蒋雄达

从理念上讲，各种展演、比赛只有水平高低之分，而不应有专业、业余之别，国外只有以音乐家或城市冠名以及用年龄区分的青少年比赛，如用音乐家冠名的柴可夫斯基、伊萨依、西贝柳斯、帕格尼尼、蒂博、埃乃斯库国际小提琴比赛，用城市冠名的美国印第安纳波利斯、加拿大蒙特利尔等国际小提琴比赛，以及维尼亚夫斯基、梅纽因等国际青少年小提琴比赛。这些历史悠久、有着极好声誉的世界大赛，吸引着无数天才提琴家向往参与。这些比赛只要具备条件，谁都可以报名参加，没有专业与业余之分，这在无形中促进了竞争和水平的提高。

就目前国内来说，各种展演、比赛很多，有时在水平上的确很难区分专业与业余。但总体来说，业余选手终究由于师资、时间、环境等各种条件的限制，在规范程度上总有明显差距。我们看到不少选手素质好、机能好、感觉好、潜力大，但在音准上不够严格，音乐缺少表现力，演奏不够规范，总觉得可以好些、更好些。为此，我今天想谈的就是严格规范基础训练与努力提高音乐表现力。

严格规范基础训练

小提琴基础训练中的规范包括手指的清晰、运弓的掌控、严格的音准、规正的节奏以及良好的发音等。不少学生在演奏中速度极快，但颗粒不清晰，错音没意识，运弓太直白，声音无变化，而音准不严格和节奏的不规正更是一种普遍现象。究其原因，主要是缺乏规范的音阶与练习曲等教材的基础训练，没有通过科学练琴培养出良好的音准概念，更没有通过循序渐进掌握常用的演奏技能，凭着才能过早地跳跃式提升。在学习过程中缺乏严格的指导与要求，对学生没有上升的高标准、高规格，再加上业余活动中许多功利的诱惑，致使练琴静不下心来，满足现状，缺少远见。

我认为要提高演奏的规范，必须重视以下两点：

1.必须重视各种调性的音阶练习

在小提琴的基本训练中，音阶是最重要的基础练习，只有通过严格规范的音阶练习，才能逐渐达到熟悉各种调性的变化，才能逐渐培养良好的音准概念，才能逐渐锻炼出灵敏的手指机能。

我们可以发现在演奏一些高难度乐曲时，都会遇到不少快速的炫技性乐句，或是阶进的，或是跳进的，细分析无不都是各种音阶的组合。听有些同学拉萨拉萨蒂的《吉卜赛之歌》，一开始那句四弦转换到高把位的琶音，就出现了换把不流畅、大小音程不严格、高把音准不到位的现象。又如在拉罗《西班牙交响曲》第一乐章开始的两句琶音，出现的问题是完全相同的，凡此种种，例子很多。总之，演奏的音准不好，关键在于缺少严格和规范的音阶练习。伟大的小提琴家海菲茨一生把音阶练习当作演奏家最重要的训练内容，其本人在繁忙的旅行演出中，都不忘上台前要静心做些音阶练习，以保持良好的音准和机能。可我们很多琴童往往最不喜欢练习音阶，觉得枯燥乏味，岂不知这种不从关键人手的训练，为日后的提高造成了难以弥补的损失。由此，希望所有的琴童对此要引起足够的重视。

2.必须重视练习曲的循序渐进

在小提琴训练的教材中有许多好的练习曲，只要循序渐进、严格要求，便可以不断积累，逐渐完善各种演奏技能。

我们发现一些学生在演奏上出现的问题几乎是相同的，反映出在基础训练过程中没有通过练习曲规范地循序渐进，而导致在乐曲演奏中技术上的不完善、能力上的不适应。例如选手演奏较多的克莱斯勒的《前奏与快板》中含有的各种不同的演奏弓法，长弓不动听，华彩不自如，分弓不清晰，跳弓不灵巧，和弦不饱满；《波波拉风格小步舞曲》符点音符节奏不明确，连弓乐段四弦转换不委婉；莫扎特协奏曲中的各种装饰音，包括颤音、回旋音、波音等演奏方法都不够明确。凡此种种，无不都是疏漏和忽略了练习曲的规范训练。我始终认为我们的琴童在基础训练阶段，若能把《开塞》和《克莱采尔》两本经典教材循序渐进地认真细练，小提琴演奏中常遇到的一些技法基本上就都能适应和完成了。

《开塞》和《克莱采尔》这两本阶梯式的经典教材，好就好在每一条练习都有它的特殊功能，无论分弓、连弓、顿弓、跳弓、附点音弓、连顿弓、颤音、同旋音、双音以及换弦、换把等内容，在课序排列上都作了相对的集中，因此，对于这两本教材的循序渐进和规范训练至关重要，由此再进入罗德、顿特等这些高难度随想曲的练习，演奏技能也就渐趋完善了。

现在不少琴童和家长对这些不可或缺的基础教材，一则未认识其重要性，再则只为实用功利出发，选练一两首为应付考试所用，结果是将许多重要的技法训练都疏漏了。

努力提高音乐表现力

我们看到不少学生演奏的技术状态很好，但就是缺乏表现力，音色没变化，演奏不感人。怎样才能提高学生演奏的音乐表现力，使这些有一定才能的学生学会用琴歌唱，并使自己的琴声变得富有感情而动听呢？

1.要使学生保持平和的心态

老师在给学生授课时，要给学生营造出一种平和轻松的氛围，要教会学生带着愉快的心情去练琴。在练琴时要排除杂念，认真投入，并切记不要使学生有压力、有负担，即使在练习中遇到一时难以克服的困难，也不要使学生产生畏难情绪。因为如若失去勇气和缺乏自信，这就等于给自己的练习设置了第一道障碍。

我们平时总说让学生快乐练琴，这是指一种心态，实际上练琴本身并不是一件轻松快乐的事，而是一个艰苦的劳心劳力的过程，只有通过刻苦的练习和对乐曲的感悟，从心里去追求、去歌唱，唯有这样，才可能奏出好听的琴声，从而让他人和自己都能感受到音乐的美好与快乐。

2.要使学生懂得乐曲的分句

一首新的乐曲放上谱台，不经过认真读谱和分析，急于拿起琴来就拉，这是练琴中常见的现象，其结果是磕磕巴巴，句不成句、调不成调，因此，作为老师首先一定要使学生懂得乐曲的正确分句。新谱上手，先要清楚乐曲的起句在哪里，换句在哪里，乐句与乐句之间如何连接，就像我们平时说话一样，要搞清句头句尾，有的句子可能字多一些，有的句子可能字少一些，这是由于表达的内容不同，我们不能主观地按照字数的多少去分句，而应该按照话语的内容去分句。有的人讲话语无伦次，意思表达不清，听的人也会感到十分痛苦，演奏乐曲同样如此，分句要合乎逻辑，听来很有章法。我们经常遇到一些琴童在演奏维瓦尔第《a小调协奏曲》时，出现一些分句不妥的地方，如乐曲的主题：

在这九小节半的旋律中，虽然谱面上没有标明呼吸和分句记号，但实际上它的大小分句在半拍的起音上都是有规律的，即应是：

当然，在演奏时把呼吸号的地方完全断奏，其效果并不是很好，重要的在于要有那种感觉，如若演奏成这就把语气和分句搞错了。再如维瓦尔第《g小调协奏曲》开始第八小节处：

这里如果把连续五小节切分音一口气拉下来，会使听的人觉得喘不上气来，如果让每一小节都加上重音则又显得很滑稽。如若认真想一下它标的“< >”记号，就可懂得它的乐句起音仍在后半拍，正确的奏法应该是：

这样听起来就会感到舒服和有意思了。

3.要使学生懂得旋律的走向

旋律的走向就和我们说话的语气一样，有激情昂扬的对话，有柔绵细软的诉说，不管何种情绪的表达都会有一个积累和转换的过程。在音乐作品中，很多情绪的表达转化过程就是旋律的走向，乐段和乐段之间、乐句和乐句之间，都会有一定的呼应和对比，并且都是进行式的。所以我们在演奏的时候，一定要注意不能都用一种情绪和一种力度去演奏，而要有不同的处理表现。例如不少学生都演奏过维奥蒂的《a小调第二十二协奏曲》那段抒情柔美的歌唱旋律：

曲调委婉自如，情绪起落有序，我们在演奏时要有层欠，要有递进感。但不少学生却不懂旋律的走向，因此在演奏这段精彩的旋律时，没强没弱，味同嚼蜡，可惜了作曲家埸予我们的这份音乐财富。

又如莫扎特《G大调第三协奏曲》中这一对比乐段：

四个短句中前句细柔轻巧，后句委婉舒展，这种亲切的问答式对句，在莫扎特和海顿的作品中尤为突出。演奏者若能明确这些旋律乐句的走向，在力度表现上有鲜明的对比，这就为体现作品的风格打下了基础。懂得了乐句的走向，学会了旋律的歌唱，自然也就会将运弓中的强、弱、快、慢安排得当。

4.要使学生重视表情记号

作曲家在谱面上所标明的每一个表情记号和音乐术语，都是他们创作的心理要求和作品效果的需要。一个好的学生，首先必须非常严格和认真地去努力完善谱面上的每一处表情要求，在此基础上再不断融八自己新的体会、新的探求、新的表现手法，这就是音乐上的再创造，或称为悟性和演奏上的个性。这种少有的音乐才能，就成了攀登艺术高峰的关键因素。但事实上，我们在日常培训中，更多看到的是学生埋头拉音符，对于谱面上的表情记号和音乐术语完全不予理会，p、pp、ppp和f、ff、fff之间的区别，“< >”的幅度和差异，以及必须掌握的运弓上的各种速度变化等，对于这一切，绝大多数学生并非完全不懂，问题的关键在于没有引起重视，不认真对待。一些学生从小缺少严格要求，养成了练琴马虎的习惯，这是影响乐感和音乐表现力提高的一个十分遗憾的原因。

5.要使学生学会找情景、编故事

乐感和表现力的好坏固然有天赋和才能的区别，但多半要靠在生活成长中去补充营养，要多听、多看、多思、多想，不断拓宽自己的知识面，丰富自己的理解力和想象力。我们有不少学生由于年龄小、经历少，老师应该鼓励他们在练习乐曲时自己找情节、编故事。古典作品很美，作曲家离我们生活的年代也相距甚远，我们不必让学生完全按照当时的人物情感和时代背景去刻板地解释当时的作品，而可以按照学生现在的生活环境、生活经历和情感体验去学会编故事。大的协奏曲可以编一个分段有不同情节的长故事，小的乐曲可以编一个小故事，学生练琴时带着自己编的故事投入情节中去演奏，这种带着情景内容的练习与演奏，自己就不会觉得十分枯燥，随着揉弦的运用和运弓的变化，琴声自然不会苍白和干枯了。

6.要让学生多练传统古典小品

三百多年来琴坛乐库中积累的作品，犹如无际夜空中的繁星，闪烁出绚丽的异彩，而亨德尔、维瓦尔第、海顿、莫扎特、巴赫、贝多芬等伟大的音乐家，他们所留下的经典小品更是光芒耀眼。在他们的作品中有着严谨的曲式结构、准确的句法分段、鲜明的力度对比、丰富的色彩变化，认真多练这些传统的古典小品，可以从中完善演奏意识，规范演奏技法。

总之，努力培养学生在演奏中的乐感与表现力，使很多有才能的孩子得以插上音乐的翅膀，自由翱翔在音乐的天堂，这是每一个老师迫在眉睫的当务之急，也是每一个真心喜欢音乐、潜心踏实练琴的学生应该接受的理念和追求的目标。