孙亚男，李 娜

（辽宁师范大学 辽宁 大连 116029）

一、中国民族歌剧的发展

歌剧，是一种综合了音乐、舞蹈等艺术形式的大型艺术体裁，是以歌唱为主的戏剧形式。黎锦晖编创的儿童歌舞剧《麻雀与小孩》可谓中国歌剧萌芽期的代表作，其根据儿童的心理、生理特点而创作，富有民族风味，为后来的歌剧创作奠定了基础。二十世纪三十年代后，中国进入歌剧探索期，呈现出了多途径发展的趋势，出现了话剧加歌曲的表现形式，如聂耳作曲的独幕剧《扬子江暴风雨》，向隅、吕骥作曲的抗日歌剧《农村曲》，冼星海创作的两幕歌剧《军民进行曲》等。此外，还有秧歌剧《兄妹开荒》、《夫妻识字》，音乐剧《孟姜女》等，音乐剧《孟姜女》带有反封建、反专制的思想，是中国音乐剧发展史上一次较为成功的实践。二十世纪四十年代中期，大型民族歌剧《白毛女》诞生，这是中国民族新歌剧史上的代表作品，其以民歌音调作为人物形象的主题音调，并创造性地借鉴了外国歌剧的传统形式和经验，1945年首演，至今仍然传唱不衰，它的成功标志着中国歌剧进入了一个崭新的发展阶段，可谓是中国歌剧史上的里程碑，也为后世的民族歌剧创作奠定了坚实的基础。《白毛女》诞生之后，也就意味着民族声乐与中国民族歌剧紧密联系在一起了。新中国成立后，中国民族歌剧得到了进一步的发展，二十世纪五六十年代，《洪湖赤卫队》和《江姐》两部民族歌剧问世，极大地推动了我国民族歌剧的发展。作者以地方戏曲和民间音乐等为素材进行创作，民族风格极为明显，音乐色彩非常浓厚，其中的《洪湖水浪打浪》、《红梅赞》、《五洲人民齐欢笑》等经典唱段都成为了民族声乐教学与舞台表演中的必选曲目，并传唱至今。改革开放以后，中国民族歌剧走向辉煌，我国高等院校的音乐教育水平也得到了极大的提高。随着专业创作人才和表演人才的逐渐增多，许多民族歌剧作品问世，如《伤逝》、《原野》等，充分展现了创作者的开拓性思维。九十年代至今，中国民族歌剧取得了前所未有的发展，这一时期的民族歌剧呈现出多元化的特点，各类型的民族歌剧层出不穷，如《党的女儿》、《野火春风斗古城》、《木兰诗篇》等。这一时期的民族歌剧借鉴了西洋美声唱法的优点，不受制于唱法上的局限，也使得很多民族声乐专业的学生在演唱技巧上获得了提高。

二、中国民族歌剧与高校民族声乐教育的联系

说起我国的民族声乐教育，一般认为是从沈阳音乐学院开始的，沈阳音乐学院大概是在二十世纪五十年代设立了民族声乐专业。当时的教学还不够成熟，正处于起步和摸索阶段，课程体系也不够完备。当时因为没有专门教民族声乐的老师，学校就邀请了很多戏曲演员、曲艺演员和民歌歌手来给学生上课。他们的教学方式通常比较单一，并不重视学生的发声练习，都是老师教唱一句，学生跟着模仿一句，要求学生掌握很多的戏曲、曲艺和民歌作品。因此，当时的民族声乐并没有作为一种演唱形式得到正式的确立。而如今，民族声乐却发生了翻天覆地的变化，不仅作为一种演唱形式得以确立，而且教师队伍不断壮大，教育手段也变得更加丰富。经历了漫长的发展与演变之后，中国民族声乐终于走向了繁荣。

中国民族歌剧自诞生以来，就成为了中国文艺舞台上一种重要的舞台表演形式。随着社会的高速发展，人们对高校民族声乐教育的关注度越来越高，高等院校也越来越重视学生的综合素质，因而把民族歌剧作为民族声乐教学中必备的教学内容。中国民族歌剧作为一种特殊的声乐艺术形态，它丰富了教学曲目，也提高了学生对声乐学习的兴趣。演唱民族歌剧对学习民族声乐的学生而言有很大的帮助，无论是在演唱技巧、情感把握还是舞台驾驭等方面，对于学生的提升都是显而易见的。中国民族声乐艺术，是一种具有科学性、民族性、艺术性和时代精神特征的新民族歌唱艺术。在民族声乐作品中，民族歌剧的演唱难度相对较大，专业性较强，对演唱者的专业水平也有极高的要求。民族歌剧，是通过演员对作品的演唱和表演呈现出来的，它讲究的是“声”与“形”的完美结合，演唱技巧与肢体语言都是不可忽视的重要因素，肢体和声音都是凸显作品主题与内涵最重要的表达方式。歌剧作为视听艺术，需要演员通过歌唱与肢体动作的形式传达情感。民族歌剧十分考验演唱者的歌唱水平，很多时候，歌剧中的一些唱段在内容上比较复杂，篇幅也较长，所以，只有具备了扎实的演唱功底，才能独立完成民族歌剧表演。一般来说，在演唱民族歌剧时，要始终注意声音的把控，因为民族歌剧演唱离不开真假音的转换，以及对强弱对比的控制，特别要注意演唱的语气，以及艺术上的处理。演唱者凭借对歌唱技巧的灵活运用，从而发出优美动听的声音，带给观众听觉上的享受，并进一步展现出歌曲深层次的意境。在表演民族歌剧时，肢体语言是表演者呈现给观众最直观的视觉形象，表演者一方面要带给观众美的感受，另一方面还要善于运用自身的创造力来充分展现歌剧的内在情感。人的内在情感往往是通过外部肢体得以充分展现的，正所谓“形能表情”，所以，一位优秀的歌剧表演者，必须要具备运用肢体语言和面部表情来呈现音乐内涵的能力。总而言之，表演者只有提高自身的歌唱水平，做好肢体训练，将二者完美结合，并运用到民族歌剧的表演中，才能让每一个角色都生动、鲜明，最终带给观众完美的视听感受。

随着历史的进步，中国民族歌剧与高校民族声乐教育一直在相互促进、相互发展。中国民族歌剧丰富了高校民族声乐的教学内容，完善了其教学方法，对高校民族声乐教育的发展起到了重要的推动作用。当今的中国民族歌剧已经逐渐走向兴盛，逐渐形成了具有浓郁的民族音乐色彩、能够传承中国传统文化精神的“中国歌剧”。

三、中国民族歌剧在高校舞台中的实践意义

中国民族歌剧在当今已经成为一种非常重要的音乐艺术形式，是民族声乐教学中不可或缺的组成部分。民族歌剧表演与民族声乐演唱都是艺术实践活动，离不开相关的理论指导与舞台实践，从艺术教育到艺术实践，是中国民族歌剧发展的关键。在声乐教学中，民族歌剧实践一直都是一项非常重要的内容，但调查发现，至今并没有在高校建立一套完整的教学体系，而且在这一方面的推广力度严重不足，重视程度不高，使得教学深度不够，模式单一，在课程设置上也相对笼统简单，学生的综合素质难以得到提升。现在很多学习民族声乐的学生欠缺的并不是“唱”的能力，而是“表演”的能力。熟悉中国民族歌剧的人都应该了解，在人物角色的塑造中，民族歌剧是有别于西洋歌剧的，民族歌剧大多是吸收借鉴了我国传统戏曲的表演形式，如“手、眼、身、法、步”等，而西洋歌剧的表演往往比较随性，更多的是注重演员的歌唱技巧。因此，在民族歌剧的表演中，演员的一招一式都不是随意呈现的，而是非常讲究的。教育理论一定要与实践相结合，在学生掌握了科学的演唱方法之后，对其进行舞台实践能力的培养是十分有必要的。现在很多民族声乐专业的学生在歌剧的表演中还停留在“唱”的阶段，只专注于声音技巧的训练与提高，却忽略了民族歌剧是一种“综合性”的表演艺术。在民族歌剧的表演中，对表演者的要求是极高的，不光要具备良好的歌唱能力，还要兼顾多个方面，如人物角色的诠释、民族风格的体现、歌曲结构的把握、戏剧性情感的表现，以及作品的二度创作发挥等。所以，对于民族声乐学习者来说，表演民族歌剧离不开舞台的磨练，舞台实践可以切实有效地提升其自身的综合素质和能力，使其最终成长为适应社会需求的全方位创新型、复合型人才。

中国民族歌剧，是民族声乐教学发展的动力源泉。高等院校作为人才培养的摇篮，肩负着培养民族声乐人才的重任，同时也肩负着传承、弘扬、创新中华优秀传统文化的重任。高校开展民族声乐教学工作的目的，在于培养大量的专业民族声乐表演人才，为传承与弘扬民族声乐文化做好前期准备。为了实现培养声乐人才的目的，高校应及时融入民族歌剧实践，让中国民族歌剧推动声乐教学上升到一个新平台。民族歌剧是民族声乐教学发展的动力，应该鼓励与引导学生在高校舞台上尽情展现民族歌剧，从而促进我国民族声乐教育的发展。

四、结语

中国民族歌剧，离不开人们的一代代传承，离不开人们的创新与发展。中国民族歌剧对于高校民族声乐教学来说是十分重要的，为了提升民族声乐教学的质量，需要积极地将中国民族歌剧与现阶段高校的民族声乐教学进行结合，鼓励学生多上台、多历练，为中国民族歌剧建立完善的实践教学体系作出贡献。在世界民族歌剧市场竞争如此激烈的当下，高校学习民族声乐的学生更应该对中国民族歌剧进行保护、传承与弘扬，因为保护民族歌剧就是保护我国的历史，国内也正在提倡加强对民族歌剧的传承和保护，每一位学生都应该竭尽全力，贡献出自己的一份力量。