就是这些活过来的“画中人”话太多了，真人演员一五一十都说了出来，表情太丰富，太戏剧化。而最让人出戏的，还是他们地道的英语，抑扬顿挫的伦敦音，实在不像是出自法国底层百姓之口，假如能把对白改成法语，多份含蓄，少点陈情，给观众一些留白的想象，就像那罗纳河上的星空，岂不更好？