文艺中青年争相诵读仓央嘉措的情诗，已然成为一种时尚。于是，那一年、那一月、那一夜，普罗信徒顶礼膜拜的诗僧，走上舞台，用精妙的乐舞传递美妙的诗意。

大型舞剧《仓央嘉措》作为2015年度国家艺术基金资助项目、中央民族歌舞团年度巨献，2015年12月27-29日首轮公演。前期宣传攻势并不强劲，在京城文化界、文艺圈却赢得众口交赞。“一票难求”的现象竟跨年度持续至2016年1月6、7日再度公演，寒冬的京城为此形成争相围观追捧的热潮。因受这股热潮裹挟，笔者忍痛放弃票已到手的《剧院魅影》，毅然转身前往民族剧院。

走进剧场，大幕开敞。天幕朵朵祥云，地面点点烛光。这是舞剧《仓央嘉措》展示的第一个场景，它概括了神俗两界一段对话。全剧由序和五幕结构而成：一、山南的春天；二、几年后的寺庙；三、几年的宫里；四、拉萨八廓街；五、数日后的宫里。舞台上特定时空的“点”与“线”，将仓央嘉措传奇人生的重要篇章浓缩其问。

节目册做得相当精美，一幅剧照配一首诗作，全部取自于道泉和刘家驹译文。编剧：丹珠昂奔，导演：丁伟，编舞：费波、格日南加、李莎、饶国晶、张戈、索朗，作曲：李沧桑，服装设计：麦青，舞美设计：刘罡，灯光设计：刘宁，造型设计：王婷，视频设计：胡月鹏。2016年1月7日当晚演出阵容如下：仓央嘉措/黄琛迪（20岁）、孟子鉴（14岁）、王豪一（17岁），玛吉阿米/王倩，母亲/李雪艳，经师/高立松。赛博渊、肖荣浩、李金宜、梅郎等主演、领舞；巴吾-巴桑闹江、白雪、才旦多杰、常胜等数十名演员担任群舞。

在观摩大型舞剧《仓央嘉措》之前，李沧桑于我只是一个陌生的名字。关于这位来自云南红河州的白族青年作曲家及其创作成果，我竟然一无所知。她曾写出《中国56个民族婚俗》这样涵盖众多民族而又色彩斑斓的音乐作品，可见其优势显著。经过中央民族大学作曲系专业学习，奠定了她传统与现代作曲理念与技术的坚实功底；通过田野采风积累了大量音乐素材，她掌握了丰富的民族音乐母语。有人评价李沧桑音乐“有着多色彩、多激情”的特点。在《仓央嘉措》里，这些优势和特点又得到集中而完美的展现。作曲家用大量篇幅刻画仓央嘉措传奇人生造就的个性特质，音乐总体上强化了一种温厚、安详、平和与沉静、内敛、含蓄的神韵。

序曲音乐起，在一片清寂静默中，竖着耳朵，只听见“叮、叮叮……”如手指浅触琴键，从徵调式主音开始，单音大二度上行回到主音，接大三度下行至角音；“呤、呤呤、呤呤呤……”似碰铃相击发出的声响，星光闪闪般神秘莫测，花露滴滴般晶莹剔透。琴声悠扬、弓牵弦引，从羽调式主音开始，作曲家用一段巴塘弦子，演化出温暖柔美的旋律，精心勾勒点染母亲的美丽形象。在接下来的一幕及后面“母与子”的戏里，这段主题音乐反复出现，胡琴（二胡模拟藏族弓弦乐器毕旺）特殊的音色、绵长的气息、朴拙的气质、深沉的气韵，时而温厚亲和、时而寂寥凄楚，时而清晰完整、时而模糊零散，无疑为母亲的标识。

全剧最感人的正是一段一段“母与子”的戏，因为母亲的人物设置与形象刻画的确相当有戏。即使儿子已被人为神化，她也永远是他的母亲。一幕“母子嬉戏”，少年郎无拘无束仰躺在母亲脊背上，母亲弯曲腰身移步前行，侧脸回望笑颜如花。那一刻，音乐真美，舞姿真美，画面更美。从二幕之后，“母子相会”“母子离别”，母亲的音乐主题，基本幻化为儿子心灵深处的一个符号，表达着男主人公对亲情的眷恋、对家乡的感怀。“母与子”从亲密无间到情止于礼再到两界相隔，天然本真的凡俗情感，终是渐次疏淡且行且远。

序曲尾部，仓央嘉措的音乐主题以钢琴单音散“点”，点到为止。因全剧始于主人公的童年时光，开始时主题还不够清晰完整。第一次相对成型出现在一幕，男孩离开母亲的怀抱，同一群成年男子嬉戏，玩跨躬背“跳马”时，竹笛吹奏出跳跃式的简短音型，表现其天真烂漫欢悦明快的情绪。这是仓央嘉措的真实原型，此后，作曲家又为这段音乐主题，注入了更加丰富的精神内涵。在纯朴善良的基调上，平添些许淡淡的忧郁孤寂和温情脉脉、浪漫婉约的色彩。

最为扣人心弦的是以核心主题衍生的三首男声独唱，可视作主人公心灵潜藏的对母爱、对情爱的深切渴望。“洁白的仙鹤啊，请把翅膀借给我。不到远的地方，去一趟理塘就回。”这首主题歌的文辞，采用仓央嘉措著名的绝笔之作。理塘原非他魂牵梦绕的故乡，而是一个从未涉足却心驰神往的地方。深情吟哦的音调，很容易使人联想起另一首曾经流传广远的藏风歌曲《远飞的大雁》。在这两首歌曲中，日喀则地区藏风民谣的“DNA”不同程度地若隐若现依稀可辨。

“洁白的仙鹤”无疑是仓央嘉措一颗圣洁而浪漫的心灵写照，从序曲尾部碎片式的动机骨干音，经过一幕、二幕次第贯穿，在全剧中三次放飞，最终化为一声咏叹。那投射在听众心底的清寂孤独的影子，总会触发感应共鸣与悸动颤栗。三幕“在宫里”第一次完整演唱，第二次演唱A段，第三次在五幕尾声，演唱A段前两句之后，歌声隐没而乐音延续，最后形成全剧开放式的音乐终止。

在仓央嘉措和玛吉阿米在四幕“拉萨八廓街”相遇相识的那场戏中，浑厚沉郁诵经式的基调与紧张急迫追逐式的音型，两种音乐情绪此起彼伏，穿插交织缠绕叠置，表现仓央嘉措内心激烈的矛盾冲突与挣扎纠结。那一刻，男声独唱应声而起：“住进布达拉宫，我是雪域最大的法王；流浪在拉萨街头，我是世间宕桑旺波、宕桑旺波……”歌声舒缓凝滞，悠悠的长音深深感叹。再度重逢，两人努力克制燃烧的激情。双人舞的音乐，作曲家用一把大提琴，空弦及空弦泛音、长弓与弹拨结合的演奏法，那种奇异的音效犹似古琴的音色。音乐素材则取自人们耳熟能详的一首藏风隋歌，变形异化之后自然融入作曲家的个性语言。

五幕开场，在一片诵经佛号梵歌中，仓央嘉措以绛红袈裟蒙面盖头，仿佛超然度外。庄严肃穆仪式化的场景，使其显得格外清寂孤单。二幕威严僵硬的“权贵群舞”音乐再现，舞者交头接耳议论纷纷，音乐的紧张逼迫感，似乎让仓央嘉措几近窒息。终于，音乐从繁闹喧嚣归于安详宁静。“我放下过天地，却从未放下过你……”仓央嘉措又一声叹息，恰似一缕圣洁之光，穿透浓云翻卷雾霭氤氲，“我生命中的千山万水，任你告别。”这段男声独唱，作曲家再次仅用一把大提琴。琴音与歌声，互动感应触及和鸣。合唱《心似白云自由自在》将全剧推向波澜涌动的高潮。雪花静静飘洒，泪珠默默滚落……

精妙绝伦的声乐章节，基本皆由“仙鹤”主题幻化而成，同仓央嘉措音乐形象如影随形。藏族青年歌手扎西顿珠，将三段咏叹式的男声独唱演绎得非常出彩。他的嗓音富于个性特色，音乐的理解力与表现力也不错。他力图角色化地唱出仓央嘉措的人物感，《洁白的仙鹤》如圣咏般发白天籁直透人心；《住进布达拉宫》耐人寻味令人动容；《我放下过天地》高亢激昂的一嗓“世间事除了生死，哪一件不是闲事”，深蕴的力度与宽阔的幅度兼而有善。在激情爆发的顶点也不恣意张扬，基本能够合乎法度、节制表达，可谓浓墨重彩的点睛之笔。

因有高水平、高修为的导演与编舞将音乐文本化作视听复合审美的艺术作品，这版《仓央嘉措》性灵悟觉、神形兼备，已然成功跳脱常规晚会上情绪化与色彩性藏风舞蹈的范式，在高度技巧性的基础上，注重角色化、戏剧性的人物刻画，独树一帜自成一派，艺术手法精道圆熟浑然天成。舞台调度与造型角度高妙机巧，形成强烈的视觉刺激与心理冲击。如，二幕金色转经筒的腾挪移动，在旋转中如光阴流转，少年仓央嘉措“转”进去、青年仓央嘉措“转”出来；二幕开场，王公贵胄坐于台口，背对观众与其处于同一视角观赏女伶的囊玛表演。四幕的八廓街景，富商、小贩、行者、磕长头的男女，形形色色繁而不乱，这一切，无非仓央嘉措眼里的世面光景。

该剧的群舞都非常好看。劳动场面，如一幕的打阿嘎。生活情境，如一幕的男子群舞、女子群舞。还有，二幕庙里的辩经功课、三幕宫内的囊玛舞、四幕街头的热巴舞、五幕的祭祀仪式等等，编排高妙，美不胜收；围绕仓央嘉措的男子双人舞、男女双人舞和仓央嘉措的单人舞段，亦可见其独出心裁，别开生面。

参与二度创作的演员尤其值得称赞。因为有了这些舞台新秀，这部舞剧最终实现舞台呈现的精彩与华彩。男一号，14岁的天真活泼、无忧无虑，17岁的温厚驯服、安详沉静，20岁的儒雅内敛、潇洒浪漫。三位容貌体量各异的演员，熟练的技术为角色服务、为艺术施展，自然、自在、自信、自为的表演令人信服。相对生活化的舞蹈语汇，如，一幕，母与子，揪耳朵、拍屁股，背着牵着、搂着抱着，无不亲切自然。二幕，经师传授、群僧辩经等，将生活化的语言提升为艺术化的表现。

在仓央嘉措的独舞中，袈裟成为人物内心世界外化表现的一件得心应手的重要道具，一下抛出、一下抽缩、一下抖开，挥洒、飘舞，舒展、扭拧，传情达意淋漓尽致，收放自如，富于美感。有几个特性动态语言令人印象深刻，一幕尾部，仓央嘉措即将被带走，最初天性活泼的少年郎，左腿半蹲，右脚置于左腿，右手上举由上师牵动，左手胸前作揖，双眼微阖，单盘腿顺时针旋转，这个典型化的“被动式”造型，重复出现意喻深长。二幕仓央嘉措和经师双人舞，前者在后者脊背上双盘打坐的瞬间定格，同样具有一种内在力量，带来难以名状的心灵震撼。

仓央嘉措和玛吉阿米的双人舞段，美感丰盈、情感生动，养眼悦目、出神入化。因特殊身份与奇特关系，两者在肢体上不应该也不可能亲密接触、无所顾忌。黄琛迪和王倩，两位青年演员形神兼备，非常符合我们对人物的全部想象。举手投足，一颦一笑，仿佛被两个角色灵魂附体。双唇问牵动的浅淡笑纹，眼眸里闪烁的深邃波光，欲纵又止，若即若离，神气贯通，动静相宜，无不互感照应、和谐默契。在舞剧中复苏的一代诗僧，神性辉光未曾衰微黯淡，人文情怀更添鲜活魅力。

看那个褪去绛红袈裟、走向芸芸众生的背影，神采丰姿、清雅俊朗。我们相信，那就是仓央嘉措。他，牵引着你我，重新回归月光皎洁的东山顶上，神往那片“一个人在雪中弹琴，另一个人在雪中知音”的诗意栖居的圣地……

陈志音：乐评人

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