赵赓更

（作者单位：西南交通大学）

《致我们终将逝去的青春》视听语言浅析

赵赓更

（作者单位：西南交通大学）

2013年，一部《致我们终将逝去的青春》在国内取得了7.12亿元的超高票房，口碑也一片叫好，引起了广泛的关注。《致青春》制作精良，在电影创作流程中的各个方面都具备较高水准，独树一帜。本文试从电影创作中的镜头语言、用光色彩和音效运用几个方面分析其票房大热背后的主要原因。

致我们终将逝去的青春 景别 色彩 音效 配乐

公映于2013年4月日的国产电影《致我们终将逝去的青春》（下文简称《致青春》）在全国各大院线上线之后票房全线飘红，在首映之后的12天内取得了超过5.2亿元的票房，并最终将总票房定格在了7.12亿元人民币上，收获颇丰，在口碑方面，无论是大众认知，还是业界态度，也都得到了普遍的肯定，可谓是在票房与口碑上的双丰收。本文目的旨在从视听角度分析《致青春》票房大热背后的原因。

二十世纪初叶，意大利的诗人卡努杜曾经在电影尚处于萌芽阶段的时期就发表了其著名的电影艺术理论《第七艺术宣言》。在《第七艺术宣言》中卡努杜认为电影是一种“动的造型艺术”，（进行注释）电影这一艺术门类囊括了“静”的和“动”的艺术，既是“时间”的艺术，又是“空间”的艺术，是一种“综合的”的艺术。从卡努杜对电影艺术运动的造型性，动静结合性以及兼具时空属性的特点的强调，我们可以看出，电影有别于其他艺术门类的显著的特点正在于电影所独有的运动画面上。

好的电影作品不仅能通过最直白的人物对白、情节设置和故事内容来完成表现功能，更应该能够运用电影的镜头语言来传情达意。所谓一枝一叶总关情，一条缓慢的长镜头可能就是一颗疲惫思归的羁旅之心，一个高曝光的暖色镜头也许正象征着人物舒适惬意的愉悦之情，正如电影剪辑与叙事手法的探索先驱大卫格里菲斯所预见的那样：“电影在未来将成为一种全新的世界性的语言，凡是看到的人都能理解。”

《致青春》正是很好的运用了包括电影画面在内的众多电影影视语言来传递意境与情感，从画面造型中抽象出了可干直观的艺术形象，升华了作品内在的精神思想感情与价值取向，进而使观众能够领会到相对高层次一些审美体验。在造就《致青春》票房大热的方方面面的原因中这一最触及电影艺术本质的一环是相当重要的，这个要素在很大程度上也决定了本片的品质。

从这个层面出发，将《致青春》与在上映日期以及题材选择等都比较类似，同时也在华语电影市场内引起了观影与讨论热潮的另一部台湾产电影《那些年我们的一起追的女孩》（在下文中简称《那些年》）相对比，从电影画面最基本的单位——镜头上就能明显看出二者的不同之处。

就一般意义而言，镜头是一部电影叙事最基本的构成单位，相当于写作中最基础的短句，同时也是电影摄影中最小的单位。其定义通常公认的是指观众在影院中从银幕上看到的始于一幅画面直至转切至另一幅画面之前的部分被称作一个“镜头”。镜头所包含的影像要素可以分为：景别、光影、色彩和构图以及镜头的运动等等。

景别在电影观赏过程当中常常为观众所忽略，隐藏在后台，其实正确的景别运用对电影的叙事和表意都有重要的作用，还能引导观众进入影片所预先设置的情景当中，更加便于影片思想和情感价值取向的传达。景别可以大致地根据所记录的人或物或环境在影片画框内所占的比重，由小到大地划分为远景、全景、中景以及近景，加上表现所摄物体局部细微特征的特写景别一共五种。在《致青春》影片的一开场的一小段主角的奇幻梦境作为一个杂耍蒙太奇抓住观众注意力，以使观众更好地进入影片的预设情境之后，正式进入电影主要情节叙事的部分从影片的第三分零六秒左右女主角郑薇从火车站出发前往自己的大学处开始，此后一直到影片约七分十七秒处主角郑薇进入女生宿舍为止，期间虽然经剪辑多次，拍摄角度也由仰拍转换至平拍乃至俯拍，并有数度视角切换，人物和环境也发生了增减与变化，但明显可以看出景别始终是标准的中景拍摄。

使用中景拍摄的好处在于在保证了演员表现空间的基础上也能不遗漏必要细节，同时完成了影片在一开始在人物和环境两个方面上对观众进行交代的创作意图。更为重要的是，影片开始的这段长达数分钟的单一景别拍摄手法的使用正好拉开了《致青春》这样一部时长超过两个小时的长剧情片的序章，形成了良好叙事节奏的开端。剧情长片的叙事节奏某种意义上可以与以情节铺陈为主的古典主义小说相类比，电影开头的中镜头距离适中，比起全景和剧中人物关联更密切，又没有近景和特写那样显得过分的亲密和私隐，总体效果不会非常疏远或太过靠近，逐步带领观众进入这个光影所编织的世界，正如小说开头普遍采用的铺陈叙述，娓娓道来，向读者一步步地介绍字句构成的世界中的人、事与物。如果按那句烂大街的形容电影的话：“电影是造梦的机器。”的说法，那开场这段中镜头就是进入梦境的过渡隧道，用最合适的距离暗示了观众：这场梦境即将开始。和《致青春》的注重叙事节奏与策略所不同，同样涉及校园题材，但是内容更加年轻化，时间跨度较小的台湾电影《那些年》则选择完全不同的景别拍摄来处理开场的镜头。《那些年》在一开场就使用了近景镜头甚至是特写镜头来拍摄男主角柯腾在家中生活的场景，然后才转换到中景解释整个电影的环境，而进行叙事和矛盾设置则要到电影进行到更后面才会用男主角柯腾和同学一行人上学情节的全景来对观众完成交代。

由于两部电影虽然在题材上有类似的地方，但风格和主旨都有明显的较大不同，采用何种景别进行拍摄其实难分孰高孰低，但是比起主题轻松，内容跨度较小，时长较短的《那些年》在景别选择上的略微随意，《致青春》在景别处理上的工整严密从甫一开始已经可见一斑。在电影发展到后半段，从电影一百一十二分钟开始，女主角的朋友阮莞在慌忙中赴其男友约会打算共同观看演唱会而不停奔忙以致到最后遭遇了车祸，这一段戏份仅有一分钟多一些的长度，却使用了高频率的蒙太奇切换，在阮莞和其男朋友赶路的不同近、中景间来回快速剪辑，在烘托人物焦急心情的同时也表现了人物所处环境中交通状况车流如织的危险局面，在感情色彩和情节伏笔铺垫上都为即将到来的车祸情节进行了最好的准备。而当车祸发生之后，镜头又拉远到表现其尚不知情的男友在演唱会门口独自等待阮莞的全景镜头，从侧面暗示了阮莞遭遇不幸的事实，也从前面紧迫的中近景中抽离出来，给观众以空间感受人物哀伤的感情色彩。这一段戏份，景别配合剧情情绪，紧张急迫的心情使用逼仄的近景，凄凉哀伤的心情则选择意味深长全景二者相得益彰，不禁令人喝彩。《致青春》景别随情转，不论远近都联系着人物的命运与感情色彩，镜头景别的选择不再是单纯地为了记录情节，而是围绕表现主题和传递精神价值进行运用，成为了导演与摄影指导表意的有效手段，这种电影化的艺术手法成就了《致青春》取得票房大热的艺术基石，导演赵薇与摄影师李然的匠心与巧思表现的淋漓尽致。

电影导演往往又被称之为“光影魔术师”，电影艺术本身也有“光与影的艺术”的雅称，在电影镜头中的摄影用光可说是电影最为重要的基石。撇开极少数先锋派的实验电影之外，自1895年电影诞生伊始，电影艺术就始终与摄影的用光紧密相连，用光就是电影画面存在的物理基础，正如我国著名的摄影艺术家、理论家葛德所言“（电影）有了光，画幅之中方能呈现出空间与物质的视觉上的形象，方能展现出它们的形态、质感以及颜色。”

而自从上世界三十年代以来，彩色电影正式进入电影艺术的殿堂，就受到了所有人，不论是创作者还是普通观众的一致青睐，连德国诗人歌德也曾留下过“一切生物都向往彩色。”这样的句子，自此摄影中的色彩元素就成为了和用光相辅相成的摄影要素，共同成为了后来的电影人探索电影记录与表现特性，审美和教育功能的可能性时手中最重要的“武器”。

在《致青春》中，也可以明显地看到导演与摄影师在用光与色彩的把控上明显地表意化、艺术化倾向，当然，出于商业化的考量，影片不可能像先锋表现主义电影那样使用过分夸张，明显有悖于真实世界的光影和色彩的布置，不过其自觉的人为加工还是非常清晰的。

这种通过光影和色彩的加工达到传递主观情感倾向，感染观众的技法在从影片第四十九分钟五十秒处开始的女主角郑薇所在大学的文艺汇演情节中有最为集中的体现。在这一段情节中，最先上台表演的是由女主角的情敌领舞的健美操团队。当健美操团队表演时，表面上看，影片使用了色调温暖的橙色打光，同时光线的强度也比较高，曝光很充足，摄影师希望传达和烘托的感情是积极正面和阳光的。但是仔细观察可以发现，用光的方向奇怪地只采用了强烈的脚光，一般情况下必备常用的正面光和顶光却不见踪影，再加之使用的是强度极大，层次尖锐分明直射光，单一光源集中在女主角情敌的脸上形成了对比明显的阴影和高光区，看似暖色的色调反而使之更加的妖魔化，从这个镜头还可以看到一些二十世纪二、三十年代德国表现主义电影的影子。反观女主角郑薇上台表演歌唱时，同一舞台，前后不过几分钟的灯光效果却似换了人间，正面光、顶光、前侧光、侧光……全都开齐了，将郑薇衬得好似天女下凡。这种对光影和色彩娴熟运用，大大加强了这一情节的说服力和感染力，为影片增色不少。

再看《那些年》的用光却普遍使用常规打光，不仅在同一情节或者场景内部缺乏变化，即使是将电影的感情基调发生强烈变化的前后部分进行对比也不难发现二者的用光其实变化不大，多数只是根据再现场景真实的需要进行的一般打光，还原了真实，光影和色彩却极少参与到传情达意中来。

还是不得不说，《那些年》因为偏喜剧的电影风格和营造浪漫氛围的需要，保持一致的用光风格其实是可以接受的，但也从一个侧面衬托了《致青春》在镜头语言上的成熟，以及导演和摄影师驾驭复杂题材的不俗能力。这样成熟的镜头运用保证了影片的品质，随之也保证了影片的口碑和票房。

就电影艺术的物理基础而言，主要有两个重要的方面，即诉诸于视觉器官的图像和诉诸于听觉器官的声音。二者一道构成了电影艺术的视听语言。而电影的声音元素传统上可以分为“人声、音效和配乐”三种。因此配乐和音效的运用对《致青春》能够票房大热也是功不可没的。由于人声在影片中只是常规还原现实，在此就不加以赘述了。

音效通常又被称作“环境音响”，根据声源性质分类可以分为“自然音响”和“环境音响”；根据收音技术分类可以分为“同期录音”和“拟声”。在早期电影的创作中同期录音的占音效的比例相当高，由于技术原因，后期拟声只在很小的范围内使用。但录音设备的更新，电脑后期混音。声音特效软件的成熟，加之对音效参与叙事和烘托情感基调的需求增加，拟声的比例在不断的地上升。

《致青春》灵活运用了现场录音的真实感和拟声的表现性，达到了音画的融洽配合在完整地还原电影真实的同时，也很好地参与到了以声传情，声画交融中来。

影片进行到第八十七分三十秒左右时，女主角郑薇得知男友陈孝正即将弃自己而去，伤心欲绝几近崩溃。这时，郑薇来到学校附带唱歌机的餐厅，正值晚餐，满堂热闹欢呼的场景，但此时电影所配的音效不是同期的录音而是郑薇内心悲愤的独白和哀伤的配乐，餐厅里的人声只在混音中以极低的音量出现。这个桥段很好地传达出来了人物内心的伤心愤懑，声画在此处的不同步反而显得意蕴深长，耐人寻味。

此外，在影片的第七十八分钟处，女主角的室友朱小北遭遇在超市不白之冤后由警卫室返回超市，将超市一通打砸泄愤的情节中，朱小北最后用椅子将超市玻璃窗打破达到了这一段落的情感爆发点。和情感上的爆发相对应的，在这一段落中的音效几乎全程采用拟声，特别是最后椅子砸破大玻璃窗时，观众能够感受到椅子呼啸而来，自远至近逐渐变大的音效，到最后椅子打破窗户时音量到达峰值，情感的累积也在这一刻得以完全爆发。这一段如果使用同期录音是很难达到这一身临其境的效果的，拟声反而达到了艺术的“真实”。

这样例子在近两个小时的影片中不胜枚举，这些音效上活用同期声和拟声，兼采音画同步和音画错位两者所长的小细节就像巨轮上繁密的螺丝钉，可能不太引人注目，但实在是《致青春》这艘巨轮在波诡云谲的电影市场上远航的重要保证。

不同于最初对电影音乐只是“电影附庸”的认识，在当今的电影市场上电影配乐的地位已经取得了显著的长足进步，不仅在电影的内容上可以帮助主题的传达，起到渲染情绪，升华价值观的作用，还可以为电影的营销宣传增添一份助力，吸引公众的注意，电影的配乐在目前的电影工业中已经成为了十分突出的重要一环。《致青春》选用王菲演唱的歌曲《致青春》（全称）作为其主题歌也乘上了电影配乐迅猛发展的东风。拥有了天后王菲的火爆人气和超高关注度，《致青春》自然获得了更多的眼球，自然也吸引了更多观众买票进入电影院。而王菲也借此保持了自己的人气和受关注度，可谓是双赢的一步棋。类似的著名歌星献唱受关注影片主题曲的行为，其实在好莱坞电影工业中早已司空见惯，这次《致青春》选用天后的歌曲作为主题曲也是国产电影向好莱坞电影学习靠拢的可喜转变。从最终的效果来看，这场音乐与电影的联姻，对《致青春》的票房大热还是帮助甚多的。

这些创作环节上的良苦用心就是《致青春》以六千万元的成本博得超过七亿元票房，口碑一致叫好背后的原因。

一部电影能够取得成功，其原因应该是多方面的，或许还涉及到很多营销推广、市场机遇等发行手段，和其他一些诸如观众观影习惯等的客观环境问题，但其自身创作环节的过硬，作品质量高标准一定是最重要的原因之一，这是之后的国产电影在创作中上最值得吸收的经验。