一、我的艺术之路

时光如梭，转眼在艺术道路上已经耕耘了三十九年。回忆这么多年的艺术生涯，最多的是感恩、感谢与感激。一切都好像是昨天的事，从四岁登台以来人生最大的梦想就是当歌唱家。如今不但实现了愿望，还成为了一名学者、声乐教师、帮助别人成就梦想的织梦人。

1.从大理州白剧团到中国音乐学院

年少时，极爱唱歌，每天清晨都要到洱海边迎着朝阳，在碧波荡漾的苍洱之滨随心歌唱。每逢周末父亲在家，常开“周末音乐会”，门口、窗边座无虚席。妈妈有副天生的好嗓子，聆听妈妈的歌声成为了我最早的声乐启蒙，这一幕幕在多年后依然记忆犹新。父母经常帮我编排节目，后期并鼓励我报考了大理州白剧团，成为了全团最小的学员。

白剧团每天的早功晚功、民族舞、芭蕾基本功、戏曲身段、个别与集体练唱、排练、节庆下乡演出等学习项目都为我以后的演唱生涯打下了坚实的基础。地方剧团人数不多，每一位演员都任劳任怨勤勉付出，这样的态度不仅增强了团队协调力，并且对于提高本人的专业基本功都有很大的帮助。这七年的剧团经历不仅夯实了我的演唱基本功，并且对于我以后的职业素养来说都是笔极大的财富，同时，也使我形成了少数民族歌唱家自己独有的艺术特色。可以说，家乡的美景、剧团的人文情怀、少数民族音乐文化元素始终是我艺术创作的灵感源泉。

在进入中国音乐学院学习之前有一段跟随中央乐团卢汉才老师的学习生涯，这段经历也使我的演唱技巧以及歌唱音域有了大幅度的拓展。卢老师让我演唱了大量的意大利原文古咏叹调、中外艺术歌曲，以及富有特色的少数民族歌曲。恩师用自己的方式培养并影响着我最初的声乐艺术观。虽然卢老师已在天堂，但是每当我唱起谢尔盖·拉赫玛尼诺夫的《梦》，“我曾有过遥远的梦境，亲人与朋友曾高朋满座”时，在卢老师家求学的场景就浮现在眼前。

2.从中国音乐学院到莫斯科音乐学院

感恩国家的培养，感谢中国音乐学院让我这个来自边疆少数民族地区的白族姑娘，有了公派赴莫斯科国立音乐学院留学的机会。六年的留学时光，对于我来说是一个蜕变的过程。如果说在白剧团的七年、北京的三年学习非常刻苦，那么在莫斯科的学习，就很难用刻苦来形容，因为，国内学习的种种困难都是通过刻苦可以解决的，而在莫斯科，真的不是刻苦的问题，比如语言的障碍、文化的差异、格局的差距，都是刻苦所难以解决的。从一个俄语字母不认识到熟练阅读各种俄文音乐典籍，撰写俄文文章，并且在多部歌剧中担任重要角色。六年学习期满我以专业和多项五分的成绩毕业于莫斯科柴可夫斯国立音乐学院获得艺术硕士学位、歌剧歌唱家、音乐会歌唱家称号以及声乐教授资格。感恩两位导师维拉·尼卡拉耶夫娜·古德莉亚夫采娃与伊莉娜·伊万诺夫娜·马斯连尼科娃教授。她们严谨的治学精神、极其渊博的音乐知识、极高的音乐修养和个人魅力，始终影响着我的教学生涯以及演唱事业。她们对我的倾心教授，使我实现了在艺术修养方面的蜕变，有了更高的理想和目标，毕业后选择了回到中国音乐学院任教。非常幸运早年曾在中国接受职业舞蹈、戏曲的训练、表演和实践，在莫斯科又学到斯坦尼斯拉夫斯基·丹琴科表演体系的精髓，并且在歌剧舞台上得到实践，这对我后来的舞台表演和教学，起到了非常重要的作用。

3.莫斯科音乐学院学成归国任教至今

国外接受的声乐学习，使我再次回到国内一流的音乐院校担任青年教师，油然而生的一种使命感，让我立志在声乐教学领域要做出自己应有的贡献，去培养出更多优秀的学生。回国后，我通过运用多年实践总结的经验，从语言的准确性、意味和音调，结合早年学过的戏曲台词中體会到中国歌曲的演唱特色，最终形成了自己的演唱风格。在教育实践中被誉为“歌唱家”“教育家”“中外文化交流使者”“柴科夫斯基国际声乐比赛评委委员”等称号，是俄罗斯声乐艺术在中国发扬的新一代代表人物。

回国之后，我跟随张牧教授又再次学了三年声乐，多次接受金铁霖院长的指点，多次向郭淑珍及其他的名家请教，努力提高自己的技艺，常常利用寒暑假，带领弟子们到如：美、德、法、英、奥地利、比利时、意大利、以色列、俄罗斯、日本、泰国、新加坡、香港、澳门等国家和地区向名师请教学习，并举办和参加各种类型的国内外音乐会、歌剧的演出。多次受邀与国外著名指挥家、歌剧院合作演出。近十年来一直参加由国家慈善组织举办的国际慈善音乐会与学术会议。每年都带着学生们做一些公益活动，到全国高校去巡回讲座，举办东方夜莺——赵云红师生音乐会、独唱音乐会。

可以说，一方面，我扎根民族音乐的沃土，将莫斯科六年学到的声乐技法，与中国传统艺术文化相融合，逐渐形成自己的演唱风格。美声歌唱学派（古典唱法）代表了三个世纪的演唱方法和技术精髓，是一种科学完美的理念，拥有浩如烟海的作品，是调动全身整体歌唱最佳方式，它可以最大限度地开发人的歌唱潜能。所以学好这些技术和演唱风格，再与中国传统戏曲与民族审美观、吐字行腔与演唱方法相结合。中国声乐就会有新的发展。

二、我国声乐教学的问题以及解决方法

我总结了几十年的教学经验和教学成果，指出了现存学生中所出现的问题并对于这些问题提出了解决方案，同时对于自身教学经验也提出了自己的教学理念、特点、方法、原则、方式等。

1.现存美声学生演唱中出现的问题

现在的学生在演唱作品时往往不知所云。不能从内容方面认真理解作品，只能做到表面的演绎，深层次的理解不到位。

从歌词研读方面，经常在正式演唱前没有认真研究过作品内容，外语作品几乎没有字对字翻译歌词，仅凭歌词大意是不可能做到深层次的情感表达，并不能赋予作品二度创作生命;不注重语言的准确性，外文不准确，中文也同样;盲目模仿，虽然有模仿大师的风范，但没有和自己的风格加以处理，学习容易浮光掠影。

从专业演唱方面，学谱有误，没有在钢琴上一边弹旋律一边进行演唱;视唱练耳课不重视节奏感，识谱能力下降，音准不佳;不学间奏部分与休止符，休止符也是音乐，此时无声胜有声;不认真看乐谱上的音乐表情术语及作品提示;和声听觉不佳，伴奏不熟悉。

从情感演绎方面，情感不真实，形式大于内容，中国学生往往对外表的注重远远超过对艺术本身，登台前的精力大多花在着装和化妆上，更甚有学生在一场十二首作品的音乐会，竟然换了四套演出服，一直忙于抢装已经没有时间考虑作品。尤其是在演绎中国古诗词作品时，一定要有必须的修养和底蕴，读懂才能有情。

对于上述提出的问题，声乐教师在教学实践中一定要注重，经常提醒学生。

2.解决途径：新歌学习五步法则

第一步：听范唱、打拍子。首先，在演唱外文歌曲时，要听母语国优秀歌唱家的范唱;其次，民族间歌曲听本土歌手或本土歌唱家范唱;最后，打拍子，可在节拍器下练习，节奏、音准是灵魂，歌词是心灵的窗户，韵律是色彩，情感是升华。第二步：读歌词，在节奏中熟读歌词。首先要熟读歌词，直到无错误背诵，并理解内涵;其次还要边打节奏边熟读中外文歌词。第三步：在钢琴上弹旋律。要在钢琴上，在作品节奏中弹旋律，可以先放慢速度练习，并且要在节奏中视唱旋律，注意要清唱，可以低八度演唱高音。第四步：边弹边唱旋律。要右手弹旋律，左手打节奏，嘴里轻声唱旋律，在这里要注意间奏也要弹出来并且要将所有的表情术语演绎出来，也可以先将旋律录下来，再跟着录音，先一个个小节练习，再到整个乐句练习。第五步：边弹边唱歌词。首先，在钢琴上用中强（mezzo forte）力度边弹边唱;其次，如果做不到马上边弹边唱，可以先弹一两小节，再模唱，在这个环节中切记，永远不能盲目模仿别人的速度和处理，务必翻译每一句外文歌词，包括对于中国传统古诗词的正确理解。

三、我的声乐教学经验

美声歌唱学派，这一个传承了四百多年的唱法让我们拥有了非常科学的可以传承的技术理念，浩如烟海的曲目是作曲家创作的艺术精品，经过几个世纪流传至今，就好似一条康庄大道，让我们走在一个平稳科学的高速公路上。在这条道路上行驶，无论是大卡车还是小汽车，无论是低档车还是高档车，都会用自己的发动机在这条道路上行驶，有的速度快，有的速度慢。但是，这条路是基础，这也就是我们所拥有的传承的力量。

美声不应该用唱法来界定，美声是一个歌唱流派，是一种演唱风格。它由大量的艺术作品来构成，而仅用民族唱法，流行唱法，美声唱法来概括是片面，也是不科学的。美声歌唱学派或歌唱风格拥有的技术，可以将人体的共鸣开发到非常高的程度，将声音和歌唱状态调整好以后，我们想演唱各种风格的音乐都是信手拈来，在于怎样去设计、去表达、去结合。用老百姓喜闻乐见的，符合中国人审美观的方法去诠释作品。

美声歌唱学派非常大的一个特点，还在于声音的持久性，当掌握了非常好的技术以后，可以长达一小时，甚至坚持在三小时之内保持良好的状态去演唱个人独唱音乐会，在没有话筒的情况下，运用场地和自身腔体的共鸣去演唱歌剧角色，如果没有非常好的演唱技术，是不可能在三个多小时的演出中始终保持旺盛的精力和稳定的技术，出色地完成艺术角色的创造。

中国的戏曲演员，比如京剧演员，有一整套传承久远的训练手段和表演模式。从程砚秋 、梅兰芳先生等戏曲名家开始，京剧开始引入和借鉴西方古典声乐的嗓音训练方法和表演模式，让传统艺术的魅力更强。时至今日北京戏曲学校等都专门聘请了教授美声古典歌唱方法的声乐教师，经过十年左右的锻造和培训，他们也拥有一套符合国情的、符合戏曲演唱和表现手法的发声方法让他们能够完美演唱并演绎每一个生龙活虎的戏剧人物。中国京剧的唱腔演唱方法、吐字方法和表演程式，非常值得美声歌唱学派的师生们借鉴与学习，他们的嗓音同样具有持久力。在音乐领域同样将西方音乐理论、演唱方法、技术精髓与我们的发音吐字方法（如四声、十三辙等）、地方民歌的风格韵味、少数民族风格歌曲的特殊节奏等具有中国特色的民族风格相结合。例如：维吾尔族民歌《一杯美酒》、塔吉克族民歌《帕米尔-我的家乡多么美》、白族民歌 《蜜蜂想花想蜜》《白月亮白姐姐》创作歌曲《苍山歌声永不落》等。

多年的声乐教学，使我逐渐形成了自己的教学风格和特点，多次带领学生赴不同国家地区，举办多种风格的独唱、师生音乐会、同期的公开课以及讲座，为不同年龄的学生挑选国内外的参赛曲目。每学期针对每一位学生制定特色教学计划和曲目进度安排。每一次实践都是新的挑战和职业能力与思维模式的考验，都需要不断创新、调整。实践是检验自己演唱能力与教学成果的最佳，最直观的方式。

1.教学理念：因材施教、因人施教、因地制宜

我的教学理念是：注重基础，提高修养，情感真实，忠实原作，勇于创新，不拘一格，精益求精。针对程度浅的学生需要先讲解生理构造，歌唱与呼吸配合的重要性。让他们了解并熟记基础的声乐理论知识。要用最简单的语言，把发声器官及其重要性告诉学生并加以讲解。对于歌唱方法笔者认为最重要的几点是：首先，是声音，形于腰腹背，灌于头顶出，顶天立地，体态舒展，气息流动擦地走;其次，声音位置要高，于口盖之上，并钩住眉心，脑后摘音;再次，身体要松、通、开;最后，声音如行云流水，面部明快自然，台风优雅大方。

在艺术中有时缺点正是学生的特点，但是保留特点和个性是需要教师格外用心观察与分辨的，兼容并蓄与学生巧妙配合的结果。我培养的学生阿普萨萨是一名独龙族歌手，在保留他嗓音干净透彻，有张力的基础上，我充分肯定他的创作和曲目选择力。从不勉强他多唱不适合的外国作品，也不用适合其他学生的方法，给他带来困扰。而是因人施教，保留特色，调整技术的不足。如有时胸紧，建议他用划横八字的方法，放松上半身从而将气息松下来，气息落下来，喉头也就随之落下来了。艺术是一定要有个性的，有时我们以为的缺点恰恰是学生的特点，在教学中去粗取精保留声音与学生的聲音及歌唱特点。所以在平时要注重与学生保持沟通，了解他们的内心需求，兴趣爱好，对自己的定位才能更好的引导他们。鼓励学生大量阅读书籍，不仅限于声乐类书籍，历史、文学、诗词都要涉猎。

2.教学特点：中西合璧，洋为中用，与时俱进

西方的古典声乐演唱技术，迄今已经有四百多年历史，是目前最科学的，最适合人体发声的训练体系。它将人体的胸腔、头腔、口腔、鼻腔、咽腔共鸣高度整合，从而变成一件绝佳的人声发声乐器。意大利美声歌唱学派产生于此，与文艺复兴后的宗教、 哲学、 政治经济与文化发展，与美迪奇家族和欧洲皇室对歌唱艺术的支持与喜爱密不可分。文艺复兴后美声唱法的产生是为演唱当时所创作的宣叙调和抒情性音乐剧而产生的，美声唱法可以说是歌剧的产物，是文艺复兴时期人文主义思想的产物。“美声”（belcanto）不仅是一种歌唱技巧，一种演唱的风格，而且是一定的美学原则和艺术思想的体现。古意大利美声学派，首先应该看做是一个文艺思想、艺术理想的学派，然后才视为歌唱学派。

这一技巧是我们中国声乐教学必须要借鉴的最科学、最适合人体发声的技术，学习了西洋发声技术，在演唱中国作品时，都是要细致调整处理的。因为中外语言审美情趣，风土人情，种族不同，对声音和歌唱的衡量角度也是不同的，同时，演唱方式、吐字、归韵、乐句分句习惯等也是有所差异。仅有基本功还不够。怎样传播中国文化，怎样将西方古典演唱风格与中华民族的音乐元素、文化精髓与西方的歌唱原理相结合，是声乐演唱艺术家一直需要探索的领域。例如中国音乐元素与西方的歌唱原理结合或与戏剧、民族音乐相结合创造出中国的声乐艺术之路。洋为中用，古为今用，重点是洋为中用，科学性与实践性相结合成为我的教学理念。

美声歌唱学派传入中国不足百年。老一辈的歌唱家、声乐教育家沈湘、温可峥、周小燕、黄友葵、斯义桂、应尚能、喻宜萱、张权等是第一批在中国接受正统美声歌唱学派训练的学生，他们曾先后与来自俄罗斯和欧洲其他国家声乐教授学习，如弗拉基米尔·舒什宁（F.Shushlin）（俄）、亚历山大·契尔列普宁（A.Cherepnin）。这批早期来到中国的外国声乐教师将这一唱法传入中国，并培养了这批掌握西方歌唱技术方法的中国声乐教育的先驱们，他们学成之后又再次到国外音乐学院继续学习深造，并且都成为了中国声乐艺术的开路先锋。

3.教学原则：独特的个性是声乐艺术家应具备的素质

西方声乐作品更注重乐句的连贯性、歌唱性，要求作品处理精准而细致，表达和诠释一定要符合时代与作品风格。从声音上喜欢圆润通畅、不抖不摇张弛有度、收放自如富有穿透力的声音，特别强调张扬个性，塑造角色能力与语言的准确性。例如美籍希腊著名女高音歌唱家玛丽亚·卡拉斯（Maria Callas），一生扮演过四十三个歌剧角色。这些人物性格、风格、身份均不同，她复活了一百多年来被人遗忘的作品。因为嗓音极富个性，不是传统美声学派喜爱和认可的温柔甜美嗓音。一直被专家诟病，高中低三个声区声音也并不很匀净完美，有时声音转换痕迹明显，声音甚至可以用“粗粝”来形容。但是她清晰的吐字;集中处理极其细腻的声音线条;极富情感的艺术处理;独特的舞台魅力和对声音极强控制力，让她至今依然是独树一帜，迄今仍无人能超越的歌剧女高音歌唱家。

张弛有度且有控制力的腔体，可以自如歌唱又自然优雅得体，对骨传导人声乐器是很重要的。歌唱手势的处理、恰当的眼神与得体大方的肢体语言配合，也同样重要。

4.教学方法：注重声音基本功的训练

从生理结构发生及呼吸器官的讲解入手，让学生通过视频、图片、文字等了解歌唱的呼吸器官的构造及原理。充分运用肢体解放的手段，让学生学会在对歌唱有帮助的肢体运动和动作中，在身体舒展放松的状态下自如的歌唱。要求学生只要开口歌唱就要表达情感，带着情感和声音色彩歌唱，简单的练声曲也不例外。特别重视语言的准确性，无论是中文和外文，咬字都要清晰，辅音元音、声母韵母的字头、腹、尾，要分配好比例。外国语言为多音节字，发音分为元音、辅音、（子音、母音），以意大利为例有五个母音，其余皆为子音。而汉语语言为单音节字，有六个单韵母，二十九个复韵母（共有韵母三十五个），其余皆为声母。外语作品要注意单词的重音和乐句的重音，声音要连贯自如，高中低三个声区无缝连接，过渡平滑。声乐教学的重中之重是让每个学生能够保持自己的音色，音色就是歌唱家的声音名片，寻找学生最漂亮的音域后再拓展其他音区。

歌唱情感的表达是非常重要的，在许多的艺术家的作品中，我们都能听出用心、用真情诠释艺术作品的痕迹。歌唱其实也是一个做人的道理，要真诚，投入，一个艺术家必须要接地气。例如《塞维利亚的理发师》里的女主角罗西娜，为了能获得幸福和自由精心的布局策划，最终自由与爱情获得了胜利，成为人生赢家。在演唱这个角色时，歌声中不但要完成作品所需要的技巧，更重要的还是情感，要把情感灌注在这个作品中。如演唱普契尼的歌剧《玛侬·莱斯科》里的玛侬。剧中的女主角玛侬非常美貌，但爱慕虚荣追求荣华富贵。抛弃了爱人格里欧去追求富有的生活，最终虚荣心令自己付出了生命的代价。在生命的终结点来临之际，她万分悔恨，咏叹调《孤独堕落，我被人抛弃》是她生命的绝唱。用情唱，注入真实的情感，投入到特定的角色和環境中来塑造角色，是一个艺术家一定要注意的关键点。情感的表达也应该放在不同的作品不同的场合，我的声乐教学包括训练学生的技术技巧，提高音乐基础知识和修养，学会用真实的情感表达内心世界，战胜怯场、恐惧忧虑、过度盲目自信等不良因素，充分理解作品人物的内涵，通过对作品内心世界的探索，在了解作品背景，尊重作曲家原作的基础上，进行二度艺术创作。

5.教学方式：声部的界定、划分及歌唱方法

我在教学中特别注重语言的准确性，注重学生文学历史美学的修养，注重学生的身体协调性，注重学生在学习中的积极性与自身能力的开发，尤其注重学生声部的界定和划分。

声音分为男女高中低三个声部，但声种仅男女高音就有七类：轻型抒情花腔女高音、抒情花腔女高音、戏剧花腔女高音、抒情女高音、抒情戏剧女高音、戏剧女高音、瓦格纳式女高音。男高音分为：假声男高音、抒情男高音、抒情花腔男高音（也成为罗西尼式男高音）戏剧男高音、抒情戏剧男高音、滑稽男高音（轻型男高音的一种）瓦格纳式的男高音。男中音分四类：抒情男中音、抒情花腔男中音（罗西尼式男中音）、戏剧男中音、低男中音。女中音分三类：花腔女中音、抒情女中音、戏剧女中音。男低音分三类：低男低音、滑稽男低音、高男低音。女低音分两类：戏剧女低音、低女低音。

声部的界定与准确划分，需要有丰富的经验与耐心。刚接触学生不要急于确定，需要与他们交流谈心，再慢慢开始歌唱，了解他们的换声区以及换声点所在。仔细分辨他们最自然最好听的音区在哪里，有不少唱错声部的学生，他们天生腔体与声带不配套，有的可能音域宽但其实是中低声部。有的学生音色明亮，声音宽而有穿透力，这类学生与声带腔体不配套的学生，极容易定错声部。某种程度而言，定低声部比错定了高声部的学生要幸运。

在二十五年的教学生涯中发现了许多唱错声部的學生，很幸运遇到彼此，找到自己的声音后终于可以成为最好的自己。上海歌剧院青年女中音歌唱家王潇希，就是从女高音改为女中音的，也是通过声部的调整慢慢适应，寻找到了自己的嗓音特色与努力方向。另外，在歌唱艺术中，选择适合自己的曲目和声音最重要，不是声音越大，唱的越高就越好。同样，身体放松对歌唱有很大的帮助，针对身体的松弛有一些在教学中运用的方法非常行之有效，也非常简单：首先，顺时针划阿拉伯数字8，符合顺势而为的原理，在这个过程中注意节奏和肢体动作不要僵硬。其次，可以换重心，左右脚交替进行。最后，可以在大的白纸上，在节奏中边画图形边歌唱，可以先坐着练习，上半身直立，放松。

二十世纪的声乐发展上最突出的特点可能是科技的发展对声乐的影响了。电声的运用影响了嗓音的运用。直到二十世纪“古典歌剧歌唱”和“通俗”歌唱并没有本质上的区别。二十年代末，由于扩音器的使用和发展，促成一种新的唱风与技巧，“古典”歌唱与”流行”歌唱两种风格变得迥然不同。在声乐技巧上，“流行”或“通俗”歌唱没有必要把嗓音投射出来。一切都可用扩音器来代替，对音响师来说，控制轻柔的嗓音比扩大轻柔的嗓音要难得多。

事物的发展常常是利弊兼备的。由于唱片的发明使人们对过去的歌唱大师们的唱风有所了解，但也导致唱风向规范化或标准化的方向发展。这无疑会影响歌手们的创造性，至少那些极端个性化的手法和唱风有时会受到谴责。

多年的教学也结出了丰硕的成果，包括学术专著教材论文的出版，在国际国内重大声乐比赛，如柴可夫斯基国际声乐比赛等担任评委。所教授的学生在德国新声音、奥地利汉斯·嘎伯、俄罗斯圣彼得堡国际歌剧比赛、青歌赛、金钟奖等几十项比赛中获奖。多位学生担任歌剧音乐会中重要角色和独唱演员，无论是在歌剧院、剧团、还是在高校，他们均成为单位的重要骨干力量和国家的栋梁之才。寻找雅俗共赏，能引进来走出去的方式让中国的声音更多的走向世界，将西方古典声乐艺术的训练方法，严谨细致的训练手段与中国的音乐艺术韵味唱腔相结合，充分运用语言风格的个性特点走出一条适合自己的中国声乐之路。

参考文献：

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赵云红 中国音乐学院声歌系副教授

歌剧教研室副主任