李之由

一颗高三米多的蛋型装置，由上下两部分不锈钢材料和中间一圈瓷片组成。走近细看，人们才分辨出这些碎片是由螺丝一层层固定住的零散瓷片。这是李鸿韦的最新系列创作《混沌》，英文起名为TheOrigin。蛋型的外观也蕴含着巧妙的东方文化内涵，既是“旦”，也是“诞”。让人联想到升起的太阳，和混沌万物的初生。

李鸿韦，当代雕塑艺术家。

2005年毕业于中央美术学院雕塑系，2007年毕业于美国阿尔弗雷德大学纽约州立陶瓷学院陶艺系。作品被包括大英博物馆、波士顿美术博物馆、芝加哥艺术博物馆等在内的二十多家全球知名博物馆收藏。李鸿韦曾在大学任教，多次受邀到高校讲座，包括美国哈佛大学和麻省理工学院等。今年11月在龙美术馆（西岸馆）展出的“和合共生——李鸿韦的艺术”是他在国内的首次美术馆个展。

混沌与起源

作品中间的一圈碎瓷片，有青绿色的，也有黄色为底开着蓝色花形的结晶釉瓷片，都是从现有的陶瓷器皿上敲碎下来的。为了创作《混沌#1》这件作品，李鸿韦砸碎了200多件烧制好的结晶釉陶瓷器皿，用金刚钻为其打孔，为了保证瓷片打孔的极高品质，一个钻头只能打10-20个瓷片，金刚钻头打坏了近千个。

《混沌#1》作品总重近一吨，体量很大。单是作品中间瓷片的分体安装，李鸿韦和四位助手就花了八天的时间，拆分，搬运，重新拧上螺丝，再一片片按照顺序重新组装了这件作品。

展览中其他作品还包括《破碎中重生》《玄》《屴》等系列。《平衡的寓言》中，陶瓷和不锈钢两种材料保持相对的独立性，被做成圆形或方形的块体，依次独立地垒起。

像《混沌》系列一样，中国汉字同音不同字的特点，总是能让人联想到超出汉字本身的意义。《玄》，既是“悬”挂，是“旋”转，也是“玄”而又“玄”。作品“悬”挂的形态作為一把钥匙，打开了作品思想上“玄”妙之门的锁。而《屴》，既是“力”量，是美“丽”，是竖“立”的形态。手工锻造的不锈钢材料被拉成锥状，与陶瓷器皿和谐地组合在一起，形成不规则的水滴状或倒锥形。

不仅是在形状上的相容，材料的选择也体现了本次展览的主题。

李鸿韦认为，陶瓷发展史是中国文化发展史的一个缩影，牵扯到了政治、经济、军事方方面面，陶瓷有很深厚的历史感，根源起于中国。但不锈钢是现代才出现的材料，是西方工业化的产物。传统与现代，东方与西方，相互结合在一起，共同完成了对对立、依存、转化和往复关系的哲理性思考。

“完美的碎片”

对于陶瓷，80后艺术家李鸿韦并不陌生。

他出生于被誉为北方瓷都的唐山，从小对陶瓷的工艺耳濡目染。大学进入中央美术学院雕塑系后，李鸿韦发现了陶瓷材料的魅力，于是在美国阿尔弗雷德大学纽约州立陶瓷学院陶艺系深造时，他开始慢慢将陶瓷材料运用到了创作当中。

在美国，李鸿韦的创作也逐渐经历了由束缚到放开的过程。在西方视角下回看中国文化，他也有了不同的认知和感受。这些外界环境和生命阅历的变化，都可以深度地和他的创作相结合，而只有当发现自我的过程和创作过程相结合，创作才能走得远，才能走得深刻。

因此，亲力亲为，成了李鸿韦一直以来奉行的艺术创作理念。到今天，从做胎、到瓷、到釉、到烧制、到做包装，所有的工作全在他的工作室完成，从来都不会把作品拿到外边去加工。工作室就是他的个人工厂。

艺术家与材料之间要建立亲密关系，也要有能够驾驭材料的能力。即使今天，他对陶瓷材料的使用已经炉火纯青，李鸿韦依然会选择自己去体会，去练习，感受泥的质感。

在他看来，功夫到了，材料放在台子上，好像就能够顺应创作者内心的意愿一般做出令人满意的作品。这种驾驭感，是要从血液中反复才能体会到的细腻感受。而这种感受，在未来的某一天可能也会燃起新的创作火花。

就像他今年的新作《混沌》，灵感就来源于后疫情时代的世界。当疾病、战争、混乱、破碎、对立成为世界的基调，李鸿韦力求在现代性和全球化的反差、不协调、矛盾，乃至冲突中寻找到新的平衡点。

起初，烧得不满意的瓷器，李鸿韦拿不定主意，不知道怎么处理，但这些作品都是“自家的孩子”。倾注心血烧制的瓷器，总是有感情的，他选择全部保留下来，摆在工作室，至少在短期内也是一个供他研究、反思的案例。

但渐渐地，李鸿韦意识到，既然易碎是陶瓷的本性，这是它的弱点，也有可能会成为它的优点，能不能用易碎的方式去创作？穷则变，变则通，通则久，唯一不变的是变化本身。

于是偶然变成了必然。李鸿韦开始用碎片进行创作，丢掉烧得不好的部分，好的碎片砸下来保留，并成为了新作品必不可少的一部分。

以前陶瓷作品的成品率只有10%，但现在从创作的角度来看，瓷器的成品率高达70%-80%。对他来说，这些碎片有一种很强大的爆发力，并不是指被砸碎时的响声，而是作为坚硬、不规则的个体时，仍有一种独特的魅力。它们只是不能作为一个完美的瓷器而存在，但依然可以作为“完美的碎片”成为新作品重要的组成部分。

任何东西都是刚柔相济、相互贯通的。破碎是陶瓷体现出来的一个面貌，它可以作为一个起点。但李鸿韦希望以“合”来作为它们的终点，“和合共生”。

二元对立中的平衡

形状的圆与方，材料的锈与不锈，完整与破碎，历史感与现代感，东方与西方，共生共存，又对立又依赖。和合共生的理念，不仅是贯穿此次展览的主题，更是李鸿韦本人的创作哲学。

“人同此心，心同此理”。每当烧出好的瓷器，和他心灵相通的观赏者也必然会有与他相似的心境，欣赏他的作品时也会萌生一种兴奋感。这种想法引领他不停地去创造，并相信这种感受在未来的某一天可能就会燃起新的灵感。

就像李鸿韦在采访中说的，起初，烧瓷器和自己做雕塑一点关系都没有，甚至和所谓的“创作”毫不相干，是完全分离的两条路径，但他还是投入大量精力去做。做的时候完全没有功利心，只是他“运气很好”，烧制成功的陶瓷作品带给他很多光环，被世界顶尖的博物馆收藏。

正是依照这样的创作理念，对艺术的探索最终让李鸿韦更加深入地了解了自己。由于时常往返中美两地，李鸿韦的艺术视角也常常反复切换，这让他能够比较客观地从不同的视角思考问题，修正了很多认知上的偏差。

他的创作也是一样，尽管随着时间变化，阅历的成长，创作的形式会发生变化，但是真正地去回看自己的创作，他发现自己的作品之间都有很深入的内在联系，有些一脉相承的东西。李鸿韦的新作品几乎都来源于他旧的创作，都是他在创作的过程中，产生了新的灵感和新的触动，并将这种想法延续下去。例如此次展出的作品《未来主义》，也是从《玄》的灵感放大，细节经过慢慢推敲而来。

除去和合共生的创作理念，李鸿韦也非常看重自己作品的完成度和思想深度，他觉得一个好的作品应该是思想性和视觉魅力的结合。

但光有华丽的外表还远远不够。足够的视觉冲击力，只是能够让观者驻足，但独特是一种非常重要的价值，只有艺术家表达了更深层次的内涵，才能创作出引发观者深入思考的优秀作品。

从左至右：

Q&A

Q：最早接觸到雕塑艺术的契机是什么？

A：我从六岁开始画国画、写书法，小学四五年级学习了素描，我从小也很喜欢动手的活动，初中毕业的时候开始认真学习雕塑。那会学雕塑的人还很少，我觉得雕塑很酷，对它充满了无尽的好奇心。

Q：在美国教书的过程中有什么难忘的事？

A：一方面，教书是我建立自信的过程。英语不是我的母语，起初上大课的时候，有些词说得不清晰，学生听不懂，当时有点挫败感。但我知道自己对艺术的认知和把控是我的优势，后来我非常认真地备课，记一些平时少见的专业词汇，受到了认可后，也逐渐地建立了自信心。

另一方面，从学生身上我也学到了很多东西。有一次上课，我帮学生改了画，再回头看的时候，发现学生把我改的部分全擦掉了。我问他为什么，学生说，“我已经学习到了”。我感触很深。作为一个艺术家，这种独立自主的创作，是一种尊严，你要很虔诚地按照自己的方式、自己的思路去创作，不要去抄袭别人。

Q：做创作会连续在工作室待大概多久时间？

A：通常来说，每天在工作室的时间，一般是12到14个小时。今年因为疫情，过去七八个月里一直待在工作室，其实强度蛮大的，有点辛苦，但是收获也很大。

Q：可以描述一下每一天的工作状态吗？

A：如果前一天我烧了窑，第二天早晨我到工作室会先把瓷器拿出来，把每一件瓷器认真拍照、并做好记录。忙完这些会读读书，午饭后简单休息一会，下午继续工作，晚上与助手沟通作品的进度。直到吃完饭后夜深人静的时候，我会放个音乐，翻翻书，翻翻画册，回顾一下这一天的工作。

Q：你说之前作品的成品率只有不到10%，你是如何判断作品好坏的？

A：烧制的技术层面上，我能控制80%，但烧瓷这种工艺是一只无形的手，20%要靠这只“上帝之手”。但是这个作品究竟好不好，是靠审美来把控的。就像画速写一样，你看着人家画得很简单，但是这个线条它能这么画，是长年积淀的修养，不是在当时零点几秒内缜密的计算。我觉得这样解释我做的瓷器是不是一件好作品是非常贴切的，这是我对艺术，对造型，对颜色，对构成这种审美的一个长期积淀的修养而做出的判断。

Q：《混沌》系列作品为什么选择了青色和黄色作为基底？

A：青色，让人联想到玉的颜色，它在中国并不简单只是一个名贵的材料，更寓意中国人的修养和品德，仁义礼智信，有文人的气质在其中，很内敛。但黄色在中国古代是民间禁用的，皇家专用的颜色，用黄色做底，配上蓝色的花，对比强烈。做艺术就是又要有内涵，也要有外放的气质，相辅相成。

Q：你在创作《屴》《玄》这两个系列的时候，不断有新的作品补充进来，创作前后有没有什么心态上的变化？

A：我并不刻意地去做或者不做，创作到一定程度的时候，会自然而然地产生一些想法，进而产生相应的变化，我想这也有可能是从量变到质变的一个过程。我只是很认真地遵循内心的创作逻辑，用这个创作逻辑一步一步去创作新的作品。这两年，碎片系列的创作比较多。世界变化很大，作为社会的一分子，这种日新月异的变化会给人很深的体验，作为一种感受留在我的心中，影响我创作时的思考。