黄凰

【摘 要】歌唱训练必须是科学性的，在教师的耐心指导下，学生通过刻苦练习形成好的歌唱习惯，具有自如地调节各个歌唱器官的能力，达到符合声乐作品内容所需要的音色。歌唱的发声训练要循序渐进，不能急于求成。在训练的每个过程中，要重视对细节的把握，对歌唱的每个要素要有深刻理解。

【关键词】歌唱的发音；科学性；循序渐进

中图分类号：G42 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）17-0175-02

一、正确的起音技巧

在歌唱时，作品第一句第一个音，我们把它称为起音。起音是从人们自然说话的状态下瞬间转化为歌唱状态的过程，它是在声带、气息、共鸣腔体协调控制下的产物，决定整首歌曲演唱的差与好。为了获得正确的起音，应当注意以下几点。

（一）气息均匀。起音时，要注意均匀运用气息，轻柔地抚摸声带。不论是气小于声还是气大于声，都会对声带造成影响，加重声带的负担，造成音不准的后果。要防止气息猛烈冲击声带，这样会使声音失去平衡，造成音色粗糙、喉音重以及破音的现象。当气小于声时，气息的压力不够，声带没有张力，振动幅度小，造成声音发虚、发空、音色暗淡的问题。

（二）声带闭合。在歌唱的过程中不能“躲”着嗓子唱，也就是说声带要闭合。声大于气，容易使嗓子产生疲劳。声小于气，气息停留或僵硬，造成声音发闷的现象。因此，对气息的运用要适当，根据歌曲旋律高低来运用气息，使气息的压力和声带的张力保持平衡。

（三）找准声音位置。起音时找准高位置（声音的共鸣焦点）来确保音准，起音不能用“够上去”这种不好的习惯，这样会使原本要唱的音高偏低，对音色也会产生不好的影响。

（四）打开喉咙。起音时喉咙要打开，保持深吸气的感觉，给予声带自由振动的空间。避免挤、压、掐的声音，使喉头上提，舌根用劲儿。声带不能自然振动，会造成起音很吃力，声音尖且刺耳。

二、稳定喉头的技巧

众所周知，歌唱的发音和咬字吐词有着紧密的关系，歌唱发音遵循咬字吐词的规律。在咬字吐词的基础上加以完善。所以，在歌唱的过程中喉头的位置不是僵住不动的。运用生活中的嗓音来歌唱，艺术的表现力会下降，同时声乐作品的情感也得不到良好表达。因此，喉头的稳定在声乐训练中十分重要。

喉头的稳定是发声的重要训练部分，如果演唱者在歌唱中喉头上下移动，会造成音色不统一、声音发紧的现象。所以在发音时，喉头应该向下运动，和向上呼气形成一个对抗的力度，树立一个稳定的歌唱通道。这样的对抗力度根据演唱的声区、音量的大小进行调节，让喉头进行有规律的运动。

在稳定喉头的训练中，也会容易走进误区。如：个别的歌唱者为了让喉头稳定，常常用舌根周围肌肉把喉头往下压，这种做法容易造成喉音重、声音闷、不自然，演唱时给人死板的感觉。因此，保持喉咙的稳定，不是刻意让它稳定，而是要符合科学的发声原理。

（一）打开喉咽腔。尽可能用鼻子、嘴同时呼吸，吸气时要使喉咙放下，喉咽腔打开，在演唱时可以想象“u”母音的感觉，保持吸气的感觉，使喉位稳定。

（二）贴着咽壁吸着唱。贴着咽壁吸着唱是稳定喉头最简单的方法。当音高上升时，咽壁的力量加强，喉头保持稳定的状态。这是被动稳定喉头的方法，可以避免主观压喉头的意念。

三、打开喉咙的技巧

打开喉咙是声乐教师在课堂上反复提到的歌唱要素，它关系到声音的好与坏，同时与共鸣腔体、气息的调节紧密相连。打开喉咙是提笑肌、下巴放松、上口盖吸起来，形成一个利于歌唱的通道，练习打开喉咙，可以从以下几个方面入手。

（一）找“打哈欠”的感觉。生活中“打哈欠”是在放松的状态下提起上口盖，鼻子吸开，咽壁立起来，气息畅通无阻地送出，演唱者带着“打哈欠”的感觉进行歌唱，会避免喉咙周围肌肉紧张。在日常练习中可以尝试闭口打哈欠，保持喉咙打开的状态。演唱者在演唱歌曲时带着“打哈欠”的感觉，声音就比较圆润、通透。

（二）用“微笑”的感觉来打开喉咙。这儿提到的“微笑”不是平常生活中见到熟人时的微微一笑，而是把笑肌提起来，鼻咽腔吸开，大牙打开，这样更容易找高位置的共鸣点。

（三）带着“吃惊”的感觉来打开喉咙。人在没有准备的情况下，被某事惊了一下，这种吃惊有倒吸一口凉气的感觉，在这样的状态下喉咙是自然下降的，笑肌是提起来的，软腭也是上提的，完全符合正确歌唱的要求。

四、建立稳定、良好的中声区基础

人声发出的最自然的声区属中声区，此声区是人们平时说话时的音高，发声不费力气，声音自然通畅。发声练习一般从中声区开始，在这个过程中要体会气息和声带的配合，逐渐建立一个稳定的中声区，因此，在声乐课堂上应加强中声区的训练。演唱歌曲时，大部分都需要在中声区发声，需要唱高音的次数屈指可数，演唱者如果不重视中声区的练习，光想着高音亮个嗓，这样的演唱不会被观众喜欢。

对于刚开始学习声乐的学生而言，中声区的训练非常重要。在训练时，从中声区的小音量开始，稳定了中声区再走向高音练习。在声乐课堂上，如果教师一直让学生练高音，会加重聲带的负担，严重的还会造成声带的损坏。中声区发音应通畅、明亮，不过度追求音量，要求自然流动，这样才能为高音做好准备，唱出优美的歌声。在演唱中声区时必须深呼吸，自然吸气，保持喉头的稳定。声音自始至终都应该往外送，且保持同样的高位置，达到统一、连贯的效果。

五、寻找混声的感觉，建立过渡声区

经过常时间的中声区练习，学生具有一个稳定的中声区后，就可以对音域进行扩展，进行高音的练习。美声唱法是迄今为止国际上公认的最科学的唱法，它用科学的真假混合声来扩展人的自然音域，各国的歌唱家都在采用这种技巧。不论是专业歌手还是业余歌手，都在探索追求中声区和高声区统一的方法。真假声的混合训练，应该是从中声区就开始加适度的假声，而不是仅仅用在练习高音方面，因此，在中声区就应该重视真假声的混合练习。在中低音区练习时以真声为主，假声少；在高声区练习时，真声少，假声多。过渡声区的练习有以下几个特点。endprint

第一，过渡声区能使中声区和高声区达到统一，掌握好过渡音区的转换，使高低音的音色没有“分家”的感觉。

第二，过渡声区是到高音区的准备阶段，男高音在过渡声区中成“半关闭”的状态，为高音的“关闭”奠定了基础。女高音在中声区就要找混声的感觉，调节真假声合适的比例，可以一直往高音上唱。

第三，在中音区适当混点假声，使声音更圆润、灵动，在一个松弛的歌唱状态下运用声乐技巧。

第四，演唱者在演唱一首歌曲时，可以感觉到真假混合声的互相补充作用，假声增加音色的柔和圆润感，真声让声音产生力度、明亮感，因此，真假声的合理混合在声乐教学中的运用是十分必要的。

六、高音区练习的技巧

一个作品的高潮基本是用高音区来体现，是情感的爆发，是对观众情绪的激发。解决了高音，整首歌曲的表达会更加完善。所以，歌唱者执着追求金属般的高音音色。稳定了中声区，就可以进入高音区的练习。

（一）支点法。想象声带长在胸口，美声唱法把支点放在衬衣的第二颗纽扣处，民族唱法则是把支点放在衬衣的第一颗纽扣处，抬笑肌，把注意力放胸上向下想。演唱者遇高音时会紧张，喉咙自然就往上提，声音也发紧，只有想着胸上的支点，把字往下“叹”着唱，喉咙就会下降，保持吸开的感觉。另外，声带下放到胸前，气息不能超过声带，它一定是往下稳住的状态。这样就做到了一个正常的发音状态。

（二）反向提法。反向提法指的是喉头下换字的方法，因为在演唱高音时，喉头最容易往上跑，把换字移到喉头下一二寸的地方，或者是在脖根处换字，这样的演唱，容易稳定喉头，声音也是一条垂直线，容易找到头腔共鸣和高位置的哼鸣点。

七、树立歌唱发声的整体概念

在声乐的学习道路上，学生必须树立歌唱发声的整体概念，在放松的状态下使发音器官运动起来，让身体肌肉运动和心理活动互相协调。歌唱的器官好比一种乐器，这种乐器不但有音高、节奏、旋律，还有语言。树立整体的歌唱观念可以从以下两个方面着手。

（一）整体与局部的关系。在歌唱的过程中，要处理好整体与局部的关系，整个身体要受歌唱思维的控制，歌唱器官之间要协调配合，歌唱时保持积极的状态，便于带动歌唱器官的灵活运动。“全身歌唱”指身体向外舒张，腔体打开，从头腔到胸腔，再到腹腔，都积极运动着。

（二）紧张与松弛的关系。紧张与松弛是对立统一的关系，在演唱时，演唱者应感觉到紧张与松弛相互协调的作用。歌唱中的呼吸肌肉群是在紧张与松弛中寻找对抗的力度，掌握好了这种力度就能有效控制音量的大小、音色的明暗，以及声音的力度和密度感。发音器官主要是声带和喉头周围的肌肉，随着旋律的升高，声带绷得越直，声门越要放松，保持通畅，喉头周围肌肉放松，去掉多余的劲，解放身上不需要运用的肌肉。共鸣器官的肌肉也要保持紧张与放松的感觉，贴着咽壁吸着唱是一種扩张头腔共鸣的感觉，如果注意过多也会造成“撑着唱”，声音发僵，共鸣腔打开，里面是放松的。

著名声乐教育家沈湘老师常说“后半身用劲”，就是让演唱者找松弛与紧张的协调感觉。演唱歌曲时，前半身是呼与吸的调节，力度要用在后半身，前半身是放松的，后半身是有力度的舒展，这就是正确歌唱的体会，也叫“前边松弛后边紧张”。需要特别注意对放松的理解，一些歌唱者觉得放松就是整个身体完全成松软状态，这样是没法演唱的，要记住一句话“松而不懈，紧而不僵”。

总之，科学的发声技巧使音色圆润、通畅，富有表现力，符合观众的审美需求。做为一名声乐教师，在今后的声乐课堂上，笔者应加强对学生发声技巧的正确训练，让学生树立科学的发声观念，才能将正确的发声方法灵活运用到演唱中。

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