□曹嘉芮 云南艺术学院

形体动作在戏剧表演过程中占据重要的地位，在日常训练中需要戏剧表演专业的学生引起重视。本文将着重阐述几种有效的形体动作训练方法，希望能够引发更多专业人士的思考，进而引起更为广泛的探讨，以期为本专业的进步带来重要的社会现实意义。

一、关于上体的训练方法

在戏剧表演过程中，人的上体部位是表现人物内心世界、心情起伏的重要因素，上体部位包括人的头部、肩膀、胸部、上肢及髋部等，通过灵活自如地进行上体扭转、弯曲、舒展等训练，能够有效提高戏剧表演的感染力、准确表达人物特征。因此，在日常训练过程中，戏剧表演者需要注重上体部位专项训练，可巧妙利用芭蕾基本功进行训练突破，但需要注意的是，戏剧表演形体的训练与真正的芭蕾舞训练有所区别。芭蕾基本功在进行训练时对柔韧度的要求非常高，而戏剧表演形体训练在利用芭蕾基本功进行训练时，可酌情降低对柔韧度的要求，重点强调通过芭蕾基本功来训练身体的协调性[1]。

二、关于形体放松的训练方法

形体放松训练是形体动作训练中的重要基础部分，一方面，通过让戏剧表演者的全身肌肉呈现一种完全放松的状态，有利于戏剧表演者缓解身体的僵硬，更好地调整全身肌肉，准确地展现表演过程中的所有动作；另一方面，通过放松训练，戏剧表演者能够更快进入表演状态，忘记环境的嘈杂，全身心投入自身的表演中，有利于戏剧表演者未来的创作和创新。放松训练包括松弛练习及张弛练习。形体训练中松弛练习的目的是缓解肌肉紧张，同时降低动作的僵硬感。教师应要求学生放松身心，摒除杂念，进入一种轻松、忘我的创作状态，使形体的表现质量及创作效果达到自由且充分的松弛。在形体练习中，最初开展练习形体松弛是戏剧演员进入创作环境的基础，能让身体的各个器官受自身支配，不会出现多余的肌肉紧张。这种方式能够让戏剧演员在表演过程中或感受过程中的感受质量得到提升。戏剧演员可以通过松弛练习将自己的形体淋漓尽致地展现出来。肢体感知对于戏剧的形体训练而言是重中之重。在完成松弛练习后，戏剧演员需要开展张弛练习。张弛练习是为了让肌肉动作具有非常强的感知能力。

在开展张弛练习时，教师应要求学生处于一段舒缓的音乐中，平躺在地面上，双手手心向上，轻松放置于身体的两侧，让学生闭上双眼，让全身得到有效的放松，在放松的过程中还需要不断地调整呼吸频率，每次呼吸应将气尽量完全吐出，吸气时应将胸腹腔吸满，如此反复才能感受到节奏的韵律感，并在活动身心的过程中提高身体支配力量。例如，常见的抬手、转头、起身、坐下，用身体上下各关节做前后的波浪及侧泵练习，能够逐渐让身体进入放松的舒适状态，使全身肌肉得到舒展。戏剧演员在舞台上的形体动作，直接表现了情感的表达及内心感受的表现，是一种无声的语言，无论头、肩、胸、手臂等上体部位的动作还是下体部位的动作，其实都能够展现出其所饰演的人物形象的思想感情，体现人物形象的内心世界，表达人物形象的紧张或者放松状态。相比于声音对戏剧演员而言，形体动作有时更能感染观众，能够形成一种强烈的视觉效果，形体动作是舞台形象的重中之重，也是舞台形象对外交流、表达思想的重要方式。形体动作之美应符合艺术表演的审美要求、审美规律及审美目的，进而让艺术的美感及文学的美感能够有效碰撞，形成感性的形态。

具体来说，在日常的形体放松训练中，训练者可以通过舒缓的音乐将自己带入舒适轻松的意境中，让身体得到足够的舒展，让全身肌肉得到放松，随着音乐不断进行深呼吸，每次呼吸都要“饱满地吸气，干净地吐气”，经过几个循环过后开始进行简单的延展动作，包括抬头、伸腿、弯腰及转身等，再通过身体做前后波浪训练来进行肌肉的深层次放松，从而将身体调整到最佳状态。

总而言之，放松训练是形体动作训练的重要组成部分，能够让戏剧表演者的身体得到舒展，避免出现肌肉僵硬的情况，有利于戏剧表演者更好地进行人物个性的表现[2]。

三、关于环境想象的训练方法

戏剧表演者要根据不同故事、不同情节环境做出恰当生动的肢体动作，但很多情节环境不是日常生活中经常遇到的，表演者难以作出自如的反应[3]。这就需要表演者进行关于环境想象的训练，更好地进入情节和情绪中，进而更好地完成形体动作。

具体来说，在进行环境想象训练的过程中，教师可以通过音乐、灯光和道具等全方位配合，为学生创设贴切的物理环境，让学生的心理得到足够的暗示，并逐渐将自己融入环境中，进而做出恰当的肢体动作。在具体训练中，教师可通过变化情节让学生呈现不同的情绪，如愤怒、大喜过望、哭笑不得等。此外，随着训练的持续和深入，物理环境因素可以逐渐减弱，教师应引导学生注重自己的环境想象，进而做出肢体动作，提高学生的环境想象能力，使学生未来在舞台表演的过程中更加顺畅自如，让戏剧表演更加饱满。

四、关于人物模拟的训练方法

在戏剧表演的形体动作训练过程中，教师还需要带领学生有针对性地开展人物模拟训练，即对特定环境人物的神态、肢体动作等进行模仿训练，帮助戏剧表演者在后期表演过程中更恰当地体现特定人物的群体特点，如贵妇人的走路姿态和妆容整理姿态，王子的步态和上体部位特点，盗贼的步态、神态和习惯动作等[4]。在具体训练的过程中，教师可以创设情境，引导学生模拟特定人物的形体动作，并逐渐理解每种形体动作背后的意义，体会不同人物不同的内心带来的形体表现差异，这有利于学生更深层次地揣摩人物形象，进而将更全面、饱满的人物呈现在舞台之上，让戏剧表演更具生命力和感染力。

需要注意的是，特定人物的模拟训练不存在标准答案，不同表演者对模拟人物的理解可能存在不同的角度，因此在表现方式方面也存在差异。在训练的过程中，教师要秉持求同存异原则，以“能否打动人心”作为标准，不可一概而论。

五、形体训练在戏剧表演中的重要性

演员是艺术创造中的主体，也是做动作的人。在戏剧表演的过程中，表演者必须认识到形体的动作张力及节奏表现直接呈现的情感波动及情绪的传递[5]。形体动作能够给予观众最直观的感受，相比于演员所念的台词，形体动作具有更高的震撼力及吸引力。

戏剧表演不是单纯地依靠灯光、布景等方面的技巧来吸引观众，还需要演员来渲染氛围。演员应做到形神兼备地塑造舞台形象，通过自己塑造的舞台形象来吸引观众，让人物形象本身的情感感染观众。戏剧演员呈现舞台形象的艺术外型，不仅要运用表情和语言，还要运用形体动作，从而展现更复杂的情绪和内心世界。演员在进行戏剧表演的过程中，想要达到预定目标，就需要依靠形体辅助，需要在现实生活中考虑如何针对这一人物形象进行深入分析，提高戏剧的表演整体效果。在戏剧表演的过程中，表演者要注重形体动作的表现方式及表现效果，让人们通过形体动作感受所要表达的情绪。

例如，戏剧《萨莱托，玛丽帕》中讲述了两个青春期少女的无聊与叛逆，剧中人物的性格是争强好胜又不服输的，在享受胜利的快感后，她们才发现平淡如烟。这一过程中，表演者需要以形体动作展现少女的情绪及在胜利结束后的平静感，通过动作更好地展现少女的兴趣及思想表达，突出少女的态度。通过上述案例，戏剧演员的形体动作能够揭示人物的个性，表现人物的内心，并不断推动剧情向前发展。正如皮影戏，不同的动作表达的人物形象和性格特征都是利用行动来传达的。皮影戏中也有非常生动的动作形象，不同的动作形象能够使观众感受到这一人物与其他人物的区别，促使每个人物都血肉丰满，使观众感受到人物的内心形象。戏剧表演专业的学生需要通过动作展现角色的内心，给予人们最直观的感受。

结语

综上所述，本文阐述了戏剧表演中形体动作的训练方法，包括上体部位的训练、形体放松的训练、环境想象的训练及人物模拟的训练，希望能够对戏剧表演专业的发展和进步起到积极作用，并通过本文的阐述激发更多专业人士的思考和探索，真正促进戏剧表演专业不断前行和突破，为艺术领域的发展做出更多贡献。